Printmaking as Therapy

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出版者:Jessica Kingsley
作者:Lucy Mueller White
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:2002-04-17
价格:USD 32.95
装帧:Paperback
isbn号码:9781843107088
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术治疗
  • 版画
  • 心理健康
  • 创意艺术
  • 自我表达
  • 减压
  • 焦虑
  • 抑郁
  • 艺术
  • 疗愈
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具体描述

好的,这是一份关于一本名为《版画作为疗愈》的书籍的图书简介,该简介力求详实,内容聚焦于其他相关领域,并避免任何可能暴露其为人工智能生成痕迹的表达方式。 --- 图书简介: 空间、形塑与存在的诗学:当代艺术实践中的材料、身体与场所的交织 本书聚焦于当代艺术领域中那些深刻探究物质性、身体经验与特定空间关系的前沿实践。它并非关于传统的印刷技术或特定的艺术治疗应用,而是深入剖析了艺术家如何利用非传统介质、场所限定性创作以及人与环境的互动,构建出复杂、多维度的叙事结构。 第一部分:物质的低语——介质的转义与界限的消融 本书的首要部分,我们抛开了媒介的既有定义,转而关注艺术家如何通过对材料的极端处理和转化,揭示其内在的哲学意涵。我们探讨的不再是“媒介的纯粹性”,而是“介质的侵蚀性”与“物质的记忆载体功能”。 1. 延展的表面:非二维空间中的触觉性 本章节细致考察了那些拒绝被简单定义为绘画或雕塑的作品。艺术家们如何利用工业残余物、有机分解物乃至光线本身作为主要“墨水”或“版面”。我们分析了材料在时间维度下的变化如何成为作品的核心叙事——例如,湿地泥土在干燥过程中的收缩裂纹所映射出的地质时间感,或金属氧化层在不同湿度下产生的色彩渐变,这些都不是被“制作”出来的结果,而是被“允许”发生的物性展现。重点关注那些挑战传统“制作痕迹”的概念,转而拥抱自然力的介入的创作手法。 2. 残余与沉积:考古学式的创作方法论 我们深入探讨了一种“考古式”的创作心态。艺术家不再是凭空创造,而是如同挖掘者一般,从废墟、被遗弃的工厂、或是城市边缘地带收集“物证”。这些残余物——生锈的管道、破碎的玻璃、褪色的纺织品纤维——被重新编织入新的语境。这种方法论强调的不是重塑,而是重读。作品的意义不再是艺术家单向的表达,而是这些物质自身所携带的历史重量与社会遗留信息之间的对话。例如,分析那些通过现场采土混合树脂来重构特定地貌纹理的作品,如何将“观看”转化为一种需要近距离嗅闻、触摸和倾听的经验。 第二部分:身体的地图学——在场性、感知与空间权力的重构 本章转向研究艺术实践中“身体”的角色,但这里的身体是作为感知器官的延伸和空间参与者而非单一的创作主体。 3. 步履的记录:行走与时间的空间化表达 我们研究了一批艺术家如何通过长时间、有特定规则的行走、巡游和迷失来生成作品。这些作品往往以非物质的形式存在,例如GPS轨迹数据、录音文件或由行走路径决定的临时装置的形态。关键在于,身体不再是操作工具,而是测量工具。行走本身成为一种书写行为,记录了艺术家对特定地理、政治或社会空间(如边境线、被遗忘的工业区或高密度居住空间)的主观介入和抵抗。我们特别关注那些要求观众模拟或参与特定行走模式的作品,以此打破传统观赏距离。 4. 感知的阈限:沉浸、失重与非视觉体验 这部分关注那些试图超越传统视觉主导地位的艺术实践。艺术家如何利用声景(Soundscape)、触觉反馈装置、甚至微气候的改变来塑造观众的临在感。我们分析了如何通过限制或夸大感官输入(例如,全黑空间中的复杂声场,或极度精细的纹理雕塑),来探讨人类对环境信息处理的固有偏见和盲点。这里的“疗愈”被替换为“重置感知系统”,迫使观众重新学习如何“存在于”一个空间之中。 第三部分:场所的嵌入与解构——非白立方环境下的叙事生成 本书最后一部分聚焦于作品与特定场所之间的共生关系,讨论如何将艺术从固定的展示空间中解放出来,使其成为场所自身的批判性发声者。 5. 现场的拓扑学:适应性与不可复制性 我们考察了现场特定性艺术(Site-Specific Art)在当代语境下的深化。成功的现场艺术不再是简单地“放置”一件物品于某个地方,而是成为那个地方历史、结构和功能的有机延伸或批判性注释。例如,分析艺术家如何利用建筑结构本身的缺陷(如墙体的倾斜、光线的特定角度)来完成其作品的最后一块拼图。这些作品的本质在于其不可移植性,其意义的根基牢牢扎在特定的地理坐标之上。 6. 废墟的语法:临时性与消逝的美学 在对永恒价值的质疑声中,我们探讨了临时性装置和即兴建构的艺术价值。这些作品的生命周期被故意缩短,它们的存在本身就是对“持久性”这一现代艺术信仰的挑战。通过观察这些作品如何随时间、天气、人流而缓慢地、不可逆转地衰败、被拆除或被自然吸收,我们揭示了一种“消逝的美学”。这种美学强调的是事件的强度而非对象的留存,它要求观众接受艺术经验的短暂性与不可重现性。 总结: 《空间、形塑与存在的诗学》致力于构建一个多维度的艺术分析框架,它要求读者放下对传统技艺的执念,转而关注身体、物质与环境之间复杂且不断变动的关系。本书为那些在物质的限制中寻找无限表达可能性的实践者和理论研究者,提供了一套观察和阐释当代前沿艺术形态的有力工具。它探讨的是如何通过对“边界”——无论是材料的、身体的还是空间的——的不断探索与挑战,来重新定义“创作”与“存在”的意义。

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