'I have consistently turned to printmaking when I needed a fresh direction or a recharge of my creative batteries' - Roger Shimomura. Best known as a painter and theatre artist, Roger Shimomura explores his Japanese American identity through a vibrant and provocative stylistic combination of twentieth-century American pop art and traditional eighteenth- and nineteenth-century Japanese woodblock prints. In his printed works, one discovers a number of firsts, among them the artist's first examination of place; his first attempt to combat stereotypes by appropriating racist caricatures; and his first use of explicitly sexual imagery.This catalogue raisonne is also a first. Featuring colour reproductions of all the artist's 122 extant prints to date, along with notes by Shimomura about the creative and personal history behind particular images, this is the first publication to systematically examine a specific body of work within Shimomura's larger oeuvre. It is also the first to begin critically examining the importance of the Midwest to his work. A native of Seattle, Shimomura completed his MFA at Syracuse University in New York, and then accepted a teaching position at the University of Kansas.Now retired, Shimomura still lives in Lawrence and remains engaged with the university. He has also made its Spencer Museum of Art the repository for his prints. Emily Stamey's introductory essay melds a chronological narrative of Shimomura's printmaking career with insightful analyses of both specific images and the broader conceptual role of prints within his work. She traces the artist's stylistic trajectory from his first Andy Warhol inspired screen prints, made in the bathroom of his graduate student apartment in the late 1960s, to his most recent suite produced with master printer Michael Sims at the Lawrence Lithography Workshop. Within this narrative, Stamey examines the ways in which Shimomura's prints relate to and stand apart from his paintings and theatre performances.
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从文学语言的角度来看,这本书的散文性与故事性达到了一个近乎完美的平衡点。作者的遣词造句,时而如精准的雕刻刀,刻画出锐利而明确的意象;时而又像融化的黄油,将复杂的哲学思考和情感流淌得顺滑而富有弹性。尤其是一些长句的结构,看似蜿蜒曲折,实则逻辑严密,读起来朗朗上口,充满了古典的回响,却又不失现代的犀利。我发现自己时不时地会停下来,默默地将某些句子在脑海中复述几遍,不是为了理解生僻的词汇,而是单纯地享受那种语言在口腔中回旋的美感。这是一种对语言本身力量的极致展现,它证明了即便是在讲述一个跌宕起伏的故事时,依然可以保持文字的高贵和纯粹。这种对语言的敬畏,使得这本书不仅提供了一次阅读体验,更像是一堂关于如何运用中文进行精妙表达的速成课程,令人受益匪浅。
评分这本书的叙事节奏把握得极其高明,它不像某些作品那样急于抛出高潮,而是采取了一种极其老练的“慢炖”手法。作者似乎对如何引导读者的情绪有着近乎本能的直觉,开篇处的铺垫极其细腻,每一个场景的切换,每一次人物对话的停顿,都像是在地面下埋设的精密计时装置,你察觉不到它的存在,却能清晰地感受到一种日益增长的内在压力。这种张力不是靠突兀的事件堆砌起来的,而是源于对人性深处那些微妙、难以言喻的矛盾的精准捕捉。我读到第三章时,正沉浸在一个看似平淡的日常场景中,但作者在描述角色眼神交汇的那一刹那,用了一种极为克制的笔法,突然间,所有的潜台词都喷薄而出,那种“原来如此”的顿悟感,让我不得不合上书,靠在椅背上缓缓气息。这是一种极高级的叙事技巧,它要求读者全身心投入,去解码那些未被明说的信息,而不是被动地接受情节的推搡。这种沉浸式的阅读体验,在我近期的阅读记录中,是少有的。
评分这本书的人物塑造达到了令人发指的真实感。你很难用“好人”或“坏人”这样的标签去简单概括任何一个主要角色。他们身上的优点和致命的缺陷,如同我们身边认识的那些复杂个体一样,交织在一起,构成了立体的、充满矛盾的形象。我尤其欣赏作者处理配角的方式,即便是出场不多的次要人物,也拥有自己完整的逻辑和生存困境,他们不是功能性的工具,而是这个庞大世界体系中不可或缺的组成部分。有那么一瞬间,我甚至觉得书中的某位老者的固执和妥协,与我的一位远房亲戚惊人的相似,那种熟悉感带来的震撼,让我对作者捕捉人性细微差别的能力油然而生敬佩。他们会犯错,会后悔,会因为一时的软弱而做出错误的决定,正是这些“不完美”,让他们的每一次胜利或失败都显得如此沉重而具有重量感。读完后,我发现自己仍在思考其中一位反派角色的动机,这种持久的思辨性,是衡量一部作品是否具有持久价值的重要标准。
评分这本书的书封设计着实引人注目,那种带着强烈视觉冲击力的色彩搭配和构图,仿佛直接将人拉入了某种充满张力的叙事空间。我拿起它的时候,首先感受到的是纸张的质感,厚实而富有韧性,让人觉得这不是一本仓促出版的“快餐读物”,而是经过深思熟虑和精心打磨的作品。内页的排版也极为考究,字体的选择和行距的把握,都透露出一种对阅读体验的尊重。翻开扉页,那种油墨的清香混合着纸张特有的气息,瞬间把我从日常的喧嚣中抽离出来。我个人特别欣赏这种对物理形态的重视,在如今这个数字阅读盛行的时代,一本实体书如果能做到如此精致,无疑是对内容本身价值的最好烘托。它不像有些书,内容可能不错,但装帧却显得敷衍了事,让人提不起兴趣去深究。而这本书,仅仅是触摸和翻阅的过程,就构成了一种仪式感,让我对接下来的文字充满了期待。我甚至花了好几分钟去研究封面上的某个微小的设计细节,那似乎隐藏着某种与正文内容呼应的线索,非常耐人寻味,这比单纯看电子书的体验要丰富太多了。
评分作者在构建世界观方面展现出的宏大视野和细致入微的观察力,令我叹为观止。这个故事所处的背景设定,绝非简单地借用了一个历史时期或地理位置,而是被赋予了全新的、活生生的肌理。空气中弥漫的气味、光线穿过窗棂时留下的轨迹、特定阶层人群特有的行为模式,都被描绘得栩栩如生,仿佛作者本人就是那个时代的亲历者。更令人称奇的是,这种环境描写从未喧宾夺主,它总是精准地服务于人物的心理活动和情节的发展,起到了烘托和反衬的作用。例如,在描述主角面临巨大抉择的那个雨夜,环境的阴冷和潮湿,不仅是客观的记录,更是主角内心挣扎的具象化体现。我甚至可以感受到那种湿冷透过纸面渗透出来,这种代入感,极大地增强了故事的说服力。这不仅仅是文学创作,简直可以称得上是一种环境人类学的考察报告与艺术虚构的完美结合。
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