Sex on the Brain pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Three Rivers Press

作者:Daniel G. Amen M.D.

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:2008-1-22

价格:USD 13.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780307339089

丛书系列:

图书标签:

• 性科学
• 神经科学
• 心理学
• 大脑
• 性行为
• 性认知
• 性生理学
• 爱情
• 关系
• 健康

遗失的旋律：巴洛克时期意大利音乐的复兴与重塑 一部深入探究十八世纪中叶，在欧洲音乐版图剧烈变动的背景下，意大利本土音乐家如何面对“新风格”的冲击，并最终在器乐创作领域实现一场意义深远的“回归”与“革新”的学术专著。 引言：逝去的辉煌与时代的焦虑 本书聚焦于1730年至1770年间，意大利音乐史上一段充满矛盾与张力的时期。曾几何时，以维也纳、那不勒斯为核心的意大利歌剧（特别是“正歌剧”与“改革歌剧”）无疑是整个欧洲音乐界的统治者。然而，进入十八世纪中叶，随着拉莫（Rameau）在法国的成熟，以及“敏感风格”（Empfindsamer Stil）在德语地区的兴起，意大利音乐，特别是其赖以成名的歌剧传统，开始遭受前所未有的挑战。 传统上，音乐史往往将这一时期简化为“巴洛克向古典主义过渡的模糊地带”，或者过分强调斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）在键盘音乐上的光芒，而忽略了意大利本土作曲家在面对外部强大影响时所经历的集体性挣扎与反思。本书旨在填补这一空白，深入剖析在“好品味”（bon goût）的论战中，意大利作曲家们是如何重新审视自身传统，并在器乐领域，尤其是在奏鸣曲、协奏曲和室内乐中，催生出一股强劲的“回归巴洛克精神”的思潮。 第一部分：风格的裂变——歌剧霸权的黄昏 本部分首先对1730年前后意大利歌剧的盛况进行细致描摹，梳理了波普拉（Porpora）、莱奥（Leonardo Vinci）等大师的创作手法，重点分析了那不勒斯乐派如何通过精妙的宣叙调与咏叹调的交替，构建起庞大的戏剧结构。 然而，真正的转折点出现在格鲁克（Gluck）的改革运动中。格鲁克的《奥菲欧与欧律狄刻》（1762）被视为对意大利传统“炫技至上”和“情感空洞”的直接批判。本书不同于常规叙事，我们着重探讨意大利作曲家对格鲁克主义的回应： 1. 保守派的坚守与自我封闭： 记录了如亚尼内利（Jannelli）等作曲家如何固守传统，他们对外部风格的排斥，以及这如何在一定程度上导致了他们在国际舞台上的失声。 2. 内部的修正： 重点分析了皮奇尼（Piccinni）和萨切里（Saccheri）在歌剧创作中如何审慎地吸纳“清晰性”和“自然性”的元素，试图在不放弃意大利旋律美感的前提下，进行必要的结构简化。 3. 从剧场到沙龙的转移： 随着大歌剧市场的萎缩，大量中小型剧院和贵族沙龙对“易于欣赏”的室内乐与器乐小品的兴趣激增，这为器乐创作的复兴提供了温床。 第二部分：奏鸣曲的“回归”：双重对位法的再发现 意大利音乐在巴洛克晚期，器乐传统相对薄弱，主要由哈塞（Hasse）等在德奥地区发展起来的作曲家支撑。本书的核心论点在于，面对德奥地区以卡尔·菲利普·伊曼努尔·巴赫（C.P.E. Bach）为代表的“敏感风格”所带来的心理深度与情感复杂性，意大利作曲家们选择了一条独特的反击路径：不是简单模仿协奏曲的结构，而是回归意大利本土早期对位法的精髓。 我们对以下几位关键人物的奏鸣曲进行了详尽的风格分析： 多梅尼科·斯卡拉蒂的遗产： 虽然多梅尼科的奏鸣曲创作于早期，但其单乐章结构、丰富的和声色彩以及对位技巧的巧妙运用，被后来的作曲家视为“纯粹的意大利精神”的典范。本书展示了如何从多梅尼科的遗产中提取技法，应用于新的键盘作品中。 巴蒂斯塔·马泰伊（Bartolomeo Mattei）的实验： 马泰伊的奏鸣曲鲜少被提及，但其作品中展现了对“双重主题发展”的执着，即在奏鸣曲的呈示部和再现部中，清晰地交织两个性质迥异（通常一个抒情、一个快速对位）的主题，这与海顿追求的“戏剧性冲突”形成了鲜明对比，体现了一种基于和声逻辑的“平静的力量”。 小提琴奏鸣曲的复兴： 重点考察了伽利尼亚诺（Galiano）的小提琴奏鸣曲，它们摒弃了洛可可式的轻浮装饰，转而采用类似科雷利（Corelli）晚期作品中的严谨对位结构，强调弓法与指法的清晰度，而非纯粹的炫技。 第三部分：协奏曲的“重塑”：速度与情感的平衡 在协奏曲领域，维瓦尔第（Vivaldi）的阴影依然笼罩，但新的“快-慢-快”结构受到了质疑。本书关注的焦点是“室内协奏曲”（Concerto da Camera）在这一时期的生命力。 意大利作曲家们开始重新审视巴赫的协奏曲（特别是布兰登堡协奏曲）中器乐声部间的平等对话，并将其与本土的咏叹调结构相结合： 1. 咏叹调化的慢板乐章： 意大利作曲家发现，用一段结构复杂的、类似“抒情咏叹调”的慢板乐章来取代传统上简单的慢速乐章，能够更好地满足听众对旋律性的需求，同时又不失器乐的深度。我们分析了如何将歌剧中的“装饰段”（Cadenza）思维融入协奏曲的对位结构中。 2. 对“狂热”的克制： 与德奥地区对“狂暴”（Sturm und Drang）的追求不同，意大利的协奏曲倾向于维持一种中等的情感张力，即“适度的激情”。这体现在对快速乐章中突然转调的规避，以及对主导乐思清晰度的坚持。 结语：在遗产与未来之间 本书的结论是，1730年至1770年间的意大利器乐创作并非音乐史上的“停滞期”，而是一场有意识的、面向内部的“风格净化运动”。面对外部的压力，意大利作曲家们没有全盘接受新的古典主义范式，而是选择了一条“回溯”的路径——通过对本土巴洛克晚期优良传统的重新诠释与技术强化，为后来真正的古典主义发展，特别是对莫扎特和贝多芬早期作品中意大利旋律与清晰结构的吸收，奠定了坚实的基础。这本书揭示了，有时候，最激进的创新，恰恰源于对自身最深层传统的忠诚与精炼。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