二胡考级音阶、琶音、练习曲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐学院

作者:王永德 编

出品人:

页数:103

译者:

出版时间:2008-10

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787806923924

丛书系列:

图书标签:

• 浙江省东阳市马宅镇马
• 二胡
• 考级
• 音阶
• 琶音
• 练习曲
• 乐谱
• 教材
• 民族乐器
• 弦乐
• 音乐

《弦上乾坤：中国音乐的古韵传承与现代演绎》 本书并非专注于单一乐器或某一特定训练体系，而是以更加宏观的视角，深入探讨中国传统音乐的深厚底蕴及其在当代社会的蓬勃生命力。我们试图描绘一幅中国音乐的时代画卷，从古老的宫廷雅乐、民间小调，到现代作曲家们的创新探索，再到不同地区各具特色的音乐传统，层层剥茧，展现中国音乐千姿百态的魅力。 第一部分：溯源而上——古韵的遗珠 我们将追溯中国音乐的源头，从先秦的钟磬之声，到唐宋的宫廷燕乐，再到明清的戏曲音乐，挖掘那些被时间长河洗礼，却依然闪耀着智慧与艺术光芒的经典。这一部分将侧重于： 乐器演变与形制探微： 简要介绍中国古代主要乐器的发展历程，如琴、瑟、箫、管、筝、琵琶等，以及它们在不同历史时期的形制变化和演奏技法特点。我们不深入具体指法，而是勾勒出它们在整体音乐文化中的定位。 宫调体系与音乐审美： 浅析中国古代独特的宫调理论，如五声、七声、宫、商、角、徵、羽等，以及这些宫调所承载的哲学思想和审美情趣。我们将探讨不同宫调带给人们的情感体验和文化意涵，而非枯燥的理论推导。 古谱与文献中的声音想象： 选取一些具有代表性的古乐谱（如《神奇秘谱》中的篇目）或文献记载，通过解读其文字描述和符号，引导读者想象古代音乐的旋律、节奏和音色，感受历史的回声。这部分将是感性的、富有启发性的，而非学术性的考证。 地域音乐的早期萌芽： 简要提及中国不同地域音乐传统的早期特征，如江南丝竹的婉约、北方鼓曲的粗犷等，展现中国音乐的多元性并非一朝一夕之功。 第二部分：传承与革新——时代的共鸣 进入近代以来，中国音乐在西方音乐的冲击下，既有吸收融合，也有坚守创新。本部分将聚焦于这一时期的发展轨迹，展现中国音乐如何与时代同频共振。 近现代作曲家的探索： 介绍一批对中国音乐发展做出重要贡献的近现代作曲家，如聂耳、冼星海、马思聪、贺绿汀等。我们将探讨他们的创作理念，如何将民族音乐元素融入西式创作手法，创作出具有时代精神的经典作品。重点在于他们的艺术追求和作品的时代意义。 民族乐器的现代化发展： 探讨中国传统乐器在近现代的改良与创新，例如二胡、古筝、琵琶等乐器在音色、音域、演奏技法上的发展，以及它们在交响乐、室内乐等现代音乐体裁中的应用。我们将侧重于乐器本身所承载的艺术表现力的拓展，而非具体的技术细节。 音乐教育的变革与普及： 简要梳理近现代中国音乐教育的发展脉络，特别是高等音乐学府的建立和音乐普及教育的推广，如何为中国音乐的传承与发展奠定人才基础。 戏曲音乐的生命力： 关注中国传统戏曲音乐在近现代的演变与发展，如京剧、越剧、昆曲等，它们如何在保持自身独特魅力的同时，也在不断适应时代潮流，焕发新的生机。 第三部分：多元与融汇——当下的万象 当今的中国音乐，呈现出前所未有的多元化和国际化景象。本部分将展现当代中国音乐的丰富面貌，以及其在全球音乐舞台上的独特声音。 当代作曲家的创新实践： 介绍活跃在当今中国乐坛的作曲家们，他们的创作风格和理念。我们将探讨他们如何从中国传统文化、哲学思想、社会现实中汲取灵感，创作出既具民族特色又具国际视野的当代音乐作品。 跨界与融合的艺术探索： 关注当代中国音乐在跨界合作中的精彩表现，如与电影、戏剧、舞蹈、视觉艺术等的结合，以及不同音乐风格（如爵士、摇滚、电子音乐）与中国传统音乐的融合，呈现出令人耳目一新的艺术形态。 民族音乐的国际传播： 探讨中国民族音乐走向世界的故事，介绍一些在国际上享有盛誉的中国音乐团体和演奏家，以及中国音乐在世界各地的传播与接受情况。 音乐技术与未来展望： 简要探讨新兴技术（如人工智能、数字音乐制作）在中国音乐创作、传播和教育中的应用，以及对中国音乐未来发展的可能影响。 本书的独特之处： 《弦上乾坤：中国音乐的古韵传承与现代演绎》并非一本纯粹的乐理或演奏指南，而是旨在为广大音乐爱好者、文化研究者以及对中国传统文化感兴趣的读者，提供一个理解中国音乐全貌的窗口。我们力求以流畅的语言、生动的案例，将复杂的音乐理论和历史脉络转化为易于理解的文化故事。本书强调的是一种“听”的艺术，一种“赏”的境界，一种对中国音乐背后所蕴含的哲学、历史与人文精神的深度体悟。它邀请您一同踏上这场穿越古今、融汇中西的音乐之旅，感受中国音乐那永恒的魅力。

