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出版者:中信出版集团

作者:[日]铃木成一

出品人:

页数:296

译者:何金凤

出版时间:2018-1

价格:68.00元

装帧:精装

isbn号码:9787508678818

丛书系列:

图书标签:

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《光影织梦：艺术家的视觉语言与创作之旅》 内容梗概： 《光影织梦：艺术家的视觉语言与创作之旅》是一本深入探索艺术创作过程、剖析艺术家如何运用视觉元素构建其独特艺术世界的著作。本书并非一本技术手册，更像是一场与数十位当代艺术家深度对话的旅程，通过他们的亲身经历、创作心得以及对光影、色彩、构图、材质等核心视觉语言的独到见解，为读者揭示艺术作品背后丰富的情感、思想和技艺。 本书从艺术家的个体经验出发，邀请了油画、雕塑、摄影、装置艺术、数字艺术等多个领域的代表性艺术家，分享他们初识艺术的契机，以及在漫长的创作生涯中，如何一步步摸索、定义和精炼属于自己的视觉符号。读者将跟随艺术家们穿越他们灵感的源泉，了解那些触动他们心灵的瞬间，以及如何将抽象的情感和复杂的思想转化为具象的视觉表达。 在视觉语言的剖析上，本书着重探讨了“光影”这一核心要素。光影的运用并非仅仅是对现实世界的模仿，更是艺术家调动情感、塑造氛围、引导观众视线、赋予物体生命力的重要手段。书中将通过大量实例，展示不同艺术家如何在画面中营造戏剧性的光影对比，营造宁静的氛围，或者通过微妙的光影变化来暗示时间的流逝和空间的深度。从古典主义绘画中对伦勃朗式光影的传承与创新，到印象派对自然光瞬息万变的捕捉，再到当代艺术家利用数字光影技术创造超乎寻常的视觉体验，《光影织梦》将勾勒出一幅光影在艺术史中流转演变的壮丽画卷。 色彩同样是本书不容忽视的篇章。艺术家们如何选择色彩，如何搭配色彩，色彩又能传递出怎样的情感和象征意义？本书将深入研究色彩理论在艺术实践中的应用，探讨不同文化背景下色彩的象征意义，以及艺术家如何通过大胆的色彩实验打破传统，创造出令人耳目一新的视觉效果。从莫奈笔下的马奈印象，到马蒂斯自由奔放的色彩运用，再到抽象表现主义艺术家如何用色彩宣泄内心的激荡，《光影织梦》将带领读者领略色彩世界的无限可能。 构图作为艺术作品骨架般的支撑，其重要性不言而喻。本书将详细分析艺术家如何巧妙地运用线条、形状、空间和比例来组织画面，引导观众的目光，并最终传达作品的核心意图。从黄金分割的经典法则，到打破常规的解构主义构图，再到摄影师如何通过独特的视角和景别捕捉瞬间，《光影织梦》将揭示构图背后隐藏的秩序、平衡与冲突。 此外，本书还将触及艺术家在材质选择上的考究。无论是油画布的纹理、雕塑家手中石材的触感，还是摄影胶片的颗粒感，亦或是数字媒介的虚拟光泽，材质都赋予了艺术作品独特的质感和生命力。艺术家们如何利用不同材质的特性，来增强作品的表现力和感染力？书中将通过对艺术家工作坊的描绘，以及对他们材料选择背后思考的呈现，让读者对艺术创作的物质层面有更深刻的认识。 《光影织梦》并非仅仅关注“技”的层面，更深入挖掘“道”的内涵。本书将探讨艺术家在创作过程中所面临的挑战，包括灵感枯竭时的挣扎、市场压力下的坚持、以及对自我风格的不断探索和突破。通过这些真实的故事，读者可以理解艺术创作并非一蹴而就，而是一个充满艰辛、热爱与成长的漫长过程。 本书的另一大亮点在于，它将尝试解读艺术作品背后的“故事”。艺术家为何会创作某一件作品？作品中隐藏着怎样的个人经历、社会观察或哲学思考？