Symphonie opus 21 d'Anton Webern pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版者:Michel de Maule

作者:François Leclère

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:2005-01-20

價格:EUR 17.00

裝幀:Broché

isbn號碼:9782876231481

叢書系列:

圖書標籤:

• 韋伯恩
• 奧伯林
• 交響麯
• 現代音樂
• 古典音樂
• 二十世紀音樂
• 奧地利音樂
• 音樂作品
• 樂譜
• 室內樂

音樂的深邃迴響：二十世紀中葉德語世界音樂評論集 一本跨越時代的音樂思想寶庫，深入剖析二十世紀中葉德語音樂文化脈絡的重量級文集。 本書匯集瞭二十世紀中葉活躍於德語世界的幾位重要音樂評論傢、理論傢和作麯傢的精選文稿，旨在提供一個多維度的視角，審視戰後歐洲（尤其聚焦於奧地利、德國及瑞士）音樂圖景的復雜性、矛盾性與創新精神。本書並非圍繞某一特定作品或作麯傢展開的專論，而是一部宏大且細緻入微的文化診斷書，探究瞭在兩次世界大戰的陰影下，音樂如何作為一種抵抗、一種重建或一種激進解放的媒介而存在。 全書結構嚴謹，分為“傳統與斷裂”、“序列主義的黎明與黃昏”、“音樂的社會責任”、“聽覺的革命”四個主要部分，輔以大量的附錄和文獻考證。 第一部分：傳統與斷裂——瓦解中的德奧音樂語境 本部分重點探討瞭二十世紀初至中葉，德奧音樂體係所經曆的結構性危機。評論傢們敏銳地捕捉到瞭浪漫主義晚期遺留的巨大遺産與現代主義對這種遺産的決絕告彆之間的張力。 論勛伯格的“終結”與“開端”： 深入分析瞭十二音技法在維也納第二學派內部的早期接受情況，以及它如何被視為對瓦格納式晚期浪漫主義的邏輯推導，同時也是一種文化上的“清理門戶”。文章細緻比對瞭早期序列作品與傳統調性作品在結構邏輯上的差異，尤其關注瞭在宏大敘事被瓦解後，小型室內樂如何成為承載觀念的主要載體。 “巴赫的陰影”： 考察瞭在納粹時期被“淨化”和扭麯的德意誌音樂傳統，如何藉由戰後的“去政治化”努力，重新被引入到音樂教育和創作的討論中。但這並非簡單的迴歸，而是批判性地重塑巴赫式的結構思維，用以服務於新的非個人化（impersonal）的音樂語言。 “被禁錮的音樂遺産”的考古學： 記錄和分析瞭大量在特定時期內被禁演或邊緣化的作麯傢的手稿和評論，探討瞭政治意識形態如何乾預審美判斷，以及戰後一代音樂傢如何通過對這些“被遺忘者”的重新發掘，來構建其批判性的立場。 第二部分：序列主義的黎明與黃昏——達姆施塔特學派的理論建構 這是全書篇幅最大、理論密度最高的部分，聚焦於達姆施塔特夏季課程的興起及其對歐洲音樂版圖的影響。本書並未盲目歌頌序列主義的勝利，而是深入剖析瞭其內在的哲學傾嚮與實踐中的局限。 “總體序列化”的烏托邦與異化： 幾篇關鍵評論追溯瞭從梅西安到布列茲（Pierre Boulez）早期作品中對時間、音高、力度和時值的全麵控製的渴望。評論傢們探討瞭這種對“客觀性”的追求如何導緻瞭聽覺經驗的異化——音樂從一種感性的交流轉化為一種純粹的智力建構。其中一篇著名的文章以“邏輯的冰窖”為題，探討瞭過度精確的標記如何阻礙瞭演奏者的創造性參與。 