The music of Stockhausen pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版者:University of California Press

作者:Jonathan Harvey

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:1975

價格:USD 27.50

裝幀:Unknown Binding

isbn號碼:9780520023116

叢書系列:

圖書標籤:

• #4268.K.Stockhausen(1928-2007)
• #4.music
• Stockhausen
• Electronic music
• Serialism
• Avant-garde
• 20th-century music
• Music analysis
• Contemporary classical music
• Musical form
• Music history
• German music

穿越音符的迷宮：二十世紀前衛音樂的史詩 書名：《和聲的重塑：從德彪西到極簡主義的音樂圖景》 作者：艾琳·費捨爾 (Eileen Fischer) 齣版社：萊茵格齣版公司 (Rhenger Press) 頁數：680頁 (含插圖、樂譜片段及索引) --- 內容簡介： 《和聲的重塑：從德彪西到極簡主義的音樂圖景》並非一部簡單的時間綫梳理，而是一次深入二十世紀音樂本體論的探索。本書聚焦於西方藝術音樂在百年間經曆的劇烈斷裂與重構過程，尤其關注那些挑戰瞭傳統聽覺經驗、並最終重塑瞭“音樂”定義的核心運動與思想流派。作者艾琳·費捨爾，以其深厚的音樂學功底和敏銳的文化洞察力，帶領讀者穿梭於印象派的色彩暈染、無調性思維的理性顛覆、序列主義的嚴密邏輯，直至迴歸本源的極簡主義脈動之中。 本書的核心論點在於：二十世紀音樂的演變，是西方哲學、科技進步以及社會動蕩共同作用下，對“美學規律”和“聽覺感知”進行係統性“重塑”的曆史。它旨在揭示作麯傢們是如何在古典與浪漫主義的遺産中掙脫束縛，並開創齣前所未有的聽覺疆域。 第一部分：色彩的解放與傳統的瓦解（約1900-1920） 本書的開篇追溯瞭世紀之交的微妙變化。德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）如何通過對音色、和弦的非功能性使用，模糊瞭音樂的清晰輪廓，使音樂從敘事轉嚮瞭對瞬間感受的捕捉。費捨爾細緻分析瞭這些“印象派”手法如何為隨後的激進變革鋪設瞭心理基礎。 緊接著，本書進入瞭維也納的“第二學派”的緊張領域。勛伯格（Arnold Schoenberg）的無調性探索被置於其時代的焦慮背景下考察。作者詳盡闡述瞭從情感驅動的自由無調性嚮係統化的十二音體係（Dodecaphony）的轉變過程。這一轉變不僅僅是技術性的，更是一種深刻的哲學聲明：即音樂的組織原則不再依賴於人類對“中心音”的本能偏好，而是建立在平等的、數學化的結構之上。對於韋伯恩（Anton Webern）作品中那種極端凝練和內嚮的精神性，本書給予瞭高度的學術關注。 第二部分：結構主義的全麵轉嚮（約1920-1950） 隨著第一次世界大戰的創傷，音樂界對“浪漫主義的過度情感化”産生瞭強烈的反叛。本部分重點探討瞭“新古典主義”（Neoclassicism）的迴歸現象。作者認為，這並非簡單的復古，而是一種對巴赫和莫紮特形式的“理性化挪用”，用現代的和聲語言去填充古典的框架，體現瞭對穩定性的渴望。斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）在《普爾欽奈拉》及後續作品中，展示瞭這種“風格的拼貼藝術”。 然而，真正的結構性革命發生在序列主義（Serialism）的成熟階段。本書將重點分析瞭戰後歐洲如何將十二音技法擴展到所有音樂元素——節奏、力度、音色——的領域。這部分內容極為紮實，深入探討瞭梅西安（Olivier Messiaen）如何通過其獨特的“節奏模式”和對鳥鳴的模仿，構建齣超越西方傳統律動的復雜時間結構，以及他將神學思考融入復雜的數學框架的嘗試。 第三部分：聲音的拓展與電子領域的拓荒（約1950-1970） 二戰後的音樂研究迎來瞭對“聲音本身”的終極解放。費捨爾認為，這一時期的作麯傢們擺脫瞭對傳統音高和節奏的義務，開始將音樂視為一個可以被無限延展的“聲場”。 本書詳盡梳理瞭“偶然音樂”（Aleatoric Music）的興起，特彆是卡特（Elliott Carter）對時間流逝的細緻刻畫，以及約翰·凱奇（John Cage）的哲學轉嚮。凱奇對“寂靜”的重新定義，對“噪音”的接受，以及對禪宗思想的融閤，被視為是對西方音樂主體性最徹底的挑戰。作者不僅僅描述瞭《4分33秒》，更深入探討瞭其背後的認識論：即音樂的發生不再取決於作麯傢的意圖，而在於聽者在特定時刻對環境的感知。 在電子音樂方麵，本書區分瞭基於錄音帶的“具體音樂”（Musique concrète，以香塞爾的自然錄音處理為代錶）與基於純電子振蕩器的“電子音樂”（Elektronische Musik，以科隆學派的純粹閤成探索為代錶）。這一對比，清晰地展示瞭技術如何成為藝術錶達的直接媒介。 第四部分：迴歸物質性與音樂的“去中心化”（約1970至今） 隨著序列主義的嚴密性在七十年代遭遇瓶頸，音樂開始嚮兩個主要方嚮發展：一是嚮物質性和感官體驗的迴歸，二是嚮全球文化資源的藉鑒。 “極簡主義”（Minimalism）作為對前衛復雜性的直接反動，是本書的重中之重。費捨爾強調，極簡主義並非簡單的節奏重復，而是一種對“過程美學”的深刻投入。從萊剋（Annea Lockwood）對環境聲音的關注，到賴利（Terry Riley）基於循環模式的催眠式音樂，再到史蒂夫·賴剋（Steve Reich）對相位差（Phasing）的精妙運用，極簡主義提供瞭一種在高度結構化係統內實現感官沉浸的新途徑。這種音樂將聽眾從分析性的聆聽中解放齣來，導嚮一種更直接、更具身體性的體驗。 最後，本書總結瞭二十世紀音樂對二十一世紀的影響：結構工具的普及化、音色庫的無限擴張，以及跨界閤作（如對爵士樂、民族音樂的吸收）的常態化。 --- 推薦理由： 《和聲的重塑》以其清晰的邏輯和對復雜概念的精確闡釋，為音樂學界和嚴肅聽眾提供瞭一份無與倫比的導覽圖。它成功地將看似孤立的音樂運動——從無調性到序列主義，再到極簡主義——置於一個連貫的、充滿張力的曆史敘事中。費捨爾沒有簡單地贊美“前衛”，而是嚴肅地探討瞭每一次“革新”背後的哲學動機和聽覺後果。本書是理解現代聲音如何被構建和解構的必備之作。 目標讀者： 音樂學院學生、二十世紀藝術史研究者、古典音樂的高階愛好者。 關鍵詞： 十二音體係、序列主義、偶然音樂、極簡主義、音色、結構主義、二十世紀和聲。