《光影织梦》将通过采访和文献研究，试图解开这些谜团，让读者在欣赏艺术作品时，不仅看到表面的视觉元素，更能触及作品深层的情感和思想肌理。 这本书的目标读者群十分广泛，不仅包括艺术专业的学生和从业者，也面向所有对艺术充满好奇、希望深入了解艺术创作秘密的爱好者。无论您是初次接触艺术，还是已经有一定鉴赏基础，都能在这本书中找到属于自己的启发和共鸣。它旨在打破艺术与大众之间的隔阂，用通俗易懂的语言，带领读者走进艺术家的内心世界，感受他们对生活的热爱、对世界的思考，以及他们如何用独特的视觉语言，为我们编织了一个又一个如梦似幻的光影世界。 《光影织梦》是一本关于“看见”与“被看见”的书。它教我们如何更敏锐地观察周遭的世界，如何解读那些隐藏在日常之中的视觉密码；同时，它也展示了艺术家们如何将自己内心的风景，通过光影、色彩、构图和材质，淋漓尽致地呈现在我们眼前。这是一次关于视觉的探险，一次关于灵魂的对话，一次关于创作永恒魅力的颂歌。 详细内容解析： 第一部分：启航：灵感之初与艺术家基因 第一章 偶然的邂逅：艺术的召唤 许多艺术家并非科班出身，他们的艺术之路往往始于一个偶然的触动。本章将通过案例，讲述艺术家们第一次被艺术“击中”的时刻，可能是童年的一幅画、一次展览，甚至是大自然中的一束光。 例如，一位著名摄影师可能因为儿时一张泛黄的老照片，对“记录”产生了浓厚的兴趣；一位雕塑家则可能因为一次偶然触摸到一块质感独特的石头，便被其潜力所吸引。 我们将探讨艺术家早期模仿与学习的过程，以及他们如何开始形成对“美”的初步感知。 第二章 内心的回响：情感的触媒 艺术创作的深层驱动力往往源于艺术家内心强烈的情感体验。本章将深入探讨艺术家如何将喜悦、悲伤、愤怒、爱恋等复杂情感转化为创作的能量。 我们会分析一些作品，如何通过特定的色彩组合、扭曲的线条或强烈的对比，直接传递出艺术家压抑或释放的情绪。 例如，一位抽象表现主义画家可能通过泼洒颜料来宣泄内心的焦虑，而一位肖像画家则可能通过捕捉人物眼神中的一丝忧郁，来触动观众的心弦。 第三章 视野的开拓：生活经历的沉淀 艺术家的创作内容往往与他们的生活经历息息相关，无论是童年回忆、旅途见闻，还是社会观察。本章将展示艺术家如何从日常生活中汲取养分，将碎片化的经历提炼为艺术作品的叙事。 我们会看到艺术家如何将旅行中的异域风情转化为画面的灵感，如何通过对童年场景的重现来探索时间的流逝，甚至是如何将对社会现象的思考融入作品之中。 例如，一位关注城市景观的艺术家，其作品可能源于他在不同城市穿梭的观察；一位描绘家庭场景的艺术家，其创作可能充满了对亲情的温暖回忆。 第二部分：视觉的魔法：光影、色彩与构图的艺术 第四章 光影的语言：绘画世界的灵魂 光影不仅仅是物体被照亮的部分，更是艺术家塑造立体感、营造氛围、引导情绪的重要工具。本章将深入剖析不同艺术风格中光影的运用。 从伦勃朗的戏剧性光影，到印象派对自然光瞬息变化的捕捉，再到当代艺术对数字光影的创新运用，我们将详细解读。 我们将分析艺术家如何通过控制光源的方向、强度和色温，来赋予画面以生命力，例如，低角度的光影如何增加神秘感，高角度的光影如何带来神圣感。 第五章 色彩的交响：情感的调色盘 色彩是艺术中最直观、最富表现力的元素之一。本章将探讨色彩的心理学效应、文化象征意义以及艺术家如何运用色彩来表达情感。 从冷暖色的对比，到互补色的碰撞，再到单色系的运用，我们将展示色彩在不同艺术作品中的多样化表现。 例如，红色可能象征热情或危险，蓝色可能代表宁静或忧郁；而某些艺术家则会故意打破传统色彩联想，创造出具有颠覆性的视觉感受。 