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页数:68

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出版时间:2008-5

价格:35.00元

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isbn号码:9787530536445

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翰墨丹青：中国传统水墨技法精讲 本书简介 本书《翰墨丹青：中国传统水墨技法精讲》并非一本教授现代装饰画技法的教程，而是深入探究中国传统水墨艺术的精髓与实践的一部专业指南。全书以严谨的学术态度和细腻的笔触，系统梳理了中国水墨画自魏晋以来的发展脉络，并聚焦于其核心技法、哲学思想及创作实践，旨在为读者构建一座通往传统水墨殿堂的坚实桥梁。 第一部分：水墨的哲学基石与文人精神 本部分首先探讨了中国水墨画区别于其他画种的独特哲学基础——“气韵生动”与“写意”精神。我们详细阐述了道家“虚实相生”的思想如何体现在水墨的留白之中，以及儒家“中正平和”的审美情趣如何影响了线条的骨力与结构。 “气韵生动”的解析： 深入分析了谢赫“六法”中首要原则的内涵，不仅停留在表面技法的模仿，更强调了对生命本质和宇宙精神的捕捉。书中通过对古代名家（如顾恺之、陆机）论述的引用，构建了理解气韵的理论框架。 文人画的兴起与精神内核： 考察了自唐代王维“水墨为上”的提出，至元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、赵孟頫）将水墨推向高峰的历史进程。重点解析了文人画家如何通过笔墨表达个人修养、胸襟与对时局的隐喻，而非仅仅满足于再现物象。书中详述了“梅兰竹菊”四君子所承载的象征意义及其在水墨中的具体表现手法。 第二部分：基础笔墨技法的精微训练 本卷是全书实践指导的核心，详尽分解了传统水墨创作的每一个基础环节，要求学习者从最基础的运笔、墨法入手，逐步建立起扎实的功底。 执笔与运腕的奥秘： 提供了详尽的图解和练习范例，区分了“执笔”对线条质感（如中锋、侧锋、偏锋）的影响，并指导读者如何通过腕部的提按顿挫，控制毛笔的“润、干、枯、湿”变化，实现线条的“骨力”。 墨分的层次与渲染： 彻底剖析了“墨分五色”的实践原理。书中详细介绍了如何调配墨汁以获得焦、浓、重、淡、清五种层次，并针对不同题材（如山石的皴法、树木的染法）设计了专项练习。特别讲解了“破墨法”和“积墨法”在表现复杂结构时的运用技巧。 皴法体系的系统梳理： 摒弃简单的罗列，而是将中国山水画中的主要皴法（披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等）按照其适用的山石形态和所表达的时代风貌进行归类。每一种皴法都配有由浅入深的步骤图示，强调“笔中有皴，皴中有笔”的境界。 第三部分：传统题材的范式与深入 本部分转向具体题材的创作实践，引导读者在掌握基础技法后，如何将之融入对自然万物的观察与表达之中。 山水画的“理”与“法”： 以宋代范宽、郭熙为典范，讲解了传统山水画的构图原则，如“三远法”（高远、深远、平远）在二维平面上营造三维空间感的技巧。书中重点分析了如何运用水墨的浓淡来区分远近、主次，突出画面的层次感和空间深度。 花鸟画的写生与写意结合： 针对花鸟一科，重点区分了“工笔重彩”与“水墨写意”的差异。在水墨写意部分，详细拆解了写竹、写兰、写梅的“一笔画”的要领，强调如何在极简的笔墨中体现出植物的生命力和精神气质，如竹子的“节”与“气”。 人物画的“传神”： 探讨了传统人物画中对人物神态和衣纹的捕捉。重点讲解了“吴带当风”的衣纹处理技法，以及如何通过面部的简单勾勒（如“三停五眼”）来传达人物的内心世界，体现中国画对“神似”的追求。 第四部分：装裱、题跋与作品完善 成功的传统水墨作品，其完成不仅仅是墨汁干涸之时。本部分强调了装裱和题跋在提升作品整体艺术价值中的重要作用。 装裱的艺术： 简要介绍了传统书画装裱的形制（立轴、手卷、册页）及其对作品观赏性的影响，帮助创作者理解如何选择合适的装裱方式来衬托画作意境。 题跋的书法与意境： 强调题跋文字不仅是信息补充，更是画面意境的延伸和升华。指导读者如何根据作品内容选择合适的字体（行、草、楷）和落款位置，使题跋与画面形成完美的视觉平衡。 结语：跨越时空的对话 本书最终期望达成的目标是：让读者理解，中国传统水墨画是一门融合了哲学思考、审美修养和精湛技艺的综合艺术。它所追求的不是对客观世界的精确复制，而是通过“笔墨有限”的载体，表达“宇宙无限”的生命体验。本书提供的所有技法和理论，均致力于引导读者与千年前的艺术巨匠进行跨越时空的对话。