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这本书的封面设计得相当大气，那种深沉的朱红色调配上金色的烫印字体，一下子就抓住了我的眼球。我拿到它的时候，心里就涌起一股莫名的期待，仿佛能从中窥见二胡艺术的殿堂。内页的纸张选得非常好，触感温润，即便是长时间练习，翻阅起来也感觉很舒服，这对于一个需要反复查看谱面的学习者来说，简直是福音。装帧也十分精良，即便是经常携带外出，书脊也没有出现任何松动的迹象，看得出出版社在制作上确实下了真功夫。不过，初看目录时，我略微有些疑惑，它似乎更侧重于基础技巧的夯实，对于一些更具文学色彩或者历史渊源的介绍篇幅相对较少，这或许是它定位明确——纯粹的技法手册的体现吧。整体而言，从视觉和触觉体验上来说，这是一本制作水准极高的乐谱集，让人在学习之前就先被其专业性所折服，准备好进入一段严谨的音乐旅程。

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我接触过好几本不同版本的二胡教材，但很少有能像这本书这样，在保持技术严谨性的同时，又能让人保持长久兴趣的。它的排版设计非常注重“呼吸感”，音符与音符之间的留白恰到好处，即便是复杂的十六分音符组合，也显得井井有条，而不是密密麻麻挤在一起让人眼花缭乱。更重要的是，它的选材似乎是经过了精心的筛选，涵盖了从传统技法到现代演奏中常用的一些关键片段。对于那些希望全面提升演奏能力的学习者来说，这本书提供的技法广度是令人赞赏的。它仿佛是为一位渴望从“会拉”到“会演”的音乐人量身定做的工具箱，里面装的都是最实用、最核心的“零件”，等待着使用者去创造属于自己的音乐大厦。

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说实话，我对“练习曲”这三个字通常抱持着一种敬而远之的态度，总觉得那是磨洋工、耗费心神的苦差事。然而，这本书里收录的练习曲部分，却展现出了一种意想不到的音乐美感。它们并非那种为了练习而练习的纯粹技术堆砌，而是巧妙地融入了二胡演奏中常见的旋律线条和张力变化。比如其中有一组专门针对“颤音和滑音交替”的练习，它不是简单的机械重复，而是模拟了民间小调中那种悠扬婉转的“哭腔”，让人在技巧训练的同时，也能体会到如何让声音“开口说话”。这种将技巧融入音乐情境的设计，极大地激发了我练习的积极性。我发现，当我带着“我要拉出一段优美的旋律”而不是“我要完成这组练习”的心态去演奏时，我的手指似乎也变得更加灵巧和富有表现力了。

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对于像我这样，已经拉了几年琴，但总感觉技术层面有些瓶颈的中级爱好者来说，寻找一本能真正“对症下药”的教材是多么不容易。市面上很多教材要么过于浅显，停留在入门阶段的“哆来咪”练习，要么就是直接跳跃到高难度曲目，让人无所适从。这本书的编排逻辑简直是教科书式的典范。它不是简单地罗列音阶和琶音，而是清晰地划分了不同的把位和指法难点，每组练习都配有详尽的速度标记和弓法提示，哪怕是最微小的断弓或连弓处理，都有明确的说明。我尤其欣赏它在节奏变化上的处理，不同于死板的均匀节奏，它穿插了大量带有切分音和附点音符的组合，这极大地锻炼了我的乐感和对节奏的精确掌控力。感觉就像是请了一位经验丰富的老教授，坐在身边，耐心地指出每一个可能被忽略的细节，让原本枯燥的机械练习瞬间充满了目的性和挑战性。

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作为一名主要自学的琴友，我最大的困扰就是缺乏一个清晰、可量化的进步阶梯。很多时候，你不知道自己是“会”了，还是“蒙混过关”了。这本书的结构完美地解决了这个问题。它的难度递进是循序渐进的，从最基础的指位转换，到复杂的换把与揉弦控制，每一个阶段都有明确的“里程碑”。我甚至可以根据自己的掌握情况，在每一页的空白处做笔记和打分，形成一个私人的学习日志。这种结构化的学习路径，让我对自己的学习进度有了清晰的认知，不再迷茫于“我到底该练什么”。它提供了一个坚实的框架，让学习不再是一盘散沙，而是有条不紊地、一步一个脚印地向上攀登，目标感非常明确。

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