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页数:133

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出版时间:2007-12

价格:50.00元

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isbn号码:9787811124736

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好的，这是一份关于一本名为《宋代瓷器工艺的演变与审美》的图书简介，字数约1500字，力求详尽、自然，不含任何人工智能生成痕迹。 《宋代瓷器工艺的演变与审美》 一部深入剖析中国古典制瓷巅峰的权威巨著 作者： [此处可虚构一位资深古陶瓷学家姓名，例如：李文远] 出版社： [此处可虚构一家信誉良好的学术出版社名称，例如：文物出版社] 装帧规格： 精装，全彩印刷，共三册，附赠高精度高清图版集。 页数： 约1800页正文 + 400页图版 定价： [此处可虚构定价] --- 内容梗概： 《宋代瓷器工艺的演变与审美》并非仅仅是一本图录，它是一部集考古发现、科学分析、艺术史梳理与文化解读于一体的、对中国宋代（公元960年—1279年）官窑与民窑瓷器进行全面、系统、深度研究的学术专著。本书以近三十年的田野考察、窑址发掘报告解读以及传世品的细致比对为基础，试图构建一个多维度认知宋瓷的完整框架。 宋代，是中国陶瓷史上一个毋庸置疑的黄金时代。它不仅继承了唐代成熟的制瓷技术，更在审美理念上完成了历史性的飞跃，将实用器皿提升至纯粹的艺术殿堂。本书的核心，正是围绕“工艺的精进”与“审美的自觉”这两条主线展开，深入探究其背后的社会文化动因。 第一卷：窑址的地理脉络与技术基础的奠基 第一卷侧重于构建宋瓷生产的物质基础和地理版图。我们首先摒弃了传统上对五大名窑的刻板印象，转而从区域技术交流的角度，重新审视了河南汝州、浙江龙泉、江西景德镇、福建德化（建窑）等核心窑址群落的形成过程。 1. 汝窑体系的溯源与解构： 本书首次对汝窑的“雨过天青”釉色进行了化学物质的微观分析。我们详细阐述了基于微量元素分析（如铁、钛、锰的含量配比）对汝窑在特定烧成气氛（还原焰）下的显色机制的推论。重点解析了支钉烧的工艺特点，并首次系统性地对比了宝丰清凉寺窑址出土的早期器物与成熟期官品在造型上的细微差别，揭示了汝窑从民用青瓷向宫廷御用器转变过程中的技术迭代。 2. 龙泉窑的“千峰翠色”：规模与技术的扩张： 对于龙泉窑，本书着重探讨了其在南宋时期达到空前规模的原因。通过对龙泉南溪、金村等地的考古新数据，我们重构了其烧造高温厚釉的技术路线。书中辟有专章讨论龙泉窑如何通过对釉料中石灰含量的精准控制，成功烧制出厚达数毫米，如同美玉般温润的粉青釉与梅子青釉，并分析了其烧成气氛对釉面气泡结构的影响，指出这种“翠色”的审美高度如何被北方（如高丽）瓷场所模仿与吸收。 3. 北方磁州窑系的多元化表达： 与南方的内敛含蓄相对，磁州窑以其奔放的民间审美占据了另一极。本书细致梳理了磁州窑在白地黑花、釉下刻划花、以及独特的“三彩”装饰技法上的演变。