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☆☆☆☆☆

出版者:Yale Univ Pr

作者:Banfield, Stephen

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:2006-10

价格:$ 24.86

装帧:HRD

isbn号码:9780300110470

丛书系列:

图书标签:

• Jerome Kern
• 作曲家
• 百老汇
• 美国流行音乐
• 歌曲
• 音乐剧
• 爵士乐
• 20世纪音乐
• 经典歌曲
• 电影配乐

《光影交错的时代：20世纪初美国娱乐产业的兴衰与革新》 一部深入探究20世纪初美国娱乐文化变革的恢弘史诗，聚焦于音乐、戏剧、电影和广播的相互作用，以及技术进步如何重塑了大众的审美与生活。 本书导言：喧嚣与变迁的前夜 19世纪末至20世纪初的美国，正处于一个前所未有的转型期。工业化浪潮席卷全国，城市人口激增，传统乡村的宁静被钢筋水泥的丛林取代。在物质文明快速发展的背后，一股对“消遣”与“娱乐”的强烈渴望正在酝酿。这不仅仅是对辛劳生活的逃避，更是对新兴都市生活节奏的适应与表达。 本书将时间轴定格在1900年至1930年这一关键的“黄金三十年”。这是一个充满矛盾与张力的时代：一方面，老式的歌剧院和文学沙龙依然坚守着精英主义的阵地；另一方面，布罗德韦的霓虹灯已经开始点亮，电影的默片艺术正以惊人的速度俘获底层民众的目光，而广播的“魔音”则预示着一场无远弗届的文化革命。 我们考察的不是单一的艺术形式，而是它们交织成的复杂生态系统。一个流行歌曲的兴衰、一部话剧的命运，乃至一部新式电影的诞生，都与当时的社会经济结构、移民浪潮、以及新兴的商业模式紧密相连。 第一部：布罗德韦的崛起与“流行”的诞生 在电影尚未主宰市场之前，纽约的布罗德韦是美国娱乐的绝对心脏。本部分将详尽解析“制作人体系”（The Producer System）的形成，以及它如何将戏剧艺术转化为一个高风险、高回报的商业项目。 1. 歌舞杂耍剧的野蛮生长： 我们将追溯Vaudeville（歌舞杂耍剧）的全盛时期，分析其高度程式化的表演结构——从滑稽短剧、特技表演到独立的歌曲串烧。重点探讨这种模式如何为后来的音乐剧提供了表演人才的储备库和初步的叙事框架。布罗德韦的剧院老板如何像今天的连锁影院管理者一样，控制着跨城市的演出路线，以及地方性的“巡演市场”如何确保了单部作品的利润最大化。 2. 叙事与旋律的张力： 这一时期，音乐的地位发生了根本性转变。不再仅仅是歌剧中的点缀，歌曲开始承担推进情节或刻画人物性格的核心功能。我们将分析早期音乐剧（如《中国小姐》等）在叙事上的粗糙与对异域风情的盲目崇拜，以及这种模式如何逐渐被更精细、更注重“整合性”的作品所挑战。探讨歌词作者如何从简单的押韵者，蜕变为能够捕捉时代情绪的诗人。 3. 词曲工坊的运作逻辑： 揭示曼哈顿音乐出版业（Tin Pan Alley的实际运作）的商业机制。歌曲是如何被批量生产、包装，并通过五分钱一首的乐谱和音乐盒进行全国性推广的。分析出版商之间的竞争，以及他们如何通过控制特定演员或剧团来垄断畅销曲的表演权。我们特别关注“版权”观念在这一时期的萌芽及其对创作自由的复杂影响。 第二部：视觉革命——电影的“奇观”与“真实” 电影的出现，是对布罗德韦最直接的、也是最具颠覆性的挑战。它以极低的票价和无与伦比的视觉冲击力，迅速占据了工薪阶层和移民社区的娱乐时间。 1. 移动的幻觉：从单屏到故事片： 本部分细致梳理了电影技术从早期的“实际场景录制”（Actualities）向叙事性短片过渡的过程。