王时敏写杜甫诗意图册

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出版者:紫禁城
作者:故宫博物院 编
出品人:
页数:60
译者:
出版时间:2007-12
价格:168.00元
装帧:
isbn号码:9787800476600
丛书系列:
图书标签:
  • 王时敏
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具体描述

《王时敏写杜甫诗意图册》十二开,纸本,墨笔或设色,每开纵39厘米,横25.5厘米。作于乙巳年(清康熙四年1665年)。《石渠宝,初编著录。现藏故宫博物院》。创建于一九二四故宫博物院是在明、清皇宫址及清宫旧藏文物的基础上建立起来的综合性国家级博物馆,文物藏品居全国文博系统馆藏品总数之首,占全部藏品的十分之一,其中一级品占六分之一。故宫博物院藏文物品类丰富、体系完备、共二十四大类、六十九小项,计一百五十多万件(套)。

好的,这是一份关于一本不同于《王时敏写杜甫诗意图册》的图书的详细简介: --- 《宋元文人画的时代精神与艺术嬗变:以“师古与创新”为核心的流变研究》 (A Study on the Spirit of the Times and Artistic Evolution in Song and Yuan Literati Painting: Focusing on the Dynamics of “Emulating the Ancients and Innovating”) 作者:[此处留白,或填入虚构的资深艺术史学者姓名] 出版社:[此处留白,或填入权威学术出版社名称] 装帧:精装,全彩印刷,内含大量高清原作图版与细节放大图 导言:时代的脉动与笔墨的呼吸 中国绘画史的宏大叙事中,宋元之际无疑是一个关键的转折点。这一时期,文人画(士人画)从一个边缘性的艺术实践,逐步登上主流文化的巅峰,成为士大夫阶层表达“胸中逸气”、寄托家国情怀与人生哲思的主要载体。 本书并非聚焦于某一特定的画家对某一特定诗人的诠释(如王时敏对杜甫诗意的图解),而是将视野提升至一个更为宏观的、结构性的层面,深入剖析了宋代院体审美规范的衰落与文人画自觉意识的觉醒,以及元代在异族统治下,士人如何通过笔墨重塑自我身份与文化认同的复杂过程。 我们探讨的核心议题是贯穿宋元近两个世纪的创作主旋律:“师古与创新”之间的张力与辩证关系。这种关系并非简单的模仿与超越,而是一种文化基因的重塑,是面对时代剧变时,文人知识分子对自身艺术语言和精神归宿的深刻叩问。 第一部分:宋代的审美定型与“师古”的内涵重塑 (约450字) 宋代,尤其是北宋,是文人画理论体系初步建立的阶段。本部分首先梳理了苏轼、米芾等大家对董源、巨然等“前代古人”的推崇,但这绝非简单的技法复刻。 1. 院体与士人画的交错:审美标准的转移 北宋中后期,文人士大夫对院体画(如院派山水对精确再现自然的追求)的审美疲劳,促使他们转向对“意”的强调。苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫不殊;论画以神似,则入于初机”,标志着从“形似”到“神似”的理论转向。这里的“古”,更多指的是对唐代山水画(如李思训、王维)笔墨精神的追溯,以及对早期山水画中蕴含的朴素哲学思想的回归。 2. 