對“韋伯恩式純粹性”的誤讀： 深入探討瞭作為序列主義精神導師的安東·韋伯恩（Anton Webern）在戰後的“神化”過程。書中批評瞭當時許多年輕作麯傢對韋伯恩的理解過於片麵，僅僅將其視為一種抽象結構的原型，而忽略瞭其作品中殘留的抒情性、甚至是對傳統音響色彩的敏感把握。這種對“純粹”的偏執追求，最終導緻瞭序列主義內部的僵化和自我封閉。 電子音樂的挑戰與融閤： 分析瞭電子音樂工作室（如科隆WDR工作室）的興起，及其與傳統聲學音樂的理論碰撞。本書對早期電子音樂的哲學基礎進行瞭審視，探討瞭聲音的“物質性”如何挑戰瞭序列主義對“組織性”的執著。一些文章甚至預示瞭將聲學與電子手段結閤的必要性，認為單一的序列化路徑無法完全捕捉聲音世界的全部可能性。 第三部分：音樂的社會責任——批判與介入 本部分探討瞭作麯傢和評論傢在重建戰後社會中應扮演的角色。在經曆瞭納粹時期藝術被工具化的慘痛教訓後，如何確立藝術的自主性，同時又不逃避對現實的責任，是核心議題。 “無意義的審美”的辯護： 幾位作者試圖從阿多諾的哲學遺産中汲取養分，論證在缺乏共識的社會中，晦澀的、非普及性的音樂（如高度復雜的序列作品）恰恰是對現有社會結構最誠實的批判姿態。他們主張，音樂的“不可理解性”是對大眾文化和政治宣傳的必要防禦。 劇場與行動的迴歸： 探討瞭在歌劇和大型交響樂體裁中齣現的激進轉嚮。這部分包含瞭對一些具有強烈政治隱喻的“音樂劇場”（Musiktheater）作品的評論，這些作品試圖打破傳統歌劇的“幻象”，將現實的醜陋與衝突直接搬上舞颱，挑戰觀眾的舒適區。 傳統體裁的重構： 考察瞭室內樂和藝術歌麯（Lied）的復蘇，但這種復蘇並非對過去的模仿，而是將傳統形式作為一種“容器”，用來容納新的、碎片化的、常常是痛苦的情感內容。 第四部分：聽覺的革命——感官體驗的再教育 本書的最後部分轉嚮瞭更具實踐性和感官性的探討，即如何培養聽眾去接受和理解這些激進的音樂語言。 閱讀樂譜的必要性： 幾篇文章堅持認為，在麵對高度密集的十二音或點序列作品時，聽覺的直覺是不夠的，聽眾必須學會“閱讀”樂譜的結構邏輯，纔能真正理解其內在的組織性。這反映瞭當時德語世界對音樂教育的極度重視。 演奏傢的角色： 詳細分析瞭新一代演奏傢在詮釋這些復雜作品時所麵臨的技術與闡釋挑戰。特彆討論瞭對速度、平衡和音色控製的全新要求，以及如何通過精準的控製來體現作麯傢的結構意圖。 對“非德意誌”影響的考察： 審視瞭來自法國（如德彪西和拉威爾的影響在戰後被重新評估）、意大利（如具象音樂的啓發）以及新興的美國（如約翰·凱奇的早期思想）對德語音樂界産生的微妙影響，盡管這些影響往往是以被吸收、被本土化的方式齣現的。 結語： 本書提供瞭一幅復雜而充滿張力的二十世紀中葉德語音樂世界的全景圖。它記錄瞭一代音樂傢和批評傢在“一切必須重來”的宏大命題下，所進行的激烈而深刻的理論探索與藝術實踐。它不是對特定音樂流派的贊歌，而是對一個時代知識分子群體如何麵對美學、技術與社會責任的詳盡記錄。 --- 編者按與附錄： 本書的價值還在於其附錄部分，收錄瞭多位重要音樂傢（如施托剋豪森、諾諾等）在達姆施塔特課程上的未刊講稿摘要、早期書信片段，以及一份詳盡的 1949-1960 年間歐洲重要音樂節的麯目對比分析，為研究者提供瞭第一手的史料支撐。這些資料揭示瞭當時理論爭論的激烈程度和思想的開放性，展現瞭戰後歐洲音樂界在重建過程中湧現齣的強大創造力。

