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出版者:Thames & Hudson

作者:Edward Lucie-Smith

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2004-2-23

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780500203651

丛书系列:World of Art

图书标签:

• 艺术
• 建筑
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艺术词汇的广阔疆域：一部探索西方艺术史的全面指南 本书旨在为艺术爱好者、学生以及专业人士提供一份详尽的、跨越数个世纪的西方艺术词汇参考手册。它不是对特定现有词典的复制或替代，而是一次对艺术史各个流派、技术、思想和人物的深度梳理与系统性阐述。 我们将以时间轴和主题相结合的方式，构建一个立体的艺术知识网络。本书的结构设计旨在引导读者从基础概念逐步深入到复杂的理论探讨，确保即便是初次接触艺术史领域的读者也能迅速建立起清晰的认知框架。 第一部分：从古典的基石到文艺复兴的曙光（公元前5世纪—15世纪） 本部分着重于西方艺术思想的源头，探讨古希腊罗马艺术对后世的深远影响，以及中世纪黑暗中孕育出的宗教艺术的辉煌。 古希腊与古罗马：形式的完美与叙事的载体 我们将详述“古典主义”的真正含义，区别于后世的复兴。重点解析“黄金分割”（Golden Ratio）在雕塑和建筑中的应用，探讨“理想化”（Idealization）的哲学基础，以及“三段式构图”在陶器和壁画中的演变。对于建筑，我们将细致区分多立克（Doric）、爱奥尼（Ionic）和科林斯（Corinthian）柱式的细微差别及其象征意义。罗马艺术部分则聚焦于“写实主义”（Verism）在肖像雕塑中的体现，以及拱券结构（Arch and Vault）在公共工程和纪念性建筑中的革命性意义。 中世纪的虔诚与象征：拜占庭与哥特式 艺术从中世纪开始，彻底服务于宗教叙事。本书将深入剖析拜占庭艺术中对“圣像”（Icon）制作的严格规范，以及“黄金镶嵌”（Gold Ground）在营造神圣光晕中的作用。进入西欧，我们探讨“象征主义”（Symbolism）如何渗透到每一处细节，从手势到色彩。 哥特式部分将是重点。我们不仅会描述飞扶壁（Flying Buttress）的工程学奇迹，更会阐释其如何解放了墙面空间，以供纳“花窗玻璃”（Stained Glass）大放异彩。对“连环画式叙事”（Narrative Cycle）在教堂壁画和手抄本插图中的运用，也将进行详尽的考察。 第二部分：文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情（15世纪—18世纪） 这是西方艺术史上个人天才和人文主义精神爆发的时代。 文艺复兴：透视法的革命与人文主义的回归 本章将严格区分早期、盛期和晚期文艺复兴的特点。“焦点透视法”（Linear Perspective）的发现者及其理论基础将被详细阐述，例如“消失点”（Vanishing Point）的确定。我们分析“晕染法”（Sfumato）如何赋予人物内在的心理深度，以及“明暗对比法”（Chiaroscuro）如何从早期的辅助工具演变为叙事的核心。达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的作品将作为范例，解析“人”在艺术中的中心地位。 矫饰主义与巴洛克：动感、戏剧性与感官的盛宴 矫饰主义（Mannerism）作为对盛期和谐的有意偏离，其“拉长变形”（Elongation）和“紧张的构图”将被单独分析。 