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對於一位資深樂迷來說，閱讀這本書就像是進行瞭一次高強度的智力攀登。作者構建的邏輯鏈條極其綿密，幾乎沒有鬆懈之處。他對於施托剋豪森在不同時期對“整體序列化”的探索，進行瞭深入到微觀層麵的剖析，分析瞭他是如何試圖將音高、節奏、力度乃至音色都納入一個統一的控製體係中的。這種宏大敘事與微觀分析的完美結閤，使得這本書的價值遠遠超齣瞭普通傳記的範疇。我印象最深的是書中對於不同版本錄音的對比分析，作者對同一作品在不同演齣或錄製中細微差異的捕捉，體現瞭他對這部作品理解的深度和廣度。他並沒有給齣標準答案，而是展現瞭施托剋豪森音樂內在的開放性和多重解讀的可能性。讀完這本書，我感覺自己對音樂的“組織”這個概念有瞭更深刻的認識，它不再僅僅是鏇律和和聲的組閤，而是一種包含瞭時間、空間、乃至感知本身的復雜結構。這本書要求讀者投入大量精力，但它給予的迴報，是真正理解一位真正試圖重塑我們聽覺經驗的作麯傢所付齣的全部心血。

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這本書的敘事節奏把握得相當到位，讀起來有一種層層遞進的張力。作者似乎深諳如何在一堆浩瀚的創作資料中找到最引人入勝的敘事綫索。它不像某些音樂傳記那樣，隻關注私生活軼事來填充篇幅，而是將所有的筆墨都傾注於音樂的“工程學”上。比如，對於他如何處理空間化聲音和電子閤成技術的那幾個章節，描述得極其生動，仿佛能讓人在腦海中“聽見”那些聲波在三維空間中穿梭、碰撞的細節。我特彆喜歡作者在引用施托剋豪森本人訪談錄時所用的那種剋製而精準的方式，既保留瞭原意的衝擊力，又將其納入瞭更廣闊的理論框架中進行審視。讀完這些部分，我開始重新審視那些我以為已經聽懂瞭的、聽起來“怪異”的片段，它們不再是單純的噪音堆砌，而是遵循著一套異常嚴密、甚至可以說是“鐵的紀律”的結構原則。這本書對細節的關注達到瞭令人發指的地步，但奇妙的是，這種細節的堆疊並沒有讓閱讀體驗變得沉悶，反而像是在拼裝一個無比精密的機械裝置，每裝好一個零件，對整體結構的理解就清晰一分。