第六章 构图的智慧：画面的秩序与张力 构图是艺术家组织画面元素、引导观众视线、构建视觉秩序的关键。本章将解析黄金分割、三分法等经典构图法则，以及艺术家如何通过打破常规来创造视觉冲击力。 我们将探讨对称构图、斜线构图、三角形构图等不同构图方式所带来的不同视觉感受。 例如，摄影师如何通过精确的取景和对焦来构建一个引人入胜的画面，画家如何通过画面的留白来营造意境。 第七章 材质的低语：触觉与视觉的共鸣 除了视觉元素，艺术作品的材质也对其表达起着至关重要的作用。本章将探讨不同材质（如油画颜料、雕塑石材、摄影胶片、数字媒介）如何影响作品的质感、肌理和最终的呈现效果。 我们将了解艺术家选择某种材质的原因，以及他们如何通过对材质的特殊处理来增强作品的表现力。 例如，粗糙的画布纹理可能增加画面的厚重感，光滑的金属表面可能反射出独特的光泽。 第三部分：创作的旅程：技艺、探索与突破 第八章 技艺的磨砺：从基础到精通 艺术创作离不开精湛的技艺。本章将回顾艺术家们如何通过长年累月的练习，掌握绘画、雕塑、摄影等基本功。 我们将分享艺术家在学习过程中遇到的挑战，以及他们如何通过不断的尝试和调整，来提升自己的技术水平。 例如，一位插画师可能分享了她如何精通人体结构学，一位陶艺家则可能详述了她对釉料的深入研究。 第九章 灵感的迷宫：探索与创新 灵感并非凭空而来，而是在不断的探索与实践中涌现。本章将展示艺术家如何通过跨界、实验和对未知领域的探索，来激发新的创作灵感。 我们将看到艺术家如何从科学、音乐、文学等其他领域中汲取养分，如何尝试新的媒介和技术，来拓展自己的艺术边界。 例如，一位数字艺术家可能将物理世界的运动规律融入虚拟现实的创作中，一位装置艺术家则可能将日常物品进行颠覆性的重组。 第十章 风格的形成：独特性与辨识度 形成鲜明的个人风格是艺术家毕生的追求。本章将探讨艺术家如何在其创作生涯中，逐步确立并巩固自己独特的艺术语言。 我们将分析艺术家风格的形成过程，以及他们如何平衡个人特色与市场需求。 例如，我们可能会看到一位艺术家如何从模仿走向原创，如何将多种元素融合成一种具有辨识度的风格。 第十一章 艺术家的战场：挑战与坚持 艺术创作之路并非坦途，艺术家需要面对来自各方面的挑战，包括灵感枯竭、评论压力、市场竞争以及对自身艺术理念的坚持。本章将通过真实案例，展现艺术家在逆境中如何保持创作的热情和初心。 例如，我们会看到一位艺术家在面对市场低迷时，如何坚守自己的艺术原则；一位艺术家在遭遇创作瓶颈时，如何通过休整和反思来重新出发。 第四部分：作品的叙事：解读与共鸣 第十二章 故事的低语：作品背后的情感与思想 每一件艺术作品都承载着艺术家想要传达的信息，或是一段情感，或是一种思考。本章将尝试解读一些经典艺术作品背后的故事，引导读者深入理解作品的内涵。 我们将分析艺术家如何通过视觉元素来叙事，如何利用象征手法来表达抽象概念。 例如，我们会解读一幅描绘历史事件的画作，理解艺术家对历史人物的评价；我们会分析一尊抽象雕塑，猜测艺术家想要表达的哲学观点。 第十三章 观者的对话：共情与启迪 艺术作品的意义在于与观者产生共鸣。本章将探讨艺术家如何通过作品来触动观者的情感，引发他们的思考，并最终获得精神上的启迪。 我们将分析不同观众在面对同一件作品时，可能会产生的不同解读和感受。 例如，一幅描绘社会问题的画作，可能会引发观众的同情和反思；一首充满力量的雕塑，可能会激励观众勇敢面对生活。 《光影织梦：艺术家的视觉语言与创作之旅》是一本献给所有热爱艺术、渴望理解艺术的人们的书籍。它将带领你走进艺术家的内心世界，领略他们如何用最纯粹的视觉语言，编织出最动人的梦想。

