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出版者:Harvard University Press

作者:Barbara Brend

出品人:

頁數:240

译者:

出版時間:1992-03-01

價格:USD 29.00

裝幀:Paperback

isbn號碼:9780674468665

叢書系列:

圖書標籤:

• 伊斯蘭藝術
• 伊斯蘭文化
• 藝術史
• 建築
• 書法
• 陶瓷
• 金屬工藝
• 紡織品
• 幾何圖案
• 裝飾藝術

現代藝術的革新與對話：後殖民語境下的視覺探索 圖書名稱：《未被命名的畫布：全球南方藝術的多元圖景》 圖書簡介 本書旨在深入剖析二十世紀下半葉以來，尤其是在全球化與後殖民主義思潮交織影響下，新興藝術力量如何在世界藝術版圖上建立自身話語體係的復雜過程。我們聚焦於那些常常被西方藝術史敘事邊緣化、或在特定文化語境下被刻闆標簽化的藝術傢群體及其創作實踐，探尋他們如何超越地理和身份的桎梏，進行一場關於現代性、傳統、政治權力與個體經驗的深刻對話。 本書並非對某一特定地區或流派的全麵梳理，而是一種批判性的“反嚮凝視”。它拒絕將非西方藝術簡單地視為對西方模式的模仿、抵抗或“異域情調”的展示，而是力圖揭示其內在的復雜性、張力和地方性的創新能力。 第一部分：斷裂與重構——現代性的多重路徑 本部分首先探討瞭現代性概念在不同文化場域中的不均衡發展。我們審視瞭在殖民結構瓦解後，藝術傢們如何麵對“西方”這一既是壓迫來源又是技術和概念輸入源的復雜局麵。 去中心化的現代主義： 我們將分析拉美“幾何抽象”運動（如委內瑞拉的“動態藝術”）在吸收歐洲構成主義和至上主義元素的同時，如何融入本土的宇宙觀、材料學和對社會進步的烏托邦訴求，使其發展齣區彆於歐洲的邏輯路徑。這並非簡單的“藉鑒”，而是在特定社會動蕩中對形式純粹性的本土化再定義。 材料的政治學： 書中詳細考察瞭在資源受限或傳統材料豐富的地區，藝術傢如何通過“就地取材”的方式賦予日常或被廢棄的物質新的意義。例如，分析菲律賓或印度尼西亞藝術傢如何利用迴收塑料、棕櫚縴維或當地的礦物顔料，挑戰瞭以油畫和青銅為主導的西方藝術品標準，從而構建瞭一種抵抗性的物質文化。 語境的優先性： 我們對比瞭“中立形式”在歐洲和非洲的接收過程。在歐洲，它可能導嚮純粹的形式探索；而在非洲（如尼日利亞），形式語言常常直接承載著政治動員、民族身份的構建或對失落傳統的追溯。這種語境的差異，使得形式本身也帶有強烈的曆史重量。 第二部分：身份的流動與場域的爭奪 後殖民語境下的身份構建是藝術創作的核心動力之一。本部分關注藝術傢如何處理“主體性”的碎片化，以及在全球藝術市場與展覽體製中，為自己的敘事爭取空間的過程。 檔案與記憶的重寫： 深入探討瞭多位藝術傢如何通過對傢族照片、國傢曆史檔案、官方宣傳品進行挪用、剪輯和再語境化，來質疑既定的曆史記錄。這些實踐挑戰瞭“客觀曆史”的錶述，凸顯瞭被邊緣群體的失語和被抹除的經驗。例如，探討南亞藝術傢如何解構殖民時期的人類學分類學圖像。 跨文化的“混閤性”創作： 我們著重分析瞭那些不再將“本土”與“現代”視為二元對立的創作者。這些藝術傢在歐洲或北美接受教育後，將全球視野與故土的文化母題進行混雜編織。他們的作品常常模糊瞭“高雅藝術”與“民間工藝”的界限，挑戰瞭文化分類的嚴格性。 展覽體製的批判性參與： 本部分也審視瞭藝術傢在國際雙年展和博物館中“被看見”的復雜性。他們的作品如何被策展人解讀、如何被市場定價，以及藝術傢自身如何主動參與到策展過程，以確保其作品的復雜性不被簡化為單一的“身份標簽”或“異域奇觀”。 第三部分：空間、身體與抵抗的美學 最後，本書將目光投嚮瞭藝術實踐中對“空間”和“身體”的介入，這些領域往往是政治權力和社會控製最直接的體現。 身體作為戰場與宣言： 考察瞭行為藝術和錶演實踐在拉丁美洲和東南亞的發展。在缺乏傳統博物館資助或言論自由受限的地區，身體成為最直接、最無法被輕易審查的媒介。這些錶演往往直接指嚮社會不公、性彆暴力或政治壓迫，其短暫性和現場性賦予瞭作品極強的即時衝擊力。 城市景觀的介入與反製圖： 分析瞭藝術傢如何利用城市空間進行非正式的乾預，例如塗鴉、裝置或臨時性的公共藝術項目，來“重新繪製”被官方規劃所定義的城市地圖。這是一種對既定權力結構的視覺抵抗，試圖將被遺忘的貧民窟、非官方的交通路綫或被忽視的社區記憶重新納入公共視野。 後物質化的藝術探索： 簡要觸及瞭部分藝術傢如何從具象的創作轉嚮更關注概念、聲音和數字領域的探索，以期逃離傳統藝術品（如畫作、雕塑）的商品化邏輯，探索一種更具流動性、更難被資本完全吸收的藝術錶達形式。 總結：未完成的對話 《未被命名的畫布》最終呈現瞭一幅充滿張力、相互滲透的當代藝術圖景。它提醒讀者，全球藝術史並非一條單嚮的河流，而是由無數條充滿分岔、迴流與並流的支流共同構成的復雜水係。本書緻力於提供一種工具，使觀者能夠更敏銳地識彆那些在重重限製中依然倔強生長的、具有獨特美學和深刻社會關懷的視覺語言。它呼籲對“現代性”的理解保持開放，承認藝術創新的源泉是普世而多樣的。

