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出版者:Guggenheim Museum Publications,U.S.

作者:Molly Nesbit

出品人:

页数:170

译者:

出版时间:2003-8-28

价格:GBP 30.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780892072873

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 装置艺术
• 当代艺术
• 英国艺术
• 女性艺术家
• 空间
• 记忆
• 遗失
• 透明
• 模具

《铸形之境：当代雕塑的物质性与空间叙事》 一部深入探索现代与当代雕塑领域，聚焦材料、空间、记忆与身体感知之间复杂互动的学术专著。 本书并非仅仅是一部艺术史的梳理，它更是一次对雕塑本体论的深度挖掘，试图揭示作为“三维艺术”的雕塑，如何在不断变化的美学语境中，重塑我们对物质、空隙和在场性的理解。作者摒弃了传统雕塑史中对风格演变的线性叙述，转而采用主题驱动的方式，将二十世纪中叶至今的诸多关键艺术家和创作实践置于特定的哲学与社会背景下进行剖析。 全书分为五个相互关联的章节，层层递进，构建出一个关于“雕塑如何存在”的完整理论框架。 --- 第一章：从实体到虚空——现代主义的物质转向与“非形式”的崛起 本章追溯了二战后雕塑领域所经历的深刻变革。随着抽象表现主义在绘画领域的扩张，雕塑家们开始质疑传统纪念碑式、具象化的审美规范。作者详细分析了如何通过对传统材料（如青铜、大理石）的颠覆性使用，以及对工业废料、日常物品的引入，完成了从“雕塑是实体”到“雕塑是关系”的观念飞跃。 重点探讨了“物体本身”的意义消解过程。分析了如David Smith、Anthony Caro等人在开放结构和空间关系构建上的先驱性工作。他们不再关注雕塑能否站立或支撑自身，而是关注它们如何在环境中“呼吸”，以及它们所切分的“负空间”所具有的同等重要的本体论地位。这一转向标志着雕塑从传统的“造型艺术”迈向了“场域艺术”的关键一步。同时，本章也引入了早期极简主义对“特定场域对象”（Specific Object）的界定，探讨了这种纯粹形式如何挑战了艺术与日常物件的界限。 第二章：感知边界的消融——环境雕塑与身体的参与性 进入本章，视角从工作室内部转向了外部环境。环境雕塑（Environmental Sculpture）和大地艺术（Land Art）的兴起，迫使雕塑媒介彻底拥抱时间和尺度。不再是封闭的艺术品，雕塑开始成为一种地貌改造、一种时间记录。 作者详细考察了如Robert Smithson对“非场所”（Non-Site）的建构，以及Michael Heizer对地质时间的挖掘。这些作品的“在场”依赖于观众的物理移动和漫步，观者的身体不再是被动的审视者，而是构成立体经验不可或缺的一部分。本章强调了光线、天气、乃至观众的步速如何成为作品形式的一部分。通过对这些尺度宏大的作品的分析，我们得以理解雕塑如何从一个被框定的“物体”转化为一个被体验的“过程”。这种体验的暂时性与场地的不可复制性，为后续的概念艺术奠定了基础。 第三章：记忆的残留与物体的内在性——“非传统”材料的叙事潜能 如果说前两章关注的是雕塑在空间中的外在关系，第三章则深入到材料的内在性及其承载的文化记忆。本章着重探讨了那些“非英雄式”材料，例如聚酯树脂、石膏、聚氨酯泡沫以及回收材料在当代雕塑中的角色。 这些材料往往带有自身的“前史”：石膏的脆弱性暗示了未完成或复制；工业塑料则直接关联着消费社会和批量生产的符号。作者认为，当代雕塑家越来越多地利用这些材料的“透明性”或“可塑性”来探讨社会结构、历史的断裂点以及记忆的不可靠性。例如，对日常物品进行翻模、放大或镂空处理，目的不在于赞美原形，而在于揭示原形在被转译过程中所产生的意义失真和情感回响。这一过程是对传统“永恒性”雕塑理念的有力反驳。 第四章：缝隙、界面与感知：透明度、空隙与身体的“在场” 本章聚焦于当代雕塑中对“空隙”（Void）和“界面”（Interface）的精妙处理。许多重要的当代实践都趋向于减少物质的密度，转而强调物质与物质之间的间隔，或是材料本身的透光性。 作者深入分析了如何通过轻盈的结构、玻璃、树脂或网状结构来重新定义“重量”和“实体感”。这种处理使得作品不再是封闭的体量，而是成为一个光线和空气的过滤器。观众的视线可以穿透作品，直接与背景发生关联。这种“穿透性”设计，不仅挑战了雕塑的传统封闭性，更引发了对“可见性”与“不可见性”的哲学探讨。雕塑的意义不再仅限于其表面，而是存在于它与周围空间相互渗透、相互定义的动态关系之中。例如，对特定空间进行包裹或隔离的行为，本身就构成了一种强有力的空间政治表达。 第五章：伦理的重量与社会的铭刻——当代雕塑中的身份、政治与修复 在本书的收官部分，作者将目光投向了当代雕塑在社会语境下的责任与功能。随着公共艺术领域的多元化，雕塑承担起了记录创伤、重建身份认同和挑战权力结构的重任。 本章探讨了当代艺术家如何通过介入公共空间，重新激活那些被历史遗忘的叙事。分析了许多作品如何巧妙地利用尺度错位、重复性单元或临时性的装置，来探讨殖民历史、性别政治或边缘化群体的集体经验。这里的“铭刻”不再是坚硬的石头纪念碑，而是具有高度易逝性、可协商性的伦理姿态。雕塑成为了一种持续对话的场所，而非终结讨论的终点。最终，本章总结了当代雕塑如何从对形式的纯粹探索，演变为对我们所处世界的物质性、历史性与社会性进行深刻反思的关键媒介。 --- 《铸形之境》以其严谨的文本分析、对材料哲学的敏锐洞察，为艺术史研究者、策展人以及对当代物质文化感兴趣的读者，提供了一幅关于雕塑如何持续演变、不断界定自身的全面而富有启发性的地图。它挑战读者重新审视那些看似静止的物体，发现隐藏在材料缝隙、光影交错和空间留白中的丰富叙事。