南宋的“内转”:对李唐体系的继承与消解 南宋初期,受靖康之变的影响,山水画的创作呈现出强烈的“内向性”和“悲剧意识”。中原画派的流亡画家,如李唐、刘松年的风格,带有明显的雄强与沉郁。然而,李唐一脉的继承者们,如马远和夏圭,虽然在构图上进行了大胆的“破坏式”创新(如“边角式”构图),他们对“古法”的遵循,更多体现在对笔墨皴法的严谨考究上,这是一种对失落故土的间接缅怀,而非对具体图像的复制。 第二部分:元代的文化自救与“师古”的符号化 (约550字) 元代,文人画的地位确立,其“师古”行为具有了更为强烈的政治和社会隐喻色彩。面对元朝统治者,士人“不仕则隐”,艺术成为他们维护民族文化尊严和个体人格独立的最后疆域。 1. 元四家:对笔墨语言的“复古”宣言 本书集中分析了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——各自的“师古”路径。 黄公望:他将董源、巨然的“披麻皴”推向极致,但在其笔下,皴法不再是描绘江南丘陵的手段,而成为一种精神的律动,是内在情感的“笔墨宣泄”。他的“师古”是向着“元气浑厚”的古老源头汲取力量。 倪瓒:倪瓒的“师古”是最具颠覆性的。他极度推崇“米氏父子”(米芾、米友仁)的“没骨”与“点苔”法,并将其简化到极致,形成“秃笔、淡墨、空旷”的个人面貌。这种极简,是对元代复杂政治环境的一种视觉上的逃离与纯粹化表达。他的“古”是形式上的“疏简”,精神上则是对“高洁”品格的坚守。 王蒙:作为技法集大成者,王蒙的“师古”体现为对董源、巨然、李唐、赵孟頫等诸家笔法的融汇与层层堆叠。他的画作复杂繁密,几乎是“包罗万有”,这种“多”恰恰是对元初以来文人画在技法上追求“简”的一种强力反拨与全面继承,他试图在笔墨中建立一个完整的、可供栖居的“文化宇宙”。 2. 摹古与“隔代”:寻找理想的文化原型 元代士人常常绕开与其在政治立场上有所牵连的南宋院体,转而追溯唐代山水画家(如李昭道)或更早的六朝遗风。这种“隔代摹古”并非艺术史上的无知,而是一种有意识的文化选择,意图切断与近世政治权力中心的联系,转而依附于更具道德高度和文化纯洁性的“黄金时代”。 第三部分:理论的凝练:笔墨的“意”与“法”的辩证统一 (约500字) 本书最后一部分,着重于提炼宋元文人画在理论层面对“师古与创新”的最终解答。 1. 摹古的“活法”:从技法到心法 我们论证了,宋元文人画中的“师古”并非“临摹”,而是“体悟其法,以入我心”。对古法的掌握是基础,但最终目的在于去除古人的具体笔墨痕迹,将其内化为表达个人“胸襟”的媒介。创新并非是抛弃古法,而是使古法服务于个体当下的心境。倪瓒的“简”与王蒙的“繁”,看似极端对立,实则是他们对同一古老源流(董巨体系)的不同理解和选择。 2. 时代精神的物化:笔墨的“游戏”与“担当” 宋元文人画的创新,是艺术史中罕见的与社会变迁深度捆绑的案例。它从早期的“雅好”逐渐发展为一种“担当”。对笔墨语言的执着,是士人在外部环境剧烈动荡时,唯一能掌控和自我确立的领域。因此,每一次对“古法”的借鉴与重构,都饱含着对自身道德操守的确认。 总结而言,《宋元文人画的时代精神与艺术嬗变》旨在描绘出宋元时期,艺术家群体如何通过对古代笔墨的深刻理解与批判性继承,成功地将一种新兴的艺术范式——文人画——推向高峰,并构建起一套延续数百年,影响后世水墨画创作的深层理论体系。本书通过细致的个案分析,揭示了“师古”在特定历史语境下,如何转化为强大的“创新”动能。 ---