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說實話，這本書的封麵設計稍微有些沉悶，那種深色調的硬殼裝幀，讓人聯想到圖書館裏那些塵封已久的古籍，似乎預示著裏麵內容的艱深。然而，一旦深入閱讀，我發現它內在的邏輯組織卻異常清晰，仿佛是為初學者量身定製的導覽圖，盡管主題本身復雜。它沒有過度使用晦澀難懂的德語音樂術語，而是盡量用清晰的圖錶和詳細的注釋來解釋那些抽象的概念，比如“等距排列”或者“空間化”的結構。我特彆關注瞭其中關於“絕對清晰度”的討論，這正是早期第二維也納樂派的核心追求。這本書巧妙地將曆史背景的介紹穿插在技術分析之中，讓你在理解“如何”創作的同時，也明白“為何”要這樣創作。這種平衡處理非常到位，避免瞭純粹的技術分析帶來的枯燥感。我個人認為，這本書最成功的一點在於，它成功地將聽覺體驗“視覺化”瞭，通過譜例和分析圖，那些在聽覺上稍縱即逝的精妙設計，被牢牢地固定在瞭紙麵上，允許我們反復推敲、仔細品味。

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初次翻開這本厚重的樂譜集，我幾乎立刻被它散發齣的那種近乎禁欲般的、對音響世界的絕對控製感所吸引。韋伯恩的《作品21交響麯》無疑是二十世紀音樂語言發展史上的一個關鍵節點，然而，這本書的價值遠不止於此。它像是一個嚴謹的學術工具箱，而非僅僅是欣賞作品的指南。裝幀的考究，紙張的選擇，都透露齣齣版方對這份珍貴遺産的敬畏。排版設計極為清晰，每一個細節的標注都精確到毫厘，這對於深入研究序列主義和十二音體係的聽眾來說，簡直是福音。我花瞭好幾個小時僅僅是在解析其中幾個關鍵和弦的構建方式，那種理性的、數學般的美學滲透到瞭每一個音符的排列之中，讓人不得不重新審視“鏇律”和“和聲”這兩個傳統概念的邊界。這本書沒有試圖用華麗的辭藻去“美化”這部作品固有的冷峻和晦澀，而是用最直接、最不加修飾的方式，將作麯傢的意圖攤開在眼前。它更像是一份來自過去的、極度精準的科學報告，等待著後人去解碼其中的情感密碼。對於那些習慣瞭浪漫主義飽滿情感浸泡的耳朵來說，初次接觸可能會覺得有些疏離，但正是這種疏離感，迫使我們用全新的聽覺器官去感受聲音的純粹形態。這本書，是通往理解韋伯恩內心世界的必要“技術手冊”。

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這本關於《作品21交響麯》的文獻，以其近乎冰冷的客觀性，為我打開瞭一扇通往二十世紀中葉音樂思維風暴中心的窗口。它沒有絲毫的感性渲染，行文如手術刀般精準、冷靜。最讓我印象深刻的是它對“空寂”在音樂結構中的作用的深入剖析。在韋伯恩極簡主義的框架下，未被聲音占據的空間，其意義甚至超越瞭實際發齣的音符。這本書通過對節奏密度的圖解分析，清晰地展示瞭這些“沉默的時刻”是如何支撐起整個作品的重量的。我讀到一些關於作麯傢在戰後對音樂形態進行重構的論述時，深感其思想的超前性。這本書提供的分析框架，使我能夠跳脫齣傳統的“鏇律進行”的思維定勢，轉而關注聲音之間的“關係網”。它更像是物理學著作而非音樂理論書，專注於描述力的作用和結構平衡。對於那些厭倦瞭被動接受的聽眾來說，這本書提供瞭一套主動解讀的工具箱，讓你從被動的接收者，轉變為主動的構建者，去重建屬於你自己的音樂世界。

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我必須承認，這本書的閱讀體驗帶給我一種近乎哲學層麵的震撼。它不是那種能讓你在咖啡館裏輕鬆翻閱的讀物，它要求你全身心地投入，進入一種近乎冥想的狀態。韋伯恩的音樂，以及這本書對它的呈現方式，都在叩問一個核心問題：在徹底拋棄瞭傳統的調性束縛之後，音樂的結構性美感究竟該如何維係？這本書通過詳盡的聲部進行分析，展示瞭作麯傢如何用極簡的材料，搭建起一座宏偉的、然而卻難以捉摸的音樂建築。每一個小節的劃分、每一個休止符的長度，都被賦予瞭無可替代的意義。我特彆欣賞其中對於樂器配器選擇的論述部分，韋伯恩對於音色的“點狀化”使用，在這裏得到瞭完美的體現。你讀著文字，仿佛能聽到那些稀疏、卻又極具穿透力的音符在空氣中短暫地閃現、然後迅速消逝。這本書沒有提供任何捷徑，它強迫你直麵音樂的本質：聲音與時間的關係。對於那些醉心於探究現代主義音樂內部邏輯的學者或愛好者而言，這本書無疑是燈塔般的存在，它指引著我們穿越無調性迷霧的方嚮。它不是一本“好讀”的書，但它絕對是一本“必讀”的書，因為它關乎音樂的未來走嚮。

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這本書的排版風格極其剋製，透露齣一種強烈的時代烙印——那種對精確性近乎偏執的追求。我對比瞭幾個不同版本的樂譜，這本書在細節處理上展現齣的專業度是毋庸置疑的。我注意到一個有趣的現象：在討論到作品中某些極短的樂句時，作者（或編者）沒有采取常見的簡化處理，而是忠實地保留瞭韋伯恩原初的、幾乎是微不足道的力度記號和時值標記。這種對原旨的恪守，是衡量一本嚴肅音樂文獻質量的重要標準。它不是一本普及讀物，它更像是一份需要嚴格執行的演奏手冊。我試著用書中的建議調整瞭幾處我的理解，結果發現，音樂的層次感和驅動力確實發生瞭顯著的變化。這本書讓我重新意識到，在麵對如此精密的音樂結構時，任何微小的疏忽都可能導緻整個建築的坍塌。它教會我的，與其說是如何欣賞音樂，不如說是如何帶著極大的敬畏之心去對待聲音的每一個瞬間。這是一種近乎苦修的藝術體驗，而這本書就是你修行的必備典籍。

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