我们审视了爱迪生公司、比奥格拉夫公司等早期巨头如何为争夺电影放映的专利权而进行的法律战，以及这些商业斗争如何意外地推动了电影制作的工业化流程。 2. 好莱坞的地理选择与制片体系的建立： 探讨制片中心从东海岸向加州迁移的驱动力——不仅仅是光照条件，更重要的是逃避爱迪生专利联盟的法律纠缠。分析“制片人体系”在好莱坞的成熟，权力如何从导演手中转移到控制资金与发行的制片人手中。 3. 默片时代的表演美学： 默片对表演的要求是独特的——夸张的肢体语言、面部表情的极致化。本书深入分析了几位早期巨星（如卓别林、格里菲斯所塑造的角色类型）如何利用这些限制，创造出具有普世情感共鸣的艺术形象。同时，探讨了默片对美国主流社会道德观的影响，以及审查制度在地方层面如何对“不当”内容进行干预。 第三部：声音的降临与文化的融合 1920年代后期，技术的结合迎来了一个真正的分水岭——有声电影的出现，以及广播的普及。这两项发明彻底改变了娱乐产业的结构和消费者的体验。 1. 广播：将舞台搬入客厅： 广播电台（如WEAF等）的商业化运营模式的建立。分析广播如何打破了地理限制，使得偏远地区的听众也能实时收听布罗德韦的演出和体育赛事的解说。广播对音乐产业的冲击是双向的：它既为新的歌曲提供了即时、大规模的推广渠道，也使得录制唱片的需求一度下降，因为它提供了免费的“即时播放”。 2. “爵士时代”的声波： 探讨爵士乐如何从新奥尔良的地下场景，通过录音和广播，迅速成为美国（尤其是在“爵士时代”的都市青年中）最受追捧的音乐形式。分析爵士乐的即兴性与传统作曲规范之间的摩擦，以及监管机构如何试图限制这种被视为“不道德”的音乐。 3. 声音对戏剧的“审判”： 有声电影（The Talkies）的出现，如同对布罗德韦的一次“宣战”。分析早期有声电影在技术上的笨拙（固定的麦克风、糟糕的音质），以及它如何迫使剧院人才进行痛苦的转型。许多依赖精妙舞台调度和歌唱技巧的表演者，因为口音、声音特质或不适应镜头，而迅速被淘汰。 第四部：社会光谱与大众审美 本章将超越技术和商业层面，考察娱乐产品如何反映并塑造了20世纪初美国的社会阶层、种族观念和性别角色。 1. 移民与娱乐的同化： 探讨早期的音乐和戏剧如何利用（或剥削）爱尔兰、意大利、犹太等移民群体的文化特征，将他们刻板化的形象搬上舞台，作为主流文化消费的“他者”。分析这些作品在提供娱乐的同时，也起到了社会融合或固化偏见的作用。 2. 女性角色的变迁： 从维多利亚时代的“受保护的淑女”到“摩登女郎”（Flapper）的形象演变，娱乐产品如何参与了对美国女性角色的重新定义。分析喜剧中的女性形象如何从被嘲笑的对象，转变为具有独立思想和消费能力的群体代表。 3. 工业化背景下的“艺术的价值”： 在机械化生产日益普及的时代，原创艺术的稀缺性价值如何体现？本书将讨论评论家和知识分子对流行娱乐的鄙夷态度，以及他们试图在歌剧、古典文学和新兴的“大众艺术”之间划清界限的努力。这种对“高雅”与“低俗”的区分，定义了那个时代文化话语权的核心争夺。 结语：回响与遗产 20世纪初的娱乐业是一场无休止的迭代：歌剧为音乐剧提供了结构，杂耍剧提供了节奏，录音技术成就了歌曲的传播，而电影则最终定义了视觉叙事的主导地位。这种不断被颠覆、被整合的动态过程，奠定了现代娱乐工业的基石。本书试图证明，理解那个时代的喧嚣，是理解我们今天文化景观的唯一途径。

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看名字以为是Kern的传记，实则更着重于他的作品分析，于是对于我这种乐理知识储备较低的人来说便过于艰深了些。评价不高倒并不是因为我对乐理部分看不太懂，而是实在有种文不对题的感觉。

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