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作者:《戏曲研究》编辑部

出品人:

页数:428

译者:

出版时间:2008-9

价格:38.00元

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isbn号码:9787503935749

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• 戏曲研究
• 戏曲
• 中国戏曲
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• 戏曲史
• 戏曲理论
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• 第七十六辑

戏曲研究（第76辑） 《戏曲研究》（第76辑）聚焦于戏曲艺术的多个面向，以严谨的学术态度和深刻的洞察力，呈现一系列具有高度学术价值和思想深度的研究成果。本辑内容涵盖了从传统戏曲的源流考辨、经典剧目的深度解读，到现当代戏曲的创新实践与发展趋势，力求为读者提供一个全面而精细的戏曲研究图景。 传统戏曲的根脉与演变： 本辑深入探究了中国戏曲漫长历史进程中的关键节点和重要变迁。研究者们通过梳理文献、考证史料，对早期戏曲的形态、表演程式、音乐唱腔及其地域性差异进行了细致的剖析。例如，对宋元杂剧的早期母题、元代关汉卿笔下女性形象的复杂性，以及明清传奇在叙事结构、人物塑造和时代精神上的承继与突破，都有更为详尽的论述。一些文章着眼于戏曲表演技艺的传承与发展，通过对经典折子戏的分解与重构，揭示其背后蕴含的表演智慧与美学原则。对于戏曲音乐的演变，研究者们不仅关注宫调、曲牌的变迁，更深入到不同声腔体系在不同地域、不同剧种中的独特表现和相互影响。 经典剧目的现代审视与多元解读： 《戏曲研究》（第76辑）并未止步于对传统的文献梳理，而是运用新的理论视角和研究方法，对众多经典剧目进行“再发掘”。传统戏曲中的“忠孝节义”等主题，在当代语境下被赋予了新的阐释空间。研究者们从性别研究、接受美学、符号学等多元角度切入，对《牡丹亭》、《长生殿》、《窦娥冤》、《赵氏孤儿》等耳熟能详的剧目进行重新审视，挖掘其文本背后更深层次的文化内涵和社会意义。例如，对《牡丹亭》中杜丽娘的“情”与“幻”的哲学思考，对《长生殿》中帝王爱情的悲剧性与历史性的辩证关系，以及对《窦娥冤》中民间反抗精神的当代价值，都有独到的见解。一些文章则关注特定剧种的经典之作，如京剧四大名旦的代表性剧目、昆曲的精致典雅、越剧的婉转细腻，通过对这些剧目唱腔、表演、舞美设计等元素的分析，展现其艺术魅力和时代印记。 现当代戏曲的创新与挑战： 在快速变化的时代背景下，戏曲艺术的生存与发展面临着诸多挑战与机遇。本辑关注了现当代戏曲的诸多创新实践。这包括新编剧目的创作理念、题材选择、艺术风格的探索，以及传统剧目改编的得失。研究者们探讨了戏曲如何与现代科技融合，如数字媒体、虚拟现实等在戏曲表演、传播中的应用，以及这些新技术对传统戏曲美学形态的影响。同时，也关注了戏曲教育的模式创新、人才培养的现状与问题，以及戏曲在国际舞台上的传播与交流。部分文章聚焦于当代戏曲名家名团的艺术成就，分析其在继承传统、开拓创新方面所做出的贡献，以及对戏曲未来发展方向的思考。 戏曲理论的深化与拓展： 理论研究是推动戏曲艺术不断前进的重要动力。《戏曲研究》（第76辑）中的部分内容致力于深化和拓展戏曲理论。这可能包括对戏曲本体论的再思考，如表演的“活态”性、音乐的“情韵”特质，以及戏曲作为一种综合艺术的内在逻辑。研究者们也可能对戏曲批评的范式进行探讨，尝试构建更符合当代审美需求的批评体系。此外，对戏曲美学范畴的深入挖掘，如“写意”、“留白”、“唱念做打”的辩证关系，以及中国戏曲独特的“情景交融”、“虚实相生”的艺术手法，都将是本辑理论研究的重要内容。 戏曲的跨文化视野与社会功能： 本辑研究也呈现出更广阔的视野。一部分研究可能关注戏曲的跨文化传播和接受，分析中国戏曲在海外的传播路径、接受状况以及对当地文化的影响。研究者们也可能从社会学、人类学等角度，探讨戏曲作为一种重要的文化载体，其在传承民族精神、凝聚社会认同、促进文化交流等方面的独特功能。戏曲与社会变迁、民间信仰、民俗文化的互动关系，也是本辑可能涵盖的研究领域。 总而言之，《戏曲研究》（第76辑）是一部集学术性、思想性、前沿性于一体的研究文集，它既是对中国戏曲悠久历史和辉煌成就的深刻回望，也是对当下戏曲艺术生存现状和未来发展的审慎思考，旨在为戏曲研究的同仁、热爱戏曲的观众以及对中国传统文化感兴趣的读者，提供一份宝贵的研究参考和思想启迪。

