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出版者:LIVE MODEL BOOKS

作者:Johnson, Douglas

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:2006-9

价格:$ 28.19

装帧:平装

isbn号码:9780976457329

丛书系列:

图书标签:

• 人体写真
• 画
• 人体练习参考
• 艺术
• 模型
• 设计
• 创作
• 灵感
• 手绘
• 雕塑
• 概念
• 参考
• 绘画

《艺术模型》是一本探索视觉艺术创作的基石，深入剖析了艺术家如何在二维平面上构建三维世界的奥秘。本书并非直接呈现某个特定主题或风格的作品，而是聚焦于那些支撑起无数杰作的根本性原则和方法。 翻开这本书，你将踏上一段关于“表现”的旅程。我们从最基础的元素开始，如点、线、面，它们是如何被艺术家巧妙地运用，形成节奏、构图和动态的？本书将引导你观察，线条的粗细、方向、曲直所蕴含的情感力量，以及面的分割与组合如何影响画面的空间感和视觉引导。你会了解到，简单的线条堆叠，可以勾勒出复杂的形体，而面的不同组合，则能营造出秩序或混乱的视觉体验。 接着，我们将深入探究“形体”的本质。无论是抽象的几何形体，还是具象的写实形体，它们在画面中的呈现都遵循着一系列视觉规律。本书将通过丰富的案例分析，阐述艺术家如何通过对光影、明暗的捕捉，以及透视学的运用，赋予二维画布上的形体以立体感和体积感。你将理解，阴影和高光的分布并非随意，而是塑造形体真实感的关键。从古典雕塑到现代绘画，各种风格中的形体处理技巧将被一一揭示，帮助你建立起对形体语言的敏锐感知。 “空间”的处理是艺术创作中的另一大挑战。《艺术模型》将带你穿越画布的限制，体验艺术家如何创造深度和广阔。本书将详细讲解线性透视、空气透视等经典的空间营造手法，以及更具现代感的错觉空间、象征性空间等表现方式。你将学习到，如何通过物体的大小对比、景深的处理、元素的遮挡关系，以及色彩的冷暖变化，在有限的空间内创造出无限的可能性。从宏大的风景到私密的室内场景，空间感如何影响观众的情绪和观感，都将得到深入的探讨。 “色彩”是赋予艺术作品生命力的重要媒介。《艺术模型》将超越简单的色彩理论，而是聚焦于色彩在艺术创作中的实际运用。本书将分析色彩的属性——色相、饱和度、明度——如何在画面中相互作用，产生丰富的情感联想和视觉效果。你将了解到，色彩的搭配并非随机，而是艺术家精心设计的语言，用以表达情绪、营造氛围、引导视线。从印象派对光色的捕捉，到野兽派对色彩的自由挥洒，各种色彩运用的流派和技巧将被梳理。本书还会探讨色彩的象征意义，以及不同文化背景下色彩的情感联结。 此外，《艺术模型》还将触及“构成”的艺术。构成是艺术家组织画面元素，达到视觉和谐或戏剧性效果的策略。本书将介绍黄金分割、三分法、对称与不对称、节奏与韵律等多种构成原则。你将学习到，艺术家如何通过对画面的整体布局、元素之间的关系、视觉重心的安排，来引导观众的视线，突出主题，并最终传达作品的情感和思想。无论是一个肖像画的构图，还是一幅群像的安排，构成都扮演着至关重要的角色。 本书的特色在于，它不局限于任何一种艺术媒介，而是从普遍的艺术规律出发，触及绘画、雕塑、设计等多种视觉艺术的共性。它鼓励读者从“如何做”的角度去理解艺术，而非仅仅停留在“看到什么”。通过对这些基础“模型”的拆解与分析，读者将能够更好地理解各种艺术作品的创作逻辑，提升自身的观察力和审美能力，甚至为自己的创作实践提供灵感和方法。 《艺术模型》是一本开放性的读物，它为你提供的是一把钥匙，而非一幅现成的地图。它旨在启迪你独立思考，去发现和理解艺术背后的“模型”。阅读本书，你将学会如何“看见”，如何“理解”，并最终，如何“创造”。它将是你理解艺术世界，提升艺术修养的理想伙伴。

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这本书的排版和选材，带给我一种强烈的“策展人视角”。它不像教科书那样循规蹈矩，反而更像是一场精心策划的展览，每一页都是一件展品，摆放在一个特定的、但可能不那么显眼的角落。我原以为它会聚焦于某个单一的媒介，比如绘画或雕塑，但它似乎对所有能“模仿”或“再现”人体的艺术形式都抱有平等的兴趣。这种包容性是优点，但也造成了信息过载的风险。我常常在一个章节里读到关于文艺复兴雕塑的细致描述，下一页就跳跃到了20世纪的行为艺术对身体边界的挑战，两者之间的理论过渡几乎是瞬间完成的。对于想要深入研究某个特定历史时期或特定技术方法的读者来说，这本书可能显得过于“涉猎广泛”而不够“专精深入”。它提供的知识更像是目录，而不是章节本身。因此，如果期待能从这本书中获得扎实的、可以立即应用于创作实践的技巧，那可能要失望了；但如果将它视为一个广阔的、激发灵感的“知识地图”，引导你去探索更深层次的议题，那么它的价值就显现出来了。