评分☆☆☆☆☆

本来是想找《设计心理学》这样的偏设计原理的书来读，奈何被他人借阅，机缘巧合之下拿起这本《设计书》，心想中信出版的书，书的外形也很精致（这么说来也是有被装帧设计吸引），应该不会太差，结果收获意外之喜。 书中呈现了作者装帧设计的150册图书，但并非是所谓的“精选作...  

评分☆☆☆☆☆

从大一学习排版以后一直关注着设计相关的书，这本是我去年十一在HOUSE VISION展上设立的临时书店买的（至今还对浅葉克己那本厚厚的工作记录书垂涎不已）。可惜后来买完只是拆了塑封，一直放在书架上，没能抽出时间看。现在专业学习都是文学和文论作品，有设计的书可读，更是我...

评分☆☆☆☆☆

从大一学习排版以后一直关注着设计相关的书，这本是我去年十一在HOUSE VISION展上设立的临时书店买的（至今还对浅葉克己那本厚厚的工作记录书垂涎不已）。可惜后来买完只是拆了塑封，一直放在书架上，没能抽出时间看。现在专业学习都是文学和文论作品，有设计的书可读，更是我...

评分☆☆☆☆☆

我从事装帧工作将近30年了。 在这本书中，我选出了从开始装帧工作到目前为止所设计的大约150册图书。这些书使我浮想联翩，种种往事涌上心头。有关这些图书设计的背后故事，当时我的所思所想，还有平时想说而不能说的压力，等等，在此也向各位一吐为快（笑）。 再次审视自己装...  

评分☆☆☆☆☆

我从事装帧工作将近30年了。 在这本书中，我选出了从开始装帧工作到目前为止所设计的大约150册图书。这些书使我浮想联翩，种种往事涌上心头。有关这些图书设计的背后故事，当时我的所思所想，还有平时想说而不能说的压力，等等，在此也向各位一吐为快（笑）。 再次审视自己装...  

