Easy Riders, Raging Bulls pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Bloomsbury Publishing PLC

作者:Peter Biskind

出品人:

页数:528 页

译者:

出版时间:2007-01-02

价格:81.3

装帧:Paperback

isbn号码:9780747590149

丛书系列:

图书标签:

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《逐日而行：燃情年代的美国电影反思》 引言 七十年代的美国，是一段充满动荡、变革与反思的时期。政治上的争议、社会思潮的涌动，如同暗流涌动般重塑着国家的肌理。而在这一时代背景下，美国的电影艺术也经历了一场前所未有的颠覆与新生。曾经由好莱坞老牌公司主导的、程式化的叙事与歌舞升平的画面，开始被一股更加大胆、更加个人化、也更加贴近现实的声音所取代。这股新生力量，以其挑战传统、拥抱复杂、探索人性深处的勇气，为美国电影注入了新的生命力，也彻底改变了其未来的走向。 《逐日而行：燃情年代的美国电影反思》并非对某个特定时期的流水账式记录，也不是对某几部电影的肤浅评论。本书旨在深入挖掘驱动那段时期电影革新浪潮的核心动力，解析那些富有远见和冒险精神的电影人如何挑战好莱坞的既有秩序，以及他们的作品如何在荧幕内外激荡起持久的回响。本书将引导读者穿越光影的迷雾，去感受那个充满激情与碰撞的时代，理解那些勇敢的探索者们是如何将个人意志与艺术追求相结合，最终在电影史上刻下浓墨重彩的一笔。 第一章：时代的脉搏——七十年代的社会裂痕与文化回响 任何艺术形式的勃发，都离不开其所处的时代土壤。七十年代的美国，社会结构正经历着剧烈的松动。越南战争的阴影笼罩在国家上空，它不仅引发了广泛的政治质疑，更在民众心中播下了对权威、对政府、对“美国梦”的怀疑种子。马丁·路德·金的遇刺、反战运动的持续高涨，以及民权运动的深入发展，都在挑战着长期以来被构建的社会秩序和价值体系。 与此同时，女性主义、环境保护主义、LGBTQ+权益运动等新兴的社会思潮开始涌现，它们挑战着传统的性别观念、家庭结构以及人与自然的关系。这些社会运动的兴起，意味着社会内部的多元化和复杂性日益凸显，人们开始更加关注个体经验、边缘群体以及被压抑的声音。 文化的层面，摇滚乐、嬉皮士文化、反主流文化等思潮的盛行，为年轻一代提供了新的思考方式和表达途径。它们鼓励质疑、拥抱自由、崇尚个性，并对既有的道德规范和生活方式提出了挑战。这种对传统的反叛和对自由的渴望，不可避免地渗透到电影艺术之中。观众不再满足于简单、美好的故事，他们渴望在银幕上看到更真实、更复杂、更能触及内心深处的情感和困境。 电影作为一种大众媒介，既是时代的反映，也是时代的塑造者。《逐日而行》将首先梳理这些宏观的社会、政治、文化背景，揭示它们如何为七十年代美国电影的变革提供了肥沃的土壤，催生了对传统叙事模式和价值观念的质疑。本书将着重探讨，当社会裂痕日益明显，当旧的秩序受到挑战，电影创作者如何捕捉到时代不安的脉搏，并将这种不安转化为对荧幕世界大胆的革新。 第二章：破晓之光——“新好莱坞”的崛起与独立精神的萌芽 在七十年代之前的漫长岁月里，好莱坞电影工业的运作模式相对成熟且稳定。