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总体来看，《戏曲研究（第76辑）》体现出一种脚踏实地又勇于探索的研究气质。尤其在收录的几篇关于特定剧种服饰、乐器革新的研究中，其详尽程度令人赞叹。例如，一篇对徽剧锣鼓点子在不同地域传播过程中如何发生细微变化的考据，不仅标注了时间节点和主要推手，还附带了大量的听觉描述和乐谱对比图示。这部分内容对于那些痴迷于音乐本体研究的行家而言，简直就是宝藏。它要求读者具备极高的专注度和一定的专业背景，但一旦沉浸其中，便能享受到抽丝剥茧、还原历史原貌的巨大乐趣。这份刊物成功地在学术深度与信息密度之间找到了一个平衡点，确保了其作为核心专业期刊的权威性，同时也为戏曲爱好者提供了深入探索的阶梯。

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最近翻阅的这本《戏曲研究（第76辑）》，着实让我这个戏曲爱好者过了一把“瘾”。首先映入眼帘的是它那装帧设计，虽不至于华丽，却透着一股沉稳的书卷气，封面字体和排版都显得十分考究，让人一上手就感受到这份刊物的专业性。内容上，我尤其对其中几篇关于早期昆曲文本考证的论文印象深刻。作者似乎花费了大量心血，将散落在各处、几近失传的戏本片段重新拼凑、梳理，不仅校对了文字讹误，更深入探究了那些在历史长河中被忽略的声腔流变和角色塑造的细微差别。读起来，仿佛能穿越时空，亲耳聆听到当年舞台上的婉转唱腔，那份严谨的学术态度和对古典艺术的敬畏之心，实在令人敬佩。它不仅仅是堆砌资料，而是通过扎实的文献工作，为我们理解戏曲艺术的源头活水提供了坚实的支撑，让“老本子”焕发出了新的学术光彩。对于希望深入挖掘传统戏曲根基的同仁而言，这辑无疑是不可多得的珍贵资料集。

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不得不说，这期《戏曲研究》在题材的广度上做得相当出色，完全没有局限于传统的“四大件”或固定剧种的窠臼。我个人比较偏爱其中对新兴戏曲形式的研究部分，特别是对上世纪八九十年代以来，地方戏曲如何面对现代化冲击与融合的案例分析。有一篇文章聚焦于某一南方小剧种在城市化进程中的生存困境与创新尝试，作者没有采取居高临下的批判姿态，而是以一种近乎田野调查的细致笔触，记录了演员、编剧乃至观众群体的变化。这种研究不仅有理论深度，更有鲜活的民间气息。它让我们看到，戏曲并非是博物馆里的陈列品，而是在不断呼吸、不断适应现实的活态艺术。从中可以窥见创作者如何巧妙地在继承传统程式与迎合当代审美之间走钢丝，探讨了文化身份认同在剧场中的投射，读来让人深思现代戏曲的未来走向，视角独特且极具启发性。

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当我翻到关于戏曲审美趣味演变的那几篇文章时，一种怀旧的情绪油然而生，但这种怀旧并非盲目推崇“过去”，而是理性地审视审美传统的断裂与延续。其中有一篇对清末民初“花部乱弹”的兴衰进行梳理的文字，叙述得尤为生动。它详细描绘了当时戏班为了吸引观众，如何在传统框架内进行大胆的、甚至有些“媚俗”的改编，以及这种改编如何反过来推动了某些声腔的成熟。这篇文章没有用理想化的滤镜去看待历史，而是直面艺术在市场压力下的妥协与挣扎，坦诚地记录了美学标准是如何在“雅”与“俗”的拉锯战中被重塑的。这种不回避复杂性的写作态度，让我对戏曲史的理解更加立体和人性化，它让我们明白，所有的艺术高峰都伴随着其间的低谷与妥协。

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这本刊物给我的一个显著感觉是，它在理论建构方面，似乎有意地引入了更多跨学科的视野。其中一篇关于戏曲表演的身体哲学探讨，就大量借鉴了现象学和符号学的一些概念来解析武戏中的“打斗”与“做功”。这无疑拓宽了我们讨论戏曲的维度，不再仅仅停留在剧本和声腔的层面。作者试图揭示，戏曲的每一个规定性动作，比如“亮相”、“圆场”，其背后蕴含的东方哲学观和空间意识是如何通过演员的身体语言被编码和解码的。虽然部分术语的引用略显晦涩，需要反复揣摩，但这种尝试无疑是令人振奋的，它将传统戏曲置于更广阔的艺术理论对话场域之中，提升了其在当代学术界的对话能力。对我这个对表演理论感兴趣的读者来说，这部分内容提供了极佳的参照系，激发了我对身体作为意义载体的重新思考。

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