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拿到这本《装饰画教程》后，我最深刻的印象是它对“装饰”一词的理解出现了严重的偏差。我以为它会介绍如何利用现有材料进行创意拼贴，或者教授一些适合挂在卧室的温馨风格画法。然而，这本书的内容似乎更专注于研究如何制作博物馆级别的“永久性”艺术品，对于任何稍显“易逝”或“可替代”的材料都持有一种不屑一顾的态度。其中有一章专门用极大的篇幅讲解了如何用纯金箔进行手工镶嵌，从金箔的捶打厚度到特定的粘贴溶剂，详细到令人发指的地步，这对于只想在宜家买的相框里放一张自己画的画的人来说，简直是天方夜谭。更令人哭笑不得的是，它对“装饰”的定义似乎局限于古典主义的范畴，对于现代的波普艺术、极简主义或者任何当代家居风格，只字未提。读完这本书，我不仅没学会如何装饰我的家，反而对自己的家居品味产生了深深的怀疑，仿佛我是一个对艺术品味低俗的俗人，不配拥有这本“圣典”。

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这本书的“教程”部分简直是让人摸不着头脑，仿佛作者在用一种完全不同于我们日常理解的方式来组织信息。我期待的步骤是“第一步：打底色；第二步：画轮廓”，但这本书里给的指引却是：“当你的内心与画布建立起超越性的对话时，你便进入了色彩的初始混沌状态，此时，让你的直觉引领你的笔触穿越时间的维度。”这算是什么指导？当我翻到关于“如何处理透视关系”的一章时，我以为终于有干货了，结果它花了整整七页纸，详细描述了一种利用古代星象学来确定黄金分割点的复杂方法，完全没有提及传统的几何透视法。我尝试按照书上的描述去操作，结果画出来的东西看起来像是从一个扭曲的虫洞里挤出来的平面图形，完全失去了立体感。这本书的逻辑结构似乎是颠倒的，它先假设你已经达到了艺术家的境界，然后才开始“解释”你为什么会这么做。对于想要通过阅读来提升技能的人来说，这完全是一本反向操作指南，让人完全不知道该从哪里下手。

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这本书的阅读体验，怎么说呢，简直是一场充满哲学思辨的马拉松。我原本以为会看到清晰的步骤图、直观的色彩搭配建议，或者是至少针对不同材质（比如木板、布面、玻璃）的作画技巧分析。然而，这本书的每一页都充满了晦涩难懂的理论阐述，作者似乎对“形式的本质”和“视觉语言的解构”有着非同寻常的执念。比如，在讲解“基础线条的构成”时，它没有展示如何握笔，反而引用了大量的后现代主义艺术家的论述，探讨线条在打破空间界限中的作用，读起来感觉像是在啃一本翻译腔极重的哲学译本。我试图找一个关于如何调出某种特定蓝色的章节，结果发现它用了一大段话来讨论“蓝色在人类潜意识中引发的集体无意识反应”。拜托，我只是想画出那种天空的颜色，而不是进行一场深度的心理分析！这本书更像是为那些已经功成名就的艺术家准备的理论补充材料，而不是为我这种零基础、只想美化客厅的“门外汉”准备的入门手册。读完后，我感觉自己的智商被拉低了，因为我根本理解不了那些“深刻”的论述。

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天哪，我刚刚一口气读完了这本号称“通俗易懂”的《装饰画教程》，结果简直是哭笑不得。本来我对给家里添点艺术气息抱有极大的热情，想着买来就能跟着教程一步步画出惊艳四座的作品，结果发现，这本书的内容简直像是从一本完全不相关的领域硬凑出来的拼盘。里面花了大量的篇幅，详尽地介绍了如何选择和保养昂贵的油画颜料，仿佛我家里有个小型艺术品仓库需要专业的环境控制。接着，它花了整整三章的篇幅，极其细致地讲解了文艺复兴时期意大利壁画的颜料配方和历史演变，从矿物采集到植物提取，恨不得把中世纪的化学实验室搬到书里。我需要的只是如何用丙烯在小卡纸上画一朵简单的向日葵啊！读完这本书，我不仅没学会画画，反而对欧洲古代材料学有了一点基础的了解，这方向是不是有点跑偏了？如果我期待的是一本关于如何在家轻松装饰墙面的实用指南，这本书绝对能让人大失所望，它更像是一本“艺术史与材料化学导论”，而且还是针对专业人士的。我感觉我买的不是教程，而是一本沉甸甸的学术参考书，用来垫桌脚可能还比较合适。

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这本书的排版和插图设计，简直是视觉上的灾难，完全配不上它高高在上的理论深度。我花了大价钱买来，希望能看到清晰、高质量的范例图，用来对比自己画的不足之处。结果呢？书里的图片模糊不清，很多示范图仿佛是用八十年代的低分辨率打印机印出来的，色彩失真严重，根本看不出作者想要表达的微妙的阴影和光泽。更别提那些关键步骤的图解了，有些图例的比例严重失调，让我怀疑作者是不是根本没亲自实践过他写下的内容。在讲解如何使用喷枪进行空气感上色时，配图上只出现了一个模糊的色块，没有任何操作角度或距离的指示，完全依赖读者自行脑补。对比它文字中对“精确性”的不断强调，这种低劣的视觉呈现形成了强烈的反差。我宁愿它少写几页关于尼采哲学的引用，多花点篇幅和成本去印制几张清晰的、能用的步骤图。这本书在实用性和可读性上，绝对是零分。

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