大型电影公司拥有强大的制作、发行和宣传体系，它们往往倾向于拍摄能够迎合最大多数观众、风险较低的类型片。明星制度是其重要的支柱，而故事的创作则往往遵循着一套相对固定的模式，强调清晰的善恶对立、圆满的结局以及对主流价值观的肯定。 然而，随着电视的普及以及观众品味的多元化，好莱坞传统模式的吸引力开始下滑。一些年轻、有抱负的电影人，受到欧洲艺术电影的启发，以及对美国本土社会现实的深刻观察，开始寻求更加自由的创作空间。他们不满于电影公司对剧本和艺术表达的过多干涉，渴望能够讲述属于自己的故事，表达自己的观点。 “新好莱坞”并非一个明确的组织或运动，而是一种集体性的精神和创作取向的转变。它标志着一批年轻导演和编剧的崛起，他们之中不乏日后成为影史巨匠的人物。这些人往往接受过良好的电影教育，或者在独立电影领域崭露头角，他们带着对电影艺术的深刻理解和强烈的个人风格，开始挑战好莱坞的创作藩篱。 本书将深入探讨“新好莱坞”崛起的具体表现，例如电影制作过程中导演权力的提升、对独立制片公司的兴起及其作用的分析、以及那些敢于冒险的制片人和发行商如何为这些新锐电影人提供机会。我们将关注这些电影人是如何在既有的工业体系中，寻找并创造出属于自己的生存空间，以及他们所代表的独立精神，是如何为美国电影注入新的活力与可能性。 第三章：打破藩篱——挑战传统类型与叙事的革新 七十年代美国电影最显著的特征之一，就是对传统类型片和叙事结构的颠覆与重塑。告别了简单的二元对立，电影开始呈现出更加复杂、模糊和充满灰色地带的人物与情节。 对类型片的解构与重构： 无论是警匪片、西部片、歌舞片还是爱情片，在七十年代的镜头下都焕发出了新的生命力。经典的西部片英雄形象被赋予了更多人性的弱点和道德的困境；原本光鲜亮丽的歌舞片中，开始流露出对现实生活压力和个人理想幻灭的无奈；警匪片不再是简单的正邪较量，而是深入探讨了腐败、体制的黑暗以及人性的扭曲。本书将通过具体的影片案例，剖析这些电影是如何解构以往的类型套路，并在此基础上创造出更具深度和现实感的表达。 叙事的模糊化与非线性： 传统的线性叙事结构被打破，非线性叙事、闪回、多视角叙事等手法被广泛运用，以更贴近现实生活碎片化、不确定性的体验。角色的动机和行为不再是简单易懂，而是充满了内在的矛盾和难以言说的挣扎。道德观也变得更加模糊，英雄不再是完美无瑕，反派也不再是纯粹的邪恶。这种叙事上的大胆尝试，迫使观众主动参与到电影的解读过程中，去思考、去判断、去感受。 对社会现实的直面与批判： 七十年代的电影不再回避社会问题，而是选择直面它们。战争的残酷、种族歧视的现实、贫富差距的扩大、城市犯罪的蔓延、以及个人在社会机器中的迷失，都成为了电影创作的素材。这些影片往往带有强烈的批判色彩，它们敢于揭露社会阴暗面，引发观众对现实问题的思考和讨论。本书将重点分析这些影片如何将社会现实议题融入叙事，以及它们所带来的批判力量。 第四章：人性深渊的探索——复杂角色与边缘群体的审视 七十年代的美国电影，在人物塑造上展现出了前所未有的复杂性和深度。电影不再满足于脸谱化的英雄和恶棍，而是深入挖掘角色的内心世界，展现他们内心的矛盾、挣扎与成长，抑或是沉沦。 “反英雄”的崛起： 银幕上出现了大量具有缺陷、道德模糊，甚至是被社会边缘化的“反英雄”形象。