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从排版和装帧来看，这本书简直是艺术品本身，厚实的书脊和封面材料的选择，都体现了一种对质感的执着追求。然而，真正让我爱不释手的是作者在论述中展现出的那种近乎哲学的思辨深度。这本书不像是一本纯粹的艺术史梳理，更像是一场关于“存在与容器”的深度对话。作者巧妙地运用了大量对比论证的手法，将宏大的概念（如记忆、时间、空间）与具体的、日常的物品（如一个房间的轮廓、一个容器的内部空间）进行对比，从而使得晦涩的理论变得触手可及。我特别欣赏作者那种不轻易下定论的克制，她似乎更倾向于呈现一种多维度的可能性，而不是给出僵硬的结论。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于一个巨大的、由概念构成的展览空间里，每读一页，就有新的光线打在墙上，照亮了之前未曾注意到的角落。这本书的价值在于它成功地构建了一种“慢阅读”的氛围，让你愿意停下来，与那些关于“空”和“填充”的深刻问题进行长时间的对视。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种厚重的纸张质感，配合着封面那低调却又不失深邃的色彩搭配，让人在捧起它的瞬间就感受到一股沉甸甸的艺术气息。我特别喜欢它内页的排版，留白的处理非常考究，文字与图片的呼吸感很强，阅读起来一点都不觉得拥挤或压抑。当然，内容本身才是重头戏，我花了整整一个下午沉浸在那些关于光影和空间的对话之中，作者似乎有一种魔力，能将那些原本抽象的艺术概念，通过精准且充满诗意的语言，转化为我们每个人都能在脑海中构建出来的具体场景。那些对材料特性的细致描摹，简直像是拿着一块雕塑作品在手中反复摩挲，每一个细节，每一次光线的折射，都被捕捉得丝丝入扣。我尤其欣赏作者在讨论创作过程时所流露出的那种近乎固执的探寻精神，那种对“无形之物”的执着捕捉，让人不禁思考，我们日常生活中那些被忽略的、填充在缝隙中的“空气”，究竟承载了多少未被言说的重量和意义。这本书不仅仅是阅读，更像是一次深度的沉浸式体验，每一次翻页都是对既有认知的温柔挑战。