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這本書的文字風格，用一個詞來形容，那就是“冷峻的激情”。它沒有華麗的辭藻來渲染施托剋豪森作為一代宗師的傳奇性，而是用一種近乎冷靜的學術筆調，去呈現他創作中那些最富革命性的瞬間。這種反差形成瞭一種獨特的閱讀體驗：當你麵對那些對傳統音樂觀念的顛覆性論述時，作者冷靜的分析反而讓那種顛覆的力量感愈發凸顯齣來。書中關於《和聲（Harmonien）》係列的處理，尤其值得稱贊，作者沒有迴避其中涉及的復雜數學模型和對時間概念的重塑，而是將其轉化為清晰的圖錶和邏輯推導。這對於我們這些習慣瞭綫性時間概念的聽眾來說，無疑是一次思維上的“重塑訓練”。閱讀過程中，我幾次不得不停下來，去思考作者拋齣的那些關於“音樂在場性”和“瞬間的永恒”的觀點，它們與我日常接觸的音樂審美産生瞭劇烈的碰撞。這本書提供給讀者的，與其說是一份指南，不如說是一副濾鏡，它讓你得以用一種全新的、更具挑戰性的方式，去重新審視現代音樂的邊界到底在哪裏。

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這本《Stockhausen的音樂》簡直是為那些自認為對二十世紀音樂有一定瞭解的人準備的一份“測謊儀”。我懷著一種既好奇又略帶敬畏的心情翻開瞭它。從第一印象來看，作者顯然對施托剋豪森那令人眼花繚亂的創作生涯進行瞭極其細緻的梳理，那種編年史式的詳盡程度，讓人不禁感嘆其背後的研究功力。書中對於早期作品，比如那些對序列主義進行激進探索的階段，分析得可謂是入木三分，不隻是簡單地羅列技法，而是深入探討瞭他是如何一步步掙脫傳統束縛，構建起他那龐大而復雜的音樂宇宙的。特彆是對樂譜復雜性的解讀部分，文字的密度非常高，涉及大量音樂術語，即便是像我這樣聽過不少現代古典樂的人，也得時不時停下來，對照著腦海中的概念圖譜反復琢磨。這本書的行文風格帶著一種學者特有的嚴謹和一絲不苟，讀起來需要極高的專注度，它不是那種可以輕鬆消遣的讀物，更像是一份嚴肅的學術報告，精準地描繪瞭這位音樂巨匠在不同時期所麵臨的理論挑戰和他的解決之道。我能想象，對於那些正在攻讀音樂理論或作麯專業的學生來說，這本書無疑是一本寶貴的參考資料，它提供的不僅僅是信息，更是一種看待現代音樂創作方式的全新視角。

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說實話，剛開始讀這本書的時候，我幾乎被那種近乎百科全書式的敘事給“震懾”住瞭。它並沒有試圖將施托剋豪森描繪成一個遙不可及的偶像，反而用一種近乎解剖刀般冷靜的筆觸，剖析瞭這位作麯傢思想體係中那些常常被浪漫化處理的邊緣地帶。這種處理方式非常高明，它把復雜的哲學思辨和抽象的聲學實驗，硬生生地拉迴到瞭具體的音樂實踐層麵。我特彆欣賞作者在論述《斯特拉爾（Strahlen）》這類跨媒介作品時所展現齣的洞察力——不隻是關注聲音本身，更關注聲音與空間、時間以及觀眾感知之間錯綜復雜的關係。書中對於後期作品中“直覺音樂”的闡釋，尤為精彩，它避免瞭落入對“神秘主義”的膚淺贊美，而是試圖從操作層麵去理解那些看似隨性的指示是如何導嚮必然的聽覺結果的。閱讀過程中，我感覺自己像是在跟隨一位經驗豐富的嚮導，穿梭於他那不斷拓寬的音樂疆域中，每一次轉摺點，每一次理論上的飛躍，都有詳實的證據和深入的分析作為支撐。這本書的價值在於，它強迫讀者超越“好聽”或“難聽”的二元對立，真正去理解聲音組織邏輯背後的深層意圖。

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