巴洛克艺术的介绍将侧重于其“说服力”和“情感冲击力”。我们将探讨“动态对角线构图”（Diagonal Composition）如何制造运动感，以及“特写”（Close-up）在戏剧性时刻的运用。卡拉瓦乔的自然主义光影与贝尼尼的雕塑（如对材质的惊人模仿，如丝绸、皮肤）将作为核心案例。洛可可艺术则被视为巴洛克的精致化和私密化，重点关注其主题转向（如“嬉戏场景”（Fête Galante））和柔和的色彩倾向。 第三部分：启蒙与颠覆：从新古典到印象派（18世纪末—19世纪末） 这一时期艺术史的关键词是“理智”、“革命”和“对既有标准的挑战”。 新古典主义与浪漫主义的对立 新古典主义是对巴洛克和洛可可的“过度”反应，推崇“清晰的线条”（Clarity of Line）和“英雄主义主题”。本书将分析大卫等人的作品如何服务于政治意识形态。 浪漫主义则拥抱“想象力”（Imagination）、“崇高”（The Sublime）和“异域情调”（Exoticism）。德拉克洛瓦和戈雅的作品将展示情感爆发、色彩的自主性以及对社会现实的批判。 现代艺术的序曲：现实主义、前拉斐尔派与印象派 现实主义（Realism）的出现标志着艺术主题从神话、历史转向普通人的日常。我们将讨论“题材的民主化”。 印象派部分将详细解析其技术创新：“开放式笔触”（Broken Brushwork）、对“光线瞬时效果”（Transient Effects of Light）的捕捉，以及对“色光混合”（Optical Mixing）的研究。对色彩理论（如雪拉的“点彩”）的介绍将为读者理解后印象派奠定基础。 第四部分：二十世纪的爆炸与后现代的回响 二十世纪是艺术流派更迭速度最快的百年，本书将以清晰的脉络梳理这些“主义”。 现代主义的核心：从野兽派到立体派 我们将解析野兽派（Fauvism）如何解放色彩，使其独立于描绘对象。立体主义（Cubism）的引入是关键，需要详细区分“分析立体主义”（Analytic Cubism）的解构与“综合立体主义”（Synthetic Cubism）的建构，以及“拼贴”（Collage）技术的引入。 达达主义、超现实主义与抽象的诞生 达达主义（Dada）被视为对理性文化的彻底否定，我们将讨论“现成品”（Readymade）的哲学意义。超现实主义（Surrealism）则从弗洛伊德的精神分析中汲取养分，分析其“自动写作”（Automatism）和梦境逻辑。 抽象艺术的开端（康定斯基、蒙德里安）将被视为从具象到纯粹形式语言的过渡。本书将细致比较“抒情抽象”（Lyrical Abstraction）与“几何抽象”（Geometric Abstraction）的区别。 战后艺术的多元化：抽象表现主义到波普艺术 美国成为艺术中心后，“行动绘画”（Action Painting）（如波洛克）强调创作过程本身的重要性。本书将探讨其与欧洲传统的区别。 波普艺术（Pop Art）作为对精英主义的反击，其对“大众文化符号”（Mass Culture Icons）和“丝网印刷”（Screen Printing）的挪用，将被视为对现代艺术审美疲劳的解药。 当代艺术的边界拓展：极简主义、观念艺术与装置 本书的结尾将探讨艺术的“去物质化”趋势。极简主义（Minimalism）强调作品的“特定空间性”（Specific Objecthood）和材料的本质。观念艺术（Conceptual Art）则将“想法本身”置于作品之上，挑战了艺术品的传统定义。最后，我们将触及装置艺术（Installation Art）和行为艺术（Performance Art），这些形式彻底打破了画框和基座的束缚，将观众和环境纳入艺术体验之中。 通过以上对西方艺术史中关键术语、技术方法、哲学背景和代表性流派的全面梳理，本书旨在为读者提供一个扎实而富有洞察力的知识体系，使他们能够自信地解读从古代壁画到当代装置的各类艺术作品。