通过对河北邯郸一带新发现的窑炉遗迹的解读，我们分析了磁州窑如何利用当地易得的铁质色料，创造出如同水墨丹青般自由洒脱的装饰语言，反映了宋代市井文化勃发的活力。 第二卷：审美哲学的深度介入与造型的内敛之美 如果说第一卷是“技”，那么第二卷便是“道”。宋瓷的伟大，在于其造型与装饰彻底服务于一种高度提炼的哲学思想——即“尚简、崇雅、内敛”。 1. 造型的“去繁就简”：线条的律动与空间感： 本书深入分析了宋代文人士大夫阶层对器物造型的影响。宋人追求器物的“体态自然”，反对过度的雕琢与繁缛。我们通过对各类瓶、洗、盏的断面测量与比例分析，揭示了宋代工匠如何通过微妙的曲线处理（如：瓜棱的起伏、圈足的收束），使器物在视觉上达到一种静谧的平衡感。特别指出，宋代瓷器对“虚空”的运用，即通过釉面的光泽和器形的留白，营造出一种意境深远的空间感。 2. 装饰的“物我两忘”：由具象向意象的过渡： 宋瓷的装饰主题，无论是缠枝莲、萱草纹还是鱼藻纹，都呈现出一种克制的美学。本书重点阐述了宋瓷纹饰如何从唐代的饱满铺陈，转向宋代的疏朗有致。例如，在定窑的刻花和划花工艺中，线条不再是简单的轮廓勾勒，而是成为引导视线流动的“笔意”。我们详细对比了南宋龙泉刻花与北宋早期的差异，说明了随着时间推移，装饰的意图是如何从“描摹自然”转向“抒发心性”的。 3. 釉色中的哲学隐喻： 宋代对釉色的追求，已超越了色彩本身，而成为一种对自然物象的模仿与精神寄托。书中专门剖析了宋人如何从自然界汲取灵感：耀州窑的“青如天空之碧”、钧窑的“入窑一色，出窑万彩”的随机性，以及哥窑的“金丝铁线”开片。这些现象，无不映照出宋代“天人合一”的宇宙观，即对自然造化的尊重与顺应。 第三卷：宋代瓷器在东亚的辐射与影响（跨文化视角） 第三卷将视角投向宋代瓷器在外部世界的影响力，展现了宋瓷如何通过海上丝绸之路成为全球性的艺术符号。 1. 高丽（朝鲜半岛）的青瓷复刻与本土化： 韩国国立博物馆与地方遗址出土的高丽青瓷是研究宋瓷外传影响力的重要物证。本书系统比对了高丽青瓷在造型（如：仿制宋代花口盘、注子）和釉色（如：仿制哥窑开片）上对宋瓷的继承与创新。我们分析了高丽工匠如何巧妙地融入其本土的“象耳”、“菊瓣”等元素，形成了兼具宋代韵味与高丽风格的独特体系。 2. 景德镇的蜕变：从陪衬到主导： 本书将景德镇置于一个关键的转型期来考察。在北宋时期，景德镇（以湖田窑为代表）的青白瓷虽然卓越，但仍处于五大名窑体系的“学习者”地位。第三卷通过对水吉窑、景德镇窑址的对比，研究了元代以前，景德镇瓷器如何在胎土、釉料和装饰上不断尝试，最终奠定了其日后成为世界陶瓷中心的技术基础和市场声誉。 结语：对“雅”的永恒追问 《宋代瓷器工艺的演变与审美》的最终目的，是引导读者超越对“古董”的物质崇拜，而回归到宋代工匠与文人对于“完美器物”的终极思考。它不仅是陶瓷研究者的案头必备，更是所有热爱中国传统美学、追求生活意境的读者不可多得的宝贵财富。通过阅读此书，读者将能真正领会宋瓷何以成为中国艺术史上，那座无法逾越的审美丰碑。 本书的特色： 数据驱动： 引入大量的化学成分分析图表、断代测年数据和三维扫描对比图。 视野宏大： 结合考古学、社会学、艺术史学的多学科视角，力求解释“为什么是宋代”。 图版精良： 采用博物馆级的高清微距摄影，展现釉面细节与开片肌理，弥补传统文献的不足。

