Envisioning Dance on Film and Video pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Routledge

作者:Mitoma, Judy/ Zimmer, Elizabeth/ Stieber, Dale Ann

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:2004-4

价格:$ 71.13

装帧:Pap

isbn号码:9780415941716

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 美国
• 舞蹈
• 电影
• 录像
• 舞蹈电影
• 舞蹈录像
• 表演艺术
• 视觉文化
• 媒体研究
• 艺术史
• 文化研究

《光影间的律动：电影与录像中的舞蹈叙事研究》 图书简介 本书深入探讨了舞蹈艺术在动态影像媒介——电影和录像——中的独特呈现、历史演变及其对观众感知的影响。我们不再聚焦于舞蹈作为特定媒介（如“Envisioning Dance on Film and Video”）的视角，而是将研究的核心置于影像技术如何重塑、阐释和拓展了舞蹈的本体论和美学实践。这是一部跨学科的著作，横跨了运动研究、媒介理论、身体哲学以及视觉文化批评等多个领域，旨在为理解舞蹈影像这一复杂的艺术形式提供一套严谨的分析框架。 第一部分：媒介的交汇与身体的拓扑 本部分首先梳理了早期电影技术（如卢米埃尔兄弟的记录片）对舞台舞蹈的初次捕获，分析这些早期尝试如何在二维平面上“固定”三维的即兴与空间性。我们关注的重点是，当舞蹈被置于镜头之下时，其时间感和空间感是如何被解构和重构的。 我们详细分析了运动记录的早期先驱，如爱德华·迈布里奇（Eadweard Muybridge）和埃蒂安-儒勒·马雷（Étienne-Jules Marey）的实验，这些实验不仅是摄影史上的里程碑，更是理解“运动的瞬间”如何在技术层面上被分解和重组的起点。这些早期的运动序列，虽然在形式上并非成熟的“舞蹈电影”，却为后来的编舞家和电影制作人提供了关于节奏、序列和运动捕捉的底层逻辑。 接着，本书深入探讨了“身体的拓扑学”——即影像如何改变我们对舞者身体的感知边界。我们审视了立体声和早期彩色电影技术对舞蹈空间感的影响。在传统的剧场中，观众与舞台之间存在一个明确的界限；但在电影中，通过特写、远景和剪辑，身体可以被放大到不可思议的细节，或者被环境完全吞没。这种视觉上的操纵，对舞蹈作品的情感强度和叙事效率产生了决定性的作用。我们特别关注了蒙太奇理论如何被应用于舞蹈的节奏构建中，揭示了剪辑点如何取代了传统舞台上的“停顿”和“呼吸”。 第二部分：现代性、身体政治与媒介的激进化 随着20世纪的发展，舞蹈影像不再仅仅是舞台演出的记录工具，而是成为了批判性表达和媒介实验的载体。本部分聚焦于那些挑战既有美学规范的先锋作品。 我们分析了现代舞的兴起与电影语言的融合，特别关注了诸如玛莎·葛兰姆（Martha Graham）早期作品的影像化处理。这些处理往往暴露出技术局限性，但也意外地催生了一种粗粝而原始的视觉美学。更重要的是，我们探讨了舞蹈影像如何被纳入身体政治的讨论之中。例如，战后先锋派艺术家如何利用录像技术（Video Art）来解构主流文化对“完美身体”和“规范运动”的建构。录像机的小型化和便携性使得舞蹈得以走出剧场，进入日常空间，这种“去剧场化”的过程，深刻地改变了舞蹈的社会功能。 本书详细考察了后现代舞蹈运动（如纽约的“犹太区”实验）与实验电影的互动。在这些合作中，舞蹈不再是围绕一个预设的叙事或情感核心展开，而是成为对媒介本身进行质疑的行动。镜头不再是中立的观察者，而是积极的参与者，其视角、焦距和移动速度本身就构成了编舞的一部分。我们分析了诸如布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）等艺术家如何利用循环播放和冗余动作来消解运动的意义，迫使观众面对运动的纯粹存在性。 第三部分：数字时代的解构与重建：虚拟空间中的身体 进入21世纪，数字技术和高分辨率录像的普及，为舞蹈影像带来了新的维度——可编程性与虚拟现实的边缘。本部分着重探讨了数字编辑、动作捕捉（Mo-Cap）以及沉浸式技术对舞蹈本体的影响。 我们首先探讨了“后人类身体”在数字影像中的体现。当身体不再受制于物理定律，而是可以被数字算法操纵时，舞蹈的“真实性”何在？本书通过分析那些利用CGI和复杂后期制作的舞蹈作品，考察了这种技术解放如何挑战了我们对“舞者”和“动作”的传统定义。动作捕捉技术将人类的运动数据转化为机器可读的代码，这本身就是对身体表征的一种深刻的哲学介入。 此外，我们深入分析了“屏幕内/屏幕外”的观看体验的转变。随着移动设备和社交媒体的普及，舞蹈影像的观看语境从专注的剧场环境转移到了碎片化的日常生活中。这种观看习惯的改变，对舞蹈作品的长度、节奏和信息密度提出了新的要求。我们比较了在YouTube、Instagram上流行的短格式舞蹈视频与长篇纪录片或艺术电影中舞蹈片段的叙事策略差异，揭示了媒介的“即时性”如何影响了动作的意义沉淀。 本书的结论部分，将数字影像的无限复制性和可塑性与早期摄影的“瞬间凝固”进行对比，强调了舞蹈作为一种时间艺术，在不同媒介中不断寻求其稳定性的努力。我们认为，舞蹈影像艺术的未来在于其不断模糊记录、表演和生成之间界限的能力，持续挑战我们对运动、空间和存在的理解。 本书不仅为研究者提供了批判性工具，也为编舞家、电影制作人以及所有对身体、运动和影像交叉领域感兴趣的读者，提供了一个广阔而深入的思考空间。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了一种哑光质感的深蓝色调，中央是富有张力的舞蹈瞬间剪影，边缘的处理十分考究，透露出一种低调的艺术气息。初次翻阅时，我立刻被它细腻的排版所吸引。字体选择上，正文部分使用了易于阅读的衬线字体，行间距和字距拿捏得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。更值得称赞的是，书中对图像的运用达到了教科书级别的水平。那些黑白剧照和彩色的电影截图，不仅清晰度极高，而且通过精妙的布局，仿佛能让人直接感受到舞台上的光影流动与肢体语言的爆发力。例如，某一章节关于早期默片中舞蹈影像化的讨论，配图并非是简单的人物定格，而是选取了那些极具动态捕捉意义的画面，配合着精美的图注，即使不深究文字内容，单是视觉上的享受就已经值回票价。这绝对是一本从触感到阅读体验都经过深思熟虑的艺术书籍，体现了出版方对“影像”这一媒介本身的尊重。