评分☆☆☆☆☆

这本《设计书》的封面设计简直是视觉上的享受，那种深邃的蓝色调配上简洁有力的白色字体，透露出一种沉稳又不失现代感的气息。我把它放在书架上，它就像一件艺术品，每次不经意地瞥到，都能被那种设计语言所吸引。书页的质感也出乎意料地好，纸张的厚度和光泽度拿捏得恰到好处，翻阅起来非常舒适，丝毫没有廉价印刷品的粗糙感。那种墨香与纸张特有的清爽气味混合在一起，让人瞬间就能沉浸到阅读的氛围中去。特别是书脊的装帧工艺，非常牢固，即使是经常翻阅，也不担心会有散页的风险，看得出出版方在细节上的用心。我特别喜欢它内页的排版风格，留白的处理非常巧妙，既保证了文字内容的充裕，又避免了信息过载带来的压迫感，读起来眼睛非常放松，这对于一本需要深度思考的书籍来说，是至关重要的。整体而言，从包装到实体，这本书的“第一印象”就已经成功地抓住了我这个对美学有较高要求的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书在视觉呈现上的辅助材料，绝对是点睛之笔。插图和图表的质量高得惊人，它们不是为了填充空白而存在的装饰品，而是作为文本信息的有力延伸。很多复杂的概念，单靠文字描述可能需要冗长的篇幅才能解释清楚，但通过作者精心绘制的流程图或概念模型图，往往能在一瞥之间被清晰地捕捉。我特别欣赏作者对于“负面空间”图示的运用，他用近乎艺术化的方式展示了如何通过留白来引导读者的视线，这本身就是对书中理论的完美实践。这些图示的清晰度和专业度，甚至可以单独拿出来作为设计参考手册使用。它成功地做到了“秀肌肉”，用高质量的视觉辅助证明了作者自身的设计水准，这让整本书的可信度和阅读体验都得到了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节组织结构，实在是太值得称赞了。它采用了螺旋上升的叙事方式，每一个新的主题都会在前一个主题的基础上进行深化和拓展，而不是简单地罗列知识点。比如在讨论到“色彩心理学”时，它并没有停留在理论层面，而是立刻对接到了“商业品牌识别”的应用场景，并且引用了大量的跨行业对比数据，这使得知识的应用价值得到了极大的提升。最让我惊喜的是，在讨论到某个设计原则的局限性时，作者并没有回避，反而大胆地提出了反思性的观点，甚至引入了反对者的声音进行辩证，这种开放性的态度让阅读体验更加立体和真实。这种处理方式，极大地避免了单一论调带来的僵化感，让读者仿佛置身于一个充满思想碰撞的研讨会现场。我很少看到一本书能把知识的广度、深度和辩证性融合得如此巧妙。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末的时间来消化这本书的开篇几章，感触最深的是作者对于“功能与美学平衡”这一核心命题的探讨。他并没有陷入那种空泛的哲学思辨，而是立刻切入到具体的案例分析中，用一种近乎工程学的严谨态度来解构设计决策背后的逻辑。比如他论述的关于“用户体验流程图的绘制”那一部分，描述得极其细致，从初始的用户画像到最终的交互反馈，每一步的逻辑推演都清晰可见，让我这个非专业人士也能大致领会到设计思维的严密性。而且，作者的语言风格非常老练，他似乎很擅长使用精准的比喻来解释复杂的概念，使得那些原本晦涩难懂的理论瞬间变得生动起来。读到这里，我甚至忍不住停下来，拿出笔记本，将他提出的几个关键模型画了下来，希望能将这些精髓内化。这本书给我的感觉是，它不是在“教”你如何画出好看的图，而是在“训练”你如何像一个顶尖设计师一样思考问题，这种底层逻辑的构建远比表面的技巧重要得多。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的深度是需要投入精力的。它不是那种可以边听广播边翻阅的休闲读物，它要求你全神贯注地去理解那些细微的语境和作者精心铺垫的伏笔。尤其是在涉及到“跨文化设计适应性”的章节，作者引用了大量非西方文化背景下的设计案例，这些案例的分析深入到社会结构和历史沿革的层面，需要读者具备一定的背景知识储备或者愿意停下来做额外的背景研究。这对于我来说，既是挑战，也是乐趣所在。每一次当我攻克一个复杂章节后，都会有一种豁然开朗的成就感。它强迫你跳出自己熟悉的思维定势，去理解设计在不同文化语境下所承载的不同价值和意义。这本书的价值，很大程度上就体现在它能够拓宽你对“设计”这个概念边界的认知，让人明白设计从来都不是孤立存在的。

评分☆☆☆☆☆

受启发（看热闹）

评分☆☆☆☆☆

很早看过铃木成一的《装帧之美》，归纳了几类设计表现技法。这本则是他10000件（好吓人的数量）作品中甄选了150件，讲述作品背后的故事、思考和那些不能说的“压力”~~

评分☆☆☆☆☆

近几年国内的书籍装帧，已经超过铃木成一这辈日本人了。真心是中国设计界一大快事。印刷用的纸张也很棒，配得上本书的主题。

评分☆☆☆☆☆

值得学习！

评分☆☆☆☆☆

挺有趣的！原来装帧设计师要经常参加艺术活动，去收罗那些有特点、与作品契合的艺术家。对那些奇形怪状的当代艺术有了新了解。也在想，将来自己的画成为书籍封面，应该是不错的体验！