具体描述
Artist Mark Cooper aims to change the way you think about making art with kids.
Working with schools around the country, Cooper has brought together scores of teachers and hundreds of children to make remarkable collaborative art that has enlivened classrooms and public spaces and been displayed in the nation's most prestigious museums.
In this inspiring, practical, idea-filled book, Cooper shows how any teacher—not just art teachers—can imagine and execute similar projects in their own classrooms.
But more than that, Cooper transforms our sense of possibilities, arguing for a new view of art in schools. Making Art Together is a book about art education structured around big ideas: that adults can flourish in the role of Master Artist, that the perspective of contemporary art offers liberating possibilities for rethinking art in schools, that art can and should be about the larger world, and thus naturally ties in to all areas of the curriculum.
Most of all, Cooper shows us the power of collaboration. From mammoth, freestanding sculptures to billboards against violence to maps of the world, the projects here are all planned, designed, and completed by children themselves. The resulting artwork is complex and ambitious on a scale that would be out of reach for any individual child. Working collaboratively, using a distinctly democratic model, kids actually think and work like adult artists throughout every stage of the project. Together the sky's the limit—the artistic and educational opportunities are boundless.
Making Art Together is a bold, beautifully illustrated book that could—at a time when art budgets are being slashed—revitalize our sense of what art in schools can accomplish.
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用户评价
这本书的实用性达到了一个惊人的平衡点——它既有高度的理论探讨，又不失具体的操作指导，而且是以一种非常“去中心化”的方式呈现的。它没有强行规定“你必须用A方法”，而是列举了十种处理光影的方式，并分析了每种方式可能带来的情绪效果。这种开放式的教学风格，极大地鼓励了读者的自主探索欲。我尤其喜欢它对“感知训练”的板块，里面设计了一些非常有趣的日常练习，比如要求我们每天记录下环境中三种不同“温度”的颜色，这迫使我的注意力从“画什么”转移到了“如何感受”。这本书的语言风格是那种略带戏谑和亲切感的，读起来完全没有压力，仿佛作者正坐在你身边，手里拿着画笔，随时准备帮你纠正一个错误的握笔姿势，但又不会让你感到被评判。它成功地将艺术的严肃性与日常生活的趣味性完美地结合了起来，让学习过程本身成为一种享受，而不是一种任务。
评分我必须承认，这本书的内容深度远超我的预期，它不是那种浮于表面的“速成指南”。作者对不同文化背景下艺术表达形式的跨界引用令人叹为观止，从东方水墨的留白哲学到西方抽象表现主义的能量释放，都有着精到的论述。最让我印象深刻的是其中对“过程美学”的推崇，它详细分析了艺术家在创作过程中那些细微的犹豫、调整与突破，并将这些瞬间转化为可供学习的案例。这些案例的选取角度非常独特，没有选择那些耳熟能详的大师级作品，而是聚焦于一些鲜为人知但技术精湛的创作者，这让阅读体验充满了惊喜。书中穿插的那些深入的访谈片段，展现了艺术家们在面对创作瓶颈时的真实心路历程，那种坦诚和脆弱感，让人深感共鸣。整本书读下来，感觉像上了一堂高强度的、涉及多个学科的研讨会，需要时不时停下来，合上书本，在脑海中反复咀嚼那些复杂的概念，再结合自己的实践去消化吸收。
评分这本书的插图简直是视觉的盛宴，色彩的运用大胆而富有张力，每一页都像是一次精心策划的展览。我尤其欣赏作者在构图上的匠心独运，那些看似随意的笔触背后，其实蕴含着对空间和光影的深刻理解。它不像那些教科书那样枯燥乏味，而是用一种近乎诗意的语言，引导读者去观察世界，去发现日常生活中那些被忽略的美好瞬间。比如，其中有一章专门探讨了如何用最简单的线条勾勒出人物的动态神韵，那种寥寥数笔便捕捉到精髓的手法，让我这个绘画新手茅塞顿开。读完之后，我发现自己走路时看树的影子、喝咖啡时看杯沿的反光，都多了几分审视和玩味。它不仅仅是教你“如何画”，更重要的是，它在潜移默化中重塑了你的“如何看”。那种对材质纹理的捕捉能力，无论是粗粝的石头，还是光滑的绸缎，都表现得淋漓尽致，让人有种伸手触摸的冲动。这本书的装帧设计本身也是一件艺术品，厚实的纸张，微微散发着油墨的清香，每一次翻阅都像是在进行一场与艺术的私密对话，让人心绪宁静。
评分从排版和设计角度来看，这本书简直是印刷艺术的典范之作。每一页的留白处理都经过深思熟虑，恰到好处地引导着读者的目光流向，使眼睛在密集的信息流中得到了充分的休息。装帧的质感非常高级，采用的是那种耐磨损的布面精装，即使频繁翻阅，也不会轻易损坏，看得出出版方在制作上投入了极大的诚意和成本。内容上，这本书的独特之处在于它对于“跨媒介叙事”的探讨，它没有局限于单一的艺术形式，而是将音乐的节奏感、文学的结构感巧妙地融入到视觉艺术的分析之中。作者对于如何利用“不完整性”来激发观众的想象力进行了深入的剖析，这种“留白即是邀请”的理念，让我对未来自己的作品有了全新的期待。总而言之，这是一本值得被反复阅读和珍藏的典籍，每一次重温都能从中挖掘出新的层次和意义，它的价值远远超出了一个普通技法书的范畴。
评分这本书的叙事节奏把握得非常巧妙，它没有采用那种传统艺术史的编年体叙述，而是像一位经验丰富的朋友，带着你漫步于艺术创作的各个领域。开篇从“材料的哲学”谈起，探讨了颜料、画布乃至泥土本身所蕴含的情感潜力，这一点非常引人入胜。作者的文笔非常流畅且富有思辨性，他提出的许多观点都极具启发性，比如他将“错误”重新定义为“未被预见的创造性路径”，这极大地解放了我对自己创作的心理束缚。我过去总是在追求完美，反而束手束脚，这本书的理念让我敢于放开手脚去试验那些“不合规矩”的技法。全书结构如同一个迷宫，你总能从一个看似不相关的章节跳跃到另一个主题，但最终所有的线索都会汇聚到一个核心观点上：艺术的本质在于真诚的表达。特别是关于“集体创作中的个体声音”这一部分的论述，深刻地揭示了在协作中如何保持自我独特性而不被群体淹没的技巧，对于任何从事团队项目的人来说都是宝贵的财富。
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