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我花了整整一个下午沉浸在对这本书前言部分的阅读中，那文字的密度和思想的深度简直令人咂舌。作者在开篇便提出了一个极其尖锐的问题：当身体的即时性、脆弱性和空间性被固定在二维平面上时，我们到底“观看”到了什么？这种哲学层面的探讨并非空泛的理论堆砌，而是紧密地与后来的分析案例相结合。我特别留意到作者在论述“凝视的权力”时所使用的句式结构，它充满了反问和递进，引导读者不断地自我审视观看行为的本质。语言风格上，它更偏向于欧洲人文社科领域那种严谨而略带诗意的表达，用词精准且富有张力。每一次阅读，都像是在进行一场智力上的辩论，迫使你跳出舒适区去重新定义“舞蹈记录”的边界。对于那些习惯了轻松阅读的读者来说，这可能需要一定的耐心来消化，但对于真正想探究媒介理论的严肃读者而言，这种思想的碰撞是极其宝贵且令人振奋的。

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我必须要提及这本书的参考文献和索引部分，它们的详尽程度几乎可以作为独立的研究资料来使用。对于任何严肃的学者或深度爱好者来说，后续的研究动力往往来源于手头资料的可靠性和丰富性。这本书的引文格式高度规范，横跨了电影研究、人类学、表演理论等多个学科的权威著作，这本身就体现了作者跨学科研究的扎实功底。而索引的设计更是体现了出版方的专业水准——它不仅收录了人名和作品名，还细致地标记了关键概念（如“去中心化”、“时空折叠”、“身体的在场性”）出现的页码，使得读者在需要快速回顾某一特定理论点时，能达到事半功倍的效果。说实话，光是整理和查阅完这部分的资料，就已经为我接下来的论文写作打下了坚实的基础。这是一本真正以服务研究者为出发点来编纂的学术著作。

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这本书的结构安排展现出一种宏大叙事下的精细拆解，其章节之间的逻辑过渡自然得令人惊叹。它似乎并不急于直接进入核心的案例分析，而是先构建了一个坚实的理论基石，随后才徐徐展开对不同历史时期和文化背景下“影像化实践”的考察。这种由宏观到微观的推进方式，极大地帮助读者建立了清晰的知识框架。举例来说，关于二战后现代舞在电视媒介上的传播效果的讨论，作者并未简单地罗列作品，而是通过对比不同电视台的剪辑策略和观众反馈报告，构建了一个关于“媒介适应性”的复杂模型。我欣赏作者处理复杂信息时的条理性，即便是涉及大量技术术语和晦涩的理论名词，书中也通过清晰的小标题和精准的术语解释，保证了信息的透明度和可追溯性。这不仅仅是一本书，它更像是一张详尽的学术路线图，指引着研究者如何系统地梳理和分析这个交叉学科领域。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“非西方语境”下舞蹈影像的关注，这种视角在以往的主流研究中是相对缺失的。作者没有将目光仅仅局限于欧美现代舞的经典作品，而是花费了相当篇幅来探讨亚洲、拉丁美洲等地，在殖民历史和本土文化冲突背景下，如何利用新兴的视频技术来“重塑”身体叙事。例如，书中对一段关于南亚民间仪式性舞蹈在数字存档过程中所发生的意义偏移的分析，处理得极为审慎和富有同理心。它避免了常见的“他者化”倾向，而是深入挖掘了当地艺术家在技术选择背后的文化动机与抵抗策略。这种全球性的视野，极大地拓宽了我对“舞蹈电影”这一范畴的认知，让我意识到影像的媒介属性，从来都与权力结构和文化认同紧密纠缠在一起。这种跨文化的深度挖掘，是这本书的价值制高点之一。

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collection of dance film-making, either experimental or documentary.

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