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我很少读到能将理论深度和个人情感连接得如此天衣无缝的艺术评论集。这本书的语言风格非常独特，它在保持学术严谨性的同时，又穿插着非常个人化和极具画面感的描述，读起来毫无枯燥感。作者似乎在用一种近乎于“同理心”的方式去解读那些作品，而不是高高在上的学术评判。比如，书中对于“缺失”的探讨，简直是入木三分，它描述了如何通过精确地复制一个“空”的轮廓，来反向凸显出被占据的物质形态的边界和重量。我能清晰地感受到作者对这种创作手法的深深敬意，那种对日常事物进行“去语境化”处理后所产生的巨大张力的把握，令人叹服。这本书的价值在于，它不仅仅让你认识了一位重要的艺术家，更重要的是，它训练了你如何去“观看”——不仅仅是用眼睛，更是用心灵去感受那些微妙的、转瞬即逝的空间感受。它迫使我停下来，去关注那些被现代生活高速运转所遗漏的、安静的、却又无比坚实的存在。

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说实话，一开始被这本书吸引，纯粹是因为我对现代雕塑领域中那些“反传统”的表达方式抱有浓厚的好奇心。这本书的叙事节奏掌握得极其精妙，它没有采用那种枯燥的编年史式的介绍，而是采用了类似碎片化叙事的手法，将艺术家的不同阶段的作品、相关的哲学思考以及重要的文献片段巧妙地编织在一起。这种结构让阅读体验充满了解谜的乐趣，你必须主动去联系和构建作者试图传达的核心思想线索。我发现自己常常读完一个章节后，会放下书本，走到窗边，试着去重新审视自己周围的房间——那种熟悉的几何结构，突然间因为书中的某个观点而焕发出一种全新的生命力，仿佛突然间解锁了观察世界的新视角。书中的访谈部分尤其精彩，那些看似随意却掷地有声的回答，展现了艺术家内心深处那种近乎孩童般的好奇心和对既定形式的挑战欲。它不是在“解释”艺术，而是在“邀请”你进入一个由概念和物质构筑的迷宫。读完之后，我感觉自己对“空”与“满”的二元对立有了更微妙的理解，这本书提供的不是答案，而是更多、更深刻的问题。

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这本书的内容给我带来的最大冲击，在于它对“纪念碑性”的颠覆性思考。以往我们对纪念碑的理解总是与宏大叙事和永恒的荣耀挂钩，但这本书似乎在引导我们探索一种更内敛、更私人化、甚至更具“偶然性”的纪念方式。作者通过对一系列特定项目的细致分析，展示了如何将艺术介入到日常的、甚至是被遗忘的公共空间中，从而激活人们对历史和记忆的集体感知。我印象最深的是其中关于“场所精神”的讨论，它不再是简单地复制或模仿历史符号，而是通过介入空间本身，让建筑的“缺席”或“剩余”成为叙事的主体。文字的张力非常强，它常常用简短而有力的句子来总结复杂的现象，读起来酣畅淋漓，像是在攀登一座结构清晰但难度极高的智力高峰。对于任何一个对城市空间、社会记忆和后现代艺术实践感兴趣的人来说，这本书都是一本不可多得的指南，它不仅提供了理论框架，更给予了实际操作上的深刻启示。

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