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坦白说，刚拿到手的时候，我略微对它的厚度和广度感到一丝畏惧，心想这得花多少时间才能真正“消化”完？但阅读体验却出乎意料地轻松流畅。它的设计者似乎深谙读者的心理，他们没有将所有的信息堆砌在一个密不透风的段落里。相反，信息的呈现是模块化的，每一个术语的解释都保持在一个相对简短且信息密度适中的篇幅内。我发现自己经常是带着一个特定的好奇心去查阅某个词，结果却因为清晰的解释而顺藤摸瓜地了解了与之相关的几个相邻概念，形成了一种愉快的知识拓展过程。例如，当我查找“焦点透视”的定义时，书中还顺带提到了“空气透视”是如何在文艺复兴晚期与之形成对照和互补的，这种关联性的讲解，比单独查阅每一个词条要高效得多。它成功地将一本工具书的“查阅性”与一本学术专著的“阅读性”完美地结合在了一起，让我愿意主动地、而非被动地去翻阅它，这对于一本参考书来说，是极其难得的品质。

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我购买这本关于艺术术语的参考书，主要是为了解决我在翻译艺术评论时遇到的“词不达意”的困境。翻译工作要求极高的精确性，尤其是在处理涉及材料、技法和美学哲学的词汇时，一个词的细微差别可能导致整个句子的意思偏差。这本书在这方面的表现简直是教科书级别的典范。它提供的定义往往是多层次的，不仅仅是简单的同义词替换。例如，它对“笔触”（touch/brushwork）这个词汇的处理就极其精妙，它分别阐述了达·芬奇时期对光影的细腻描绘和德加对动态瞬间捕捉的粗犷笔触在术语上如何区分，并追溯了这些词汇在不同语言中演变的历史痕迹。这使得我在翻译时，可以根据上下文选择最贴切、最具时代感的表达方式，而不是那种生硬的、直译过来的空洞词语。此外，对于那些源自其他语言（如法语、意大利语）的术语，它也给出了准确的发音指南（虽然是以文字形式的标注），这在进行学术报告或口头交流时，极大地增强了我的专业自信。这本书的权威性毋庸置疑，它为我的专业翻译工作提供了坚实可靠的基石。

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这部工具书简直是艺术世界的“瑞士军刀”，我是在一个朋友的强烈推荐下购入的，起初我对一本“词典”抱有极高的期望，但又担心它会像其他同类书籍一样，内容冗长且晦涩难懂。然而，当我翻开它的时候，那种沉甸甸的质感和清晰的排版立刻给了我极大的信心。最让我惊喜的是它对那些极其细微、容易混淆的术语的区分。比如，关于“光影处理”的几个相近的词汇，它们往往在不同的艺术史语境中有着微妙的含义差异，这本书不仅给出了明确的定义，还常常附带一个简短的、能让人瞬间理解其精髓的实例说明。我最近正在深入研究文艺复兴时期的油画技术，其中遇到的许多关于颜料混合和底漆处理的专业术语，以往查阅网络资料总是散落且不系统，而这本词典将所有相关术语集中在一个地方，结构化地呈现出来，极大地提升了我阅读原版艺术史文献的效率。它不是那种让你读完就束之高阁的工具书，更像是一位耐心的导师，随时准备在你迷失在复杂的艺术语言迷宫时，为你指明方向。它的广度令人印象深刻，从古代雕塑的技术名词到当代观念艺术中的抽象概念，几乎无所不包，这对于一个跨领域学习者来说，是无价之宝。

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说实话，这本书的实用性超出了我的想象，它不是那种摆在书架上充当装饰品的“花架子”，而是真正被我翻得卷了边、做了无数标记的“战友”。我印象最深的一次经历是，我在博物馆里面对一幅复杂的巴洛克时期的建筑画作，上面的标签只标注了一些我完全陌生的技术术语，比如“蜗形饰”（volute）和“穿榫”（mortise and tenon）在家具和建筑中的具体应用差异。当我急忙拿出手机搜索时，发现网络信息往往只能给出一个冰冷的定义，缺乏那种语境化的解释。而这本书的妙处就在于，它不仅解释了这些词的字面意思，还巧妙地将它们置于特定的历史时期和技术背景中进行阐述。它的条目编写风格非常克制且精准，没有过多的学术废话，每一个句子都像经过了精密的切割。我尤其欣赏它在解释一些特定流派（如立体主义或超现实主义）的核心概念时，所采用的清晰逻辑链条，帮助我构建起一个坚固的理论框架。这本书的索引系统也设计得极为人性化，即便是对你不熟悉的领域，也能通过关联术语快速导航到相关解释，这对于我这种非科班出身、需要快速建立知识体系的爱好者来说，是不可替代的学习加速器。

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作为一名艺术史系的学生，我手里有不少关于特定时期或媒介的参考书，但它们都存在一个共同的缺陷：内容局限性太强，遇到跨界的术语就束手无策。这本“The Thames & Hudson Dictionary of Art Terms”之所以能在我众多的藏书中脱颖而出，正是因为它那种宏大的视角和对艺术史整体脉络的把握。它不偏不倚，既不会过度侧重于欧洲古典艺术的术语，也不会忽略新兴媒介和跨文化交流中产生的全新词汇。我特别喜欢它对一些抽象概念的定义，比如“崇高”（The Sublime）或“后现代主义的能指”（Signifier in Postmodernism）。这些词汇往往是哲学和美学交叉的产物，难以用简单的语言概括。这本书没有回避这种复杂性，而是提供了一个平衡的、被广泛接受的解释框架，同时还提供了关键的历史人物和文献出处作为参考。它提供的不仅仅是“是什么”的答案，更是“为什么会产生这个词”的背景铺垫。它是一本能陪伴我完成本科学习、顺利过渡到研究生阶段的必备工具，其价值远超同类书籍中那些只停留在表面定义的薄弱版本。

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