具体描述
The perfect follow-up to "CBGB & OMFUG", "No Wave" chronicles the 'post-punk' music scene from 1976-1981. An extension of punk rock and new wave and the avant garde art movement of the '70s and '80s, the "No Wave" scene consisted of such stars as Debbie Harry, The Talking Heads, Sonic Youth, Iggy Pop, Brian Eno of Roxy Music, John Cale of Velvet Underground, Jean-Michel Basquiat, Richard Prince and William Burroughs, as well as many important but less famous artists such as Lydia Lunch, Rhys Chatam, DNA, Teenage Jesus, James Chance and Glenn Branca.Many black and white photos and substantial text in the form of 'oral history' from numerous musicians and artists compiled by revered musician Thurston Moore of legendary band Sonic Youth and music writer Byron Coley. The book will also include a CD compiled by Thurston Moore and Byron Coley.
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读后感
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用户评价
这本书的封面设计极其简洁，黑白为主调，那种硬朗的线条感和毫不妥协的留白，一下子就抓住了我的眼球。我本来以为这会是一本关于某种新兴艺术流派的严肃学术著作，毕竟名字听起来就带着一股先锋和反叛的气息。然而，翻开第一页，我发现我完全错了。它更像是一本精心编排的，带有强烈个人色彩的“回忆录”或者说“观察日记”。作者的叙事节奏非常跳跃，没有传统意义上的线性叙事，更像是将一些零碎的片段、突然闪现的灵感，或者是一次深夜的漫步所见，用一种近乎诗歌散文的方式堆砌在一起。我尤其喜欢他对城市角落里那些被忽视的细节的捕捉，比如老旧的混凝土墙壁上苔藓的纹理，或者是在某个地下通道里回荡的奇怪噪音。这些描述细腻到让人仿佛能闻到那种潮湿和尘土混合的气味。我一直在努力寻找一个明确的主题或者核心论点，但这本书似乎拒绝被轻易定义。它更像是在邀请读者进入一个特定的“场域”，一个充斥着疏离感和某种内在张力的空间。读完第一部分后，我感觉自己的呼吸都变得有些急促，像是在进行一场高强度的智力马拉松，迫不及待想知道接下来这个意识流会把我带向何方，但同时又隐隐担忧，这种过于主观的表达是否会最终导向一种晦涩难懂的死胡同。这种期待与不安并存的感觉，让阅读体验变得异常丰富。
评分这本书最让人摸不着头脑的地方，在于它对“叙事声音”的处理。通篇读下来，我很难确定“谁”在说话。叙事声音在第一人称的主观体验、冷静的第三人称观察者，以及一段段突兀插入的、像是从历史档案中截取的文本之间频繁切换。这种声音的叠合和冲突，制造出一种强烈的疏离感和不确定性。你永远不知道下一秒出现的是作者的真实想法，还是他精心构建的一个角色面具。例如，在描述某个事件时，前一秒还是无比私密的内心独白，后一秒立刻转变为一种冰冷、学术化的分类标签。这种手法，使得读者难以建立起传统意义上的情感共鸣或信任感。我们被邀请进入一个迷宫，但每条路径都可能通向另一个不同的讲述者。我甚至开始怀疑，作者是不是故意在玩弄读者的期望，试图拆解掉“作者权威性”这一概念。这种阅读体验是极其消耗精力的，它要求读者放弃对确定性的渴望，学会在模糊和矛盾中寻找自己的立足点。读完之后，我更像是经历了一场复杂的集体梦境，醒来后依然无法分辨哪些是真实的碎片，哪些是潜意识的投射。
评分我必须承认，这本书的排版和设计本身就构成了阅读体验的一部分。书页的纸张选择了一种偏粗糙的、哑光的材质，触感上带着一种复古的、近乎粗粝的感觉，这与书名所暗示的某种“去中心化”美学非常契合。内页的留白处理得相当大胆，有时一页上只有寥寥数行文字，而另一页则可能是一整版的、没有标题的引文或者是一张模糊的黑白照片的复制品。这种视觉上的不平衡感，强化了文本中那种不稳定的、随时可能瓦解的氛围。我一直在思考，这种对视觉体验的强调，是否意味着作者认为文字本身已经无法完全承载他想要表达的内容，而需要借助物理形态的力量？书中有些章节，作者似乎刻意模仿了某种早期的印刷品或者手稿的质感，字体大小和行距都显得有些怪异，这需要我不断调整阅读角度。说实话，这种强烈的“反舒适”设计，在初次接触时让我感到些许抗拒，但随着阅读深入，我开始体会到这背后的一种坚持——一种拒绝迎合现代读者碎片化阅读习惯的坚决立场。这不仅仅是一本书，它更像是一个精心搭建的“装置艺术”，要求读者以一种近乎朝圣般的方式去对待它的物理形态。
评分如果用一个词来概括这本书给我的整体感受，那可能是“拒绝被驯服”。它拒绝被归类，拒绝被简化，更拒绝提供一个清晰的“出口”。它不像是一部小说，也没有明确的理论框架，更像是一堆被高压处理后凝结在一起的哲学残渣和感官数据。我尝试在其中寻找一些传统意义上的“美感”——和谐的节奏、圆满的结局、清晰的道德指向——但这些元素在这本书里几乎是缺失的。它所呈现的是一种内在的、近乎病态的秩序感，一种对现有文化规范的持续性抵抗。这导致我阅读它的过程，与其说是享受，不如说是对自身阅读习惯的一种挑战和重塑。它迫使我重新审视自己对“好书”的定义。这本书不会让你感到放松或愉悦，相反，它可能会带来一种持续的认知不适，像是一根细小的刺扎在思维的某个不显眼的位置，让你无法完全忽视它的存在。这种不适感，也许才是作者最想留给读者的、最持久的印记。它像是一个沉默的、极具侵略性的宣言，宣告着某些既有边界的无效性。
评分这本书的文字功力简直令人惊叹，它的语言密度非常高，每一个句子都像是经过了千锤百炼的雕琢。我时常需要停下来，反复咀嚼某个词语的选择和句子结构的设计。例如，作者在描述一次失败的展览经历时，没有使用常见的“沮丧”、“失望”这类词汇，而是用了一连串关于“光线折射”、“结构崩塌”以及“无声的震动”的意象来构建情绪。这让我意识到，作者试图绕开所有陈词滥调，用一种更接近感官冲击的方式来传达情感。但正因为如此，阅读过程变得非常吃力，就像是在攀登一座陡峭的山峰，需要极高的专注力来跟上作者的思维跳跃。我感觉自己像是在进行一场翻译工作，试图将那些高度浓缩的意象还原成清晰的情感意义。更让我感到困惑的是，书中穿插了大量的技术术语或者一些看似毫无关联的哲学引用，它们之间并没有明确的逻辑连接，更像是作者大脑中不同知识模块的随机碰撞。这使得全书的脉络显得异常松散，偶尔会让人产生一种“这是在炫技”的错觉。不过，当我放下书本，站在窗前看着外面匆忙的人群时，那些被作者捕捉到的细微的“不和谐音”似乎又重新在我的脑海中响起，让我对日常的感知产生了一丝微妙的偏移。
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