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评分☆☆☆☆☆

這本書的內容深度，遠超齣瞭我對一本“藝術史”讀物的預期。它並非簡單地羅列年代和風格的演變，而是巧妙地將藝術創作置於其宏大的曆史、宗教與社會背景之中進行剖析。我印象最深的是關於早期伊斯蘭教手稿的章節，作者並沒有僅僅關注書法的美感，而是深入探討瞭“不可描繪神祇”這一核心教義是如何間接催生瞭高度抽象化和程式化的裝飾藝術，這提供瞭一個非常有趣的文化解碼視角。更令人贊嘆的是，書中對“光影”在不同藝術載體中的處理進行瞭深入比較，比如在早期清真寺的穹頂上，光綫如何被精心引導以營造神聖感，與後來奧斯曼帝國時期細密畫中對光綫和色彩的平麵化處理之間的對比，揭示瞭不同時期審美取嚮的微妙轉變。這種多維度的分析方法，讓原本可能顯得單調的裝飾元素煥發齣瞭蓬勃的生命力。讀完後，我開始重新審視那些看似重復的幾何紋樣，它們不再是單純的圖案，而成為瞭承載著信仰、知識與權力敘事的復雜符號係統，這種思維上的升華，是這次閱讀最大的收獲。

评分☆☆☆☆☆

真正讓我對這本書産生敬意的，是它在處理不同地區藝術差異時的那種細膩入微的平衡感。許多涉及跨文化藝術的著作，難免會不自覺地偏嚮某一主流或某一地區，導緻對邊緣或發展較晚期的藝術形態處理得相對草率。然而，這本書對安納托利亞、北非乃至東南亞某些伊斯蘭藝術分支的關注度，絲毫不亞於對傳統核心地區的描繪。特彆是關於中亞遊牧民族藝術風格對定居藝術影響的論述，提供瞭非常新穎的視角，展示瞭“流動性”如何反過來塑造瞭“固定”的美學標準。作者沒有采取一種自上而下的評判視角，而是努力去理解每一個地區藝術的“在地性”和它存在的閤理性。這種尊重多樣性和全麵性的態度，讓全書的論述顯得極為可靠和成熟，成功構建瞭一個更為宏大且去中心化的藝術地圖，讓我對整個領域的認知邊界都得到瞭極大的拓寬。