他们可能不再是传统意义上的正面人物，但他们的经历和困境却更能引起观众的共鸣。这些角色往往在夹缝中求生存，在道德的十字路口徘徊，他们的选择和命运，折射出那个时代普通人在社会变迁中的迷茫与挣扎。本书将剖析这些“反英雄”形象的形成及其对观众心理的影响。 边缘群体的声音： 随着社会思潮的多元化，电影开始将目光投向那些长期被主流忽视的边缘群体。性少数群体、精神疾病患者、社会底层人物、移民等，他们的生活、情感和遭遇，开始在银幕上得到展现。这些影片勇敢地挑战了社会的偏见和歧视，为边缘群体发声，拓宽了电影叙事的广度与深度。本书将探讨这些影片如何通过对边缘群体的刻画，来反思和挑战社会固有的价值观念。 心理现实主义的描绘： 影片不再仅仅关注外部事件的推进，而是更加注重角色的内心活动和心理变化。对人物心理状态的细腻描绘，使得角色的行为更加具有说服力，也让观众能够更深层次地理解他们的动机和情感。这种对心理现实主义的追求，使得七十年代的电影具有了更强的感染力和艺术价值。 第五章：艺术与商业的博弈——创新与妥协的艺术 “新好莱坞”的崛起，并非意味着电影工业的彻底颠覆。在追求艺术创新的同时，电影人仍然需要在商业市场上找到生存之道。七十年代的电影史，也是一部关于艺术追求与商业现实之间不断博弈与妥协的历史。 冒险的投资与成功的突围： 一些电影公司和制片人，敢于为那些非传统、具有实验性的影片提供投资。这些影片的成功，往往能够证明大胆创新所带来的商业回报。本书将探讨那些敢于冒险的投资案例，以及它们如何打破了原有的市场格局。 独立制作的崛起与影响： 独立制片人成为了推动电影创新的重要力量。他们不受传统大公司的束缚，能够更自由地进行创作。这些独立电影的成功，也反过来给好莱坞带来了压力，迫使其进行改革。本书将分析独立电影在七十年代的地位及其对主流电影产业的影响。 导演中心的时代： 在这个时期，导演的个人风格和艺术理念得到了前所未有的重视。一些导演成为了影片的灵魂人物，他们的名字本身就成为了吸引观众的招牌。这种“导演中心制”的兴起，使得电影的艺术性和原创性得到了更好的保障。 第六章：时代的回响——七十年代电影的持久遗产 七十年代美国电影的革新，并非昙花一现。它们所奠定的基础和所开创的可能性，对后来的电影发展产生了深远的影响。 对后来电影人的启示： 那些敢于挑战传统的电影人，为后来的年轻一代电影人树立了榜样。他们证明了，只要有足够的勇气和才华，就可以在电影艺术领域有所作为。 电影语言的拓展： 叙事结构、类型融合、人物塑造等方面的创新，极大地拓展了电影的艺术语言。这些探索至今仍在被后来的电影人借鉴和发展。 社会议题的持续关注： 七十年代电影对社会现实的关注，也培养了观众对电影承担社会责任的期待。许多现代电影仍然在延续这种精神，通过影像来反映和探讨当下的社会问题。 结语 《逐日而行：燃情年代的美国电影反思》旨在带领读者穿越时空的界限，去重新审视那段充满激情与变革的电影岁月。本书并非仅仅梳理那些耀眼的成就，而是更希望去理解那些驱动这一切变革的内在力量——时代精神、创新勇气、以及对电影艺术永无止境的探索。通过对那个燃情年代的深度回溯，我们不仅能更好地理解美国电影的历史进程，更能从中汲取灵感，思考艺术与时代、个体与群体、创新与传承之间的深刻联系。这不仅是一次对电影史的回顾，更是一次对人类创造力与时代精神的致敬。