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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与其他一些艺术图录相比,这本书的选材角度显得尤为独特和深入。它似乎不仅仅是简单地收录作品,更像是在进行一次精心的学术梳理与情感梳理。我注意到,它似乎侧重于表现某种特定的主题脉络,或许是画家对某一类题材的偏爱,或者是对某种历史事件的隐晦回应。这种“有选择的呈现”比“全景式的罗列”更具价值,因为它指向了创作者内心更深层次的关注点。阅读过程中,我一直在猜测,作者挑选这些图画的依据是什么?是时间顺序?还是意境的递进?这种探索的过程本身就是一种智力上的享受。它提供了一种独特的视角去理解艺术家的创作心路,而不是仅仅停留在对作品表象的赞叹上。这种深度的挖掘和有目的性的编排,使得整本书的知识密度非常高,让人感觉物超所值,因为它教会了你如何去“看”,而不仅仅是“看图”。

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这本书的装帧和内容在气质上达成了一种高度的默契,形成了一种独特的阅读氛围。当你独自一人,在安静的午后,捧着它,周围的一切似乎都慢了下来。这种体验是数字媒介无法替代的。它唤醒了人们对“物”的尊重,对“手工制造”的敬畏。纸张的肌理、油墨的厚度、图像的层次感,这些都是需要实体接触才能完全体会的品质。它不是快餐式的消费品,而是一件需要时间去品味的藏品。这种厚重的实体感,反而能够帮助我们更好地进入那种古典的、沉静的艺术世界,与那些描绘的古人情怀产生共鸣。它不仅仅是视觉的盛宴,更是一种对生活慢节奏、对深度思考的推崇。对于任何一个热爱艺术、珍视实体书籍质感的读者来说,这本书无疑提供了一次难得的、充满仪式感的审美体验。

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这本书的装帧设计实在是太有品味了,从封面到内页的纸张选择,都透露出一种古典与现代交融的艺术气息。尤其是那种微微泛着暖黄色的纸张,拿在手里就感觉沉甸甸的,仿佛捧着一部尘封已久的手稿。装帧的工艺处理得非常精细,书脊的纹理和烫金的字体,即便只是放在书架上,也是一件赏心悦目的艺术品。我尤其喜欢它在细节处的考究,比如扉页上的那枚印章,虽然我不确定真伪,但它无疑增添了一份历史的厚重感。翻开书页,那种油墨的淡淡清香扑鼻而来,与古籍特有的那种纸张的干燥气息混合在一起,构成了一种独特的嗅觉体验。装帧不仅仅是保护内容,它本身就是一种叙事。好的装帧能让你在还未阅读内容之前,就对这本书的内在气质有一个初步的,也是非常强烈的预感。这本册子在视觉上传达出的是一种庄重、内敛,同时又蕴含着对艺术极度尊重的态度。我可以想象,制作这本册子所花费的心力,绝不亚于其中所收录的那些精美图画本身。每一次将它从书柜中取出,都像是在进行一个充满仪式感的动作。

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这本书的排版布局,简直是现代设计理念与传统审美的一次完美融合。它没有采用那种老旧的、对称的、刻板的排版方式,而是大胆地运用了留白,并且巧妙地利用了对开本的优势,使得画面与文字(如果存在的话,此处指引文或题跋)之间的呼吸感非常强。有些图画占据了整整两页,气势磅礴,仿佛将整个天地都容纳于册页之间;而有些则被精心安置在一个角落,周围是大量的空白,这种留白的处理,恰到好处地引导了观者的视线,也留出了思考的空间。这种非均匀的、动态的排版,极大地增强了阅读体验的节奏感。它不再是一种线性的阅读,而是一种沉浸式的、多层次的欣赏过程。我感觉排版师一定是对中国传统美学有深刻理解的行家,他明白“虚实相生”的道理,知道如何通过空间的关系来平衡视觉重量。这种对“间架结构”的重视,使得整本册子在视觉上达到了出奇的和谐与平衡。

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阅读这本书的过程,简直像是一场穿越时空的对话。我仿佛能感受到作者在构思这些画作时的心境,那种对传统文人画精神的继承与创新,实在是令人叹服。图册中的笔触和墨韵,虽然是静止的图像,却蕴含着极强的生命力和流动感。尤其是几幅描绘山川景物的作品,构图之精妙,远非一般山水画所能比拟。它不是简单地模仿自然,而是将自然中的某种“气”——那种难以言喻的东方哲学意境——捕捉并凝固在了纸面上。每一幅图画似乎都在诉说着一个复杂的故事,关于隐逸、关于哲思、关于人生无常的叹息。我花了很多时间去研究那些细节,比如树干的皴法,水流的动势,以及人物的衣袂飘举,无不体现出极高的写意功力。这种作品不是一目十然的,需要你静下心来,反复揣摩,才能体会到其中深藏的诗意和哲理,每一次重读都有新的感悟,这才是真正优秀的艺术品所具备的特质。

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买了几本这套故宫出版的画册带回多伦多送人。书籍设计、纸张、印刷堪称精美。从目前国内很多书籍不惜工本这点看,物质文化盛极!但是有个工艺的细节尚可完善,书有跑胶,书页粘在一起揭开就破损了,遗憾。

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买了几本这套故宫出版的画册带回多伦多送人。书籍设计、纸张、印刷堪称精美。从目前国内很多书籍不惜工本这点看,物质文化盛极!但是有个工艺的细节尚可完善,书有跑胶,书页粘在一起揭开就破损了,遗憾。

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