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坦白说，这本书的阅读体验就像是进行一场漫长的、没有明确目的地的城市漫步。每一个街角都可能出现一座令人惊艳的雕塑，也可能只是一个不起眼的涂鸦。我期待的可能是沿着一条笔直的林荫大道行走，直达某个明确的知识终点，但这本书却把我带进了曲折的小巷、热闹的集市，甚至是一些需要爬坡才能到达的俯瞰点。我一直在寻找一种连贯的叙事线索，关于“艺术模型”如何从一个纯粹的、被动的客体，逐渐演变为一个拥有主体意识的参与者，或者至少是被评论的对象。这本书涉及了许多相关的元素——从早期的宗教画像到后来的商业摄影，从工作室的私密性到公共空间的展示——但这些元素之间缺乏那种坚固的、逻辑驱动的桥梁。它更像是将收集到的碎片强行拼贴在一起，虽然最终构成了一幅完整的图像，但边缘的缝隙还是清晰可见。我得承认，其中一些片段的论述确实精妙绝伦，但要将它们整合进一个整体理解，需要读者自己付出巨大的努力和想象力去填补那些留白的连接点。

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当我合上这本书时，我感觉到的不是知识的充盈，而是一种被激发的“疑问”的丰沛。我本来是带着一个非常具象的问题来寻找答案的——比如，特定的艺术流派如何处理人体姿势的约定俗成？——但这本书的回应是间接的、多义的。它没有直接给出“A导致B”的清晰路径，而是展示了一系列“A、B、C、D……也许会影响未来”的复杂可能性。它大量使用了类比和隐喻，将艺术模型的构建与社会规范、性别政治、乃至经济活动联系起来，这种跨学科的视野无疑是开阔的。然而，也正因为如此，某些核心概念的定义变得模糊不清，仿佛作者刻意回避了给出一个明确的、可以被引用的标准定义。这本书更像是一位睿智的长者，在火堆旁讲述着古老的故事，故事里充满了真理的碎片，但你需要自己去收集和重新排列，才能拼凑出属于自己的理解。它考验的不是读者的记忆力，而是读者的分析力和整合能力。

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读完这本书，我的第一感受是“意料之外，情理之中”的矛盾体。我原本设想的是一本专注于古典写实主义教学或者摄影棚布光技巧的实操手册，里面应该布满了精确的比例图、光影分析图表，甚至可能附带一些关于如何与模特进行专业沟通的指南。然而，这本书提供的却是另一种维度的体验。它似乎更热衷于探讨“观看”的行为本身，以及被观看的主体在历史长河中地位的微妙变化。我发现自己不断地在思考：作者想通过这些看似松散的案例，引导我们去关注哪些被长期忽略的边缘视角？那些被定格在画布或胶片上的形象，其背后承载的社会期望和权力结构，才是这本书真正想解剖的对象。这种解剖不是用尺子量的，而是用心灵去感受的，带着一种批判性的、近乎考古的发掘精神。虽然我在寻找如何“画好”一个模型的方法论时一无所获，但我在思考“模型”这个概念如何被构建和解构的过程中，获得了远超预期的启发。它迫使我跳出技术层面，进入哲学和美学的思辨。

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这本书，我得说，真的让我有点摸不着头脑。我本来是冲着那些关于艺术史和人体结构的书籍去的，期待能看到一些深入的、经典的论述，也许是关于文艺复兴时期人体解剖学的精妙分析，或者是现代艺术中对人体形态的颠覆性探索。然而，当我翻开它的时候，感觉就像走进了一个巨大的、装满了各种各样东西的储藏室，里面有闪闪发光的古董，也有角落里积满灰尘的旧工具，但就是找不到我预想中的那本关于“艺术模型”的权威指南。我花了大量时间去辨认那些图片和文字，试图从中梳理出一条清晰的脉络，比如，它们是关于特定艺术家创作过程的记录，还是关于模特在不同文化背景下的角色变迁。结果呢？信息点是分散的，论述是跳跃的，仿佛作者在不同章节之间进行了无数次的“心灵漫步”，而不是遵循一个严谨的学术结构。如果我不是一个对这个领域抱有强烈好奇心的人，可能早就合上了。它更像是一本私人化的札记，充满了作者个人视角的碎片化观察，缺乏那种能让人建立起系统认知的框架。对于一个寻求知识深度和结构清晰度的读者来说，这体验无疑是令人沮丧的。

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5年了。5年了我一本都没有画完。5年…了………:-D

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好多姿态都是4个平视角+4俯角，虽然姿态比较简单，但毕竟基础很关键

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翻了翻

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翻了翻

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从大量不同角度来观察模特动态。第一册都是相对简单常见的姿势，有少许着衣。