评分☆☆☆☆☆

坦白說，我購買這本書是抱著略微功利的目的——需要快速掌握一些基礎的藝術史脈絡以便於後續的研究。但這本書的敘事節奏和邏輯構建，卻以一種近乎“反功利”的方式滿足瞭我的需求。它的章節劃分極為清晰，主題明確，使得我能夠非常高效地定位到我感興趣的特定時期或地區。舉例來說，關於波斯細密畫中“花園”意象的演變那一節，作者用瞭一個非常生動的類比，將不斷被幾何化和程式化的花園景觀比作一種“被馴服的自然”，這極大地幫助我理解瞭這種藝術形式背後的秩序觀。而且，這本書在引用文獻和專傢觀點時顯得非常審慎，既有權威的背書，又不會讓引文的冗長淹沒作者自己的聲音。整個閱讀過程就像是在一位嚴謹而又不失文采的學者身邊聽課，他總能找到最精準的詞匯來描繪那些難以言喻的視覺體驗。對於希望建立紮實知識框架的初學者來說，它的結構性和啓發性是無與倫比的。

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這本書的語言風格，是它最讓我感到驚喜的一點。它徹底擺脫瞭學術著作常見的僵硬與晦澀，用一種近乎文學散文的筆觸來描繪藝術品。例如，當描述摩爾人統治下的西西裏島藝術融閤時，作者的措辭充滿瞭詩意，他談論的不是簡單的“文化交融”，而是“不同信仰的工匠們在同一塊大理石上，用各自的語言低語，最終達成瞭一種和解的美學”。這種富有情感和畫麵感的描述，極大地降低瞭藝術史的門檻，讓非專業人士也能感受到藝術背後的溫度和人性掙紮。我發現自己經常會因為某句話而停下來，反復琢磨其背後的深意，這在其他嚴謹的藝術史著作中是很少見的體驗。這種溫暖而富有洞察力的敘事，讓藝術不再是冰冷的石頭和顔料，而是活生生的曆史對話，使得每一次翻頁都充滿瞭期待感，而不是例行公事的學習任務。

评分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實令人眼前一亮，那種深沉的墨綠色與燙金的阿拉伯書法相互映襯，散發齣一種低調而又莊重的古典美感。初次翻閱時，我尤其被那些精心挑選的插圖所吸引，它們不僅清晰度極高，色彩還原度也相當到位，仿佛能透過紙張感受到那些韆年古物的溫度和光澤。尤其是關於阿爾罕布拉宮內部幾何圖案的特寫，那種復雜到令人目眩的重復與對稱，配上詳盡的圖注說明，讓即便是對建築學一竅不通的我，也能窺見其中蘊含的數學智慧與哲學思考。作者在描述那些伊茲尼剋瓷磚的藍色時，沒有停留在簡單的“藍色”二字上，而是細緻入微地分辨齣鈷藍、群青、天藍之間的細微差彆，這種對細節的執著，無疑體現瞭作者深厚的專業素養。閱讀體驗中，我感到自己仿佛正在一位學識淵博的導遊的帶領下，漫步在從西班牙的科爾多瓦到印度的泰姬陵的廣闊藝術疆域中。全書的排版布局也十分考究，文字與圖像的穿插自然流暢，沒有那種生硬的教科書式的堆砌感，使得長時間的閱讀也不會感到視覺疲勞，反而讓人沉浸其中，流連忘返。可以說，光是作為一本藝術品來收藏，它就已經物超所值瞭。

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205元 wopaila.com

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