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这本书的价值，绝非仅仅停留在文字表面的信息传递上。它更像是一份沉甸甸的文化遗产的载体，承载着对“时间”和“手工精神”的敬意。在这样一个追求效率和快速迭代的时代，能够静下心来，去探究一种需要数月乃至数年才能完成的复杂工艺，本身就是一种修行。我读完后，内心深处涌起一股强烈的冲动，想要去亲手尝试，去感受那种刀锋与木板接触时的阻尼感，去体验色彩在叠加过程中产生的奇妙化学反应。这种被激发出的创造欲望，是许多浮光掠影的读物无法给予的。它不仅仅是知识的传授，更是对一种生活态度和艺术信仰的唤醒，让人重新审视自己与“创造”之间的关系。

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这本书的结构安排，简直堪称教科书级别的典范。它没有采用那种线性叙事的老套路，而是巧妙地运用了主题式的章节划分，使得每一部分都能独立成章，既能被单独品读，又能完美融入整体的宏大叙事之中。我特别欣赏作者在处理不同技术流派对比时所展现出的公正与深刻，他没有简单地褒贬优劣，而是深入剖析了每种技术在特定历史条件下的合理性与局限性。这种深度的比较分析，极大地拓宽了我的思路，让我认识到艺术发展的多元性和复杂性。读完后，合上书本，我仿佛进行了一次意犹未尽的精神漫步，那些精妙的构思和深邃的见解，已经深深地烙在了我的脑海里，时不时还会冒出来一些新的思考火花，这才是真正好书的标志——它能持续地在你的头脑中“发酵”。

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我是在一个慵懒的周日下午，偶然在一家旧书店的角落里发现了它。当时心头一动，那封面设计，那种低调的奢华感，立刻抓住了我的目光。拿到书的那一刻，我就知道我淘到宝了。它不像那些热门畅销书那样张扬，它更像是一位沉静的智者，静静地散发着只属于行家的光芒。阅读的过程，与其说是“看书”，不如说是一场与历史和技艺的深度对话。每一个章节的展开，都像是在揭开一层层古老的帷幕，那种抽丝剥茧的叙述方式，极其引人入胜。作者的文字功底毋庸置疑，遣词造句之间，充满了深厚的文化底蕴，但又绝不晦涩难懂，总能在恰到好处的地方点出精髓，让人拍案叫绝。这本书的知识密度非常高，但叙述的节奏把握得极好，让你在吸收大量信息的同时，还能保持一种愉悦的阅读心境，实属难得。

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说实话，我原本对这类“专业性”极强的书籍是抱有一丝畏惧的，担心自己缺乏相关背景知识而难以入门。然而，这本书完全打破了我的刻板印象。它并非那种故作高深的学术论文集，而更像是一位经验丰富的行家，耐心地牵着你的手，一步步走入他所钟爱的领域。讲解那些复杂的技法时，作者似乎总能找到最贴切的比喻，将抽象的概念具象化，使得即便是初学者也能大致领会其中的奥妙。更妙的是，书中穿插的那些历史典故和名人轶事，为原本可能枯燥的论述增添了鲜活的人情味。我尤其喜欢其中关于某一特定时期艺术流派演变的分析，那种宏观与微观结合的视角，让我对整个文化脉络有了更清晰的认识，绝非走马观花式的介绍。

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这本《绝版套色木刻》的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感细腻，触感温润，那种微微泛黄的色调仿佛带着岁月的痕迹，让人忍不住想捧在手心摩挲。内页的排版也十分考究，字里行间都透着一种匠心独运的考量，留白恰到好处，使得阅读体验极为舒适，即便是长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲惫。尤其是那些章节的过渡页，设计得极为别致，简约而不失韵味，与书的主题似乎有着某种隐秘的呼应。装订工艺也是一流的，平整而牢固，让人感觉这是一本可以珍藏一生的书。翻开书本，一股淡淡的墨香混合着纸张特有的陈旧气息扑面而来，瞬间将人拉入了一个沉静而美好的世界。这种对物理形态的极致追求，在如今这个数字阅读盛行的时代，显得尤为珍贵，让人由衷地感叹，有些艺术，是必须通过实体书才能完全体会其魅力的。

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