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这部作品简直就是一剂猛药，直击好莱坞黄金时代的幕后要害。它没有那种老生常谈的励志鸡汤，反而像一把锋利的手术刀，精准地剖开了七十年代那批才华横溢却又桀骜不驯的导演们的内心世界。我读的时候，感觉自己像个偷窥者，窥视着那些在片场上呼风唤雨、在生活中放浪形骸的“电影王子”们。他们拍出的那些开创性的电影，从《教父》到《出租车司机》，那种原始的、未被驯服的艺术冲动，在这本书里被描绘得淋漓尽致。作者的笔触冷峻而犀利，他没有美化他们的疯狂，但却让你不得不承认，正是那份近乎自毁的激情，才催生了那些定义了一个时代的电影杰作。读完后，你对“电影人”这个词的理解会被彻底颠覆，它不再是西装革履的制片人，而是那些在酒精、毒品和无尽的自我怀疑中挣扎的天才。整本书的节奏感极强，仿佛有一部无形的、充满张力的电影在你眼前播放，那种混乱、迷人和最终的失控，让人欲罢不能。

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读完后我的感受是复杂而矛盾的，一方面是对那个时代涌现出的创作活力的无限崇敬，另一方面是对那些人才最终走向自我毁灭的深深惋惜。这本书的独特之处在于，它没有进行道德审判，而是采取了一种近乎客观的记录姿态，将那些狂妄、天才、脆弱和偏执的特质并置于光天化日之下。我尤其对作者描绘的那些幕后交易和权力斗争感到震撼，这远比电影情节本身更具戏剧性。它揭示了一个残酷的事实：在光鲜亮丽的电影工业背后，是人性的挣扎、预算的紧绷以及永无休止的妥协。对于任何一个想要了解电影工业的运作机制，或者对探讨“天才与疯狂”之间模糊界限感兴趣的人来说，这本书都是一个不可多得的深度文本。它强迫你直面真相，即使真相是肮脏、混乱且充满魅力的。

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这本书的叙事方式简直是教科书级别的精彩，它不是按部就班地讲述历史，而是通过一系列碎片化、但又相互关联的轶事和深度访谈，构建出一个极其复杂且多维度的权力与艺术博弈的生态图景。我特别欣赏作者如何捕捉到那个时代特有的那种“我们是局外人，但我们要改变游戏规则”的叛逆精神。书中对某些标志性电影的幕后故事挖掘得非常深入，让你在回顾那些经典片段时，脑海中浮现的不再是银幕上的完美呈现，而是镜头后那些充满火药味的争吵、临时的天才之举，以及制片厂老板们焦虑不安的踱步。它探讨了艺术的纯粹性如何与商业的冷酷现实不断碰撞、妥协，乃至最终被吞噬的过程，那种宿命感是如此强烈，让人读后心头一紧。这种对结构性变化的洞察力，远超一般的人物传记，它更像是一部关于美国文化转折点的社会学观察报告，只是载体是好莱坞的“坏小子”们。

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这本书的叙事像一条奔腾的河流，时而湍急猛烈，时而暗流涌动，将读者裹挟其中，身不由己地体验着七十年代末期到八十年代初好莱坞的剧变。我注意到作者在引用口述历史时，保持了一种令人信服的平衡感，他没有过度依赖某一个声音，而是通过交叉验证，勾勒出了一个更加清晰、但也更加令人不安的行业全景图。那些关于预算超支、临时换角、导演与制片人之间针锋相对的场景，写得犹如精彩的法庭辩论，充满了紧张感。它不仅仅是关于电影制作，更是关于美国社会在面对文化冲击和新一代价值观冲击时，其权力核心如何做出反应。读这本书的过程，就像是进行了一次深入的考古发掘，你挖出的不仅仅是旧胶片和老故事，更是对一种时代精神——那种敢于打破一切却又必然被规则反噬的时代精神——的深刻理解。

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与其说这是一本关于电影制作的书，不如说它是一部关于“过度”的哲学探讨。书里的人物，无论是导演还是制片人，无一不是将自己的生命力和创造力推向了极限，甚至超越了安全线。他们的生活方式——那种无节制的享乐主义，仿佛是在用生命来加速创作的进程。我仿佛能闻到空气中弥漫着的香烟味和陈旧威士忌的气息。作者的文字功力非凡，他能用极其简洁的语言勾勒出复杂的人性弱点，比如那种一旦成名便难以自控的傲慢，以及对外界批评的极度敏感。更令人着迷的是，这种野蛮生长最终是如何被体制所驯服，那些曾经挑战一切的“牛仔”们，是如何一步步被纳入好莱坞的既有轨道，成为了他们曾经鄙视的对象。这种转变的细腻描摹，充满了悲剧色彩，让人不禁思考，艺术的自由边界究竟在哪里，以及这种边界一旦被突破后，代价究竟有多沉重。

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作者写八卦真是身临其境，就像是隔墙偷听一样，看起来当好玩儿。

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Once upon a time in Hollywood

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作者写八卦真是身临其境，就像是隔墙偷听一样，看起来当好玩儿。

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