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出版者:中国摄影出版社

作者:刘立宏 编

出品人:

页数:462

译者:

出版时间:2008-7

价格:98.00元

装帧:平装

isbn号码:9787802361836

丛书系列:

图书标签:

• 摄影
• 鲁迅美术学院
• 摄影相关之摄影基础知识
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• 刘立宏
• 2011
• 摄影
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• 构图

视觉叙事与光影构建：现代摄影技术与艺术表达的深度探索 本书并非关于鲁迅美术学院摄影系特定的教学大纲或课程安排，而是面向所有对摄影艺术抱有热情，并致力于提升自身技术与审美层次的学习者，提供一套全面、深入、兼具理论深度与实践指导的摄影知识体系。 本书旨在打破传统技法教程的局限，将摄影的本质——光影的捕捉与叙事逻辑的构建——提升到艺术创作的核心地位。它不是一本针对特定学府课程的内部教材，而是一部独立、完备的摄影艺术与技术进阶指南。 --- 第一部分：摄影的本质与视觉思维的重塑 本部分着重于建立学习者坚实的理论基础和独特的观察视角，将摄影从单纯的“记录工具”提升为“表达媒介”。 1. 光的哲学：从物理到审美的跨越 我们不再仅仅讨论曝光三要素，而是深入探讨光线的“性格”与“情绪”。 光谱的细微差别与色彩心理学： 深入分析不同色温（开尔文值）如何影响观众的情绪感知。研究硬光、柔光、散射光在不同环境下的物理特性，以及它们在肖像、风光和纪实摄影中营造的心理氛围。 自然光线的“生命周期”： 详尽解析日出前、清晨、正午、黄昏及夜间光线的角度、强度和方向性变化对影调（Tone）的决定性影响。提供如何在任何光照条件下，预判并利用光线的能力。 影子的主动性： 探讨“阴影”而非“高光”如何定义一个场景的深度和戏剧性。通过大量案例解析，展示如何利用阴影的形状、密度和过渡来引导视线、平衡构图，甚至传达叙事冲突。 2. 构图的超越性：结构、节奏与平衡 本书超越了基础的“三分法”和“黄金分割”，致力于教授如何构建具有内在逻辑和视觉节奏的画面。 动态平衡与非对称结构： 探索如何打破传统对称的稳定感，利用视觉重量（Visual Weight）的概念，在非对称构图中创造张力与活力。分析“负空间”（Negative Space）作为主体同等重要的元素，如何参与到画面的对话中。 线条的隐喻： 将线条（引导线、轮廓线、分割线）视为叙事中的“路径”和“边界”。探讨如何利用透视线条的汇聚性来增强纵深感，或利用断裂的线条来暗示故事的中断或转折。 纹理与触感： 重点分析如何在二维平面上重现三维物体的触觉感受。通过对不同材质（如粗糙的岩石、光滑的丝绸、湿润的皮肤）的微观光影处理，激发观众的触觉联想。 --- 第二部分：技术精深与媒介选择 本部分专注于前沿和经典技术工具的深入理解与驾驭，强调技术是服务于艺术意图的工具，而非限制。 3. 镜头语言与焦距的叙事选择 深入剖析不同焦距镜头（广角、标准、长焦）的物理特性及其在心理层面的投射。 透视畸变与角色塑造： 详细分析超广角镜头（如14mm, 24mm）对空间和主体形态的夸张处理，如何用于表现压迫感或宏大叙事；以及长焦镜头（如100mm以上）的空间压缩效果，如何营造亲密感或疏离感。 景深的战略运用： 不仅是学习光圈值，而是理解“景深选择”是一种叙事策略。探讨如何通过极浅景深聚焦唯一元素，或利用大景深（全景深）强调场景中的所有信息和关联性。 特殊光学效果的控制： 介绍现代镜头设计中的像差控制、暗角（Vignetting）的自然发生与人为模拟，以及如何利用“散景”（Bokeh）的形状和质感来美化背景，服务主体。 4. 数字工作流的精细化控制 本书不侧重于某个特定软件的操作指南，而是专注于数字后期处理背后的“影调重建”理念。 RAW文件的深度挖掘： 强调RAW格式作为“数字底片”的潜力，重点训练从高光区到阴影区的动态范围（Dynamic Range）的有效提取，确保素材的纯净度。 分层处理与蒙版艺术： 将后期视为“数字暗房”的扩展。教授如何使用复杂的蒙版技术（如亮度蒙版、颜色蒙版）进行局部、精细的曝光、色彩和锐度调整，实现“非破坏性”的完美控制。 黑白转换的艺术： 专门辟章讲解如何将彩色信息转化为富有层次和情感的黑白影像。强调通过通道混合器或目标颜色分离技术，模拟传统黑白胶片在不同滤镜下的表现力，达到最大化的影调对比和细节呈现。 --- 第三部分：跨界与实践：摄影类型的深度应用 本部分将理论与技术结合，针对几种核心的摄影领域，提供高级别的实践指导。 5. 肖像：捕捉瞬间的内在生命 超越简单的“对焦在眼睛”的要求，探索肖像摄影的心理深度。 非摆拍肖像的建立信任： 纪实性肖像的拍摄流程，如何通过长时间的相处和微妙的引导，使拍摄对象卸下防备，捕捉到“真实的自我”而非“表演的形象”。 环境肖像的叙事： 学习如何将人物与其所处的环境（工作场所、家居空间）进行有机结合，通过环境的细节来丰富人物的背景故事和职业身份。 6. 风光：超越风景的崇高感 探索如何将瞬间的景色转化为永恒的、具有个人情感投射的画面。 序列摄影与时间流逝： 介绍如何通过长曝光、星轨或多张堆栈技术，表现自然界中无法用人眼直接观察到的时间维度，如云层的流动、水流的丝滑。 地形与大气表现： 讲解如何利用前景、中景、远景的元素组织，建立画面的纵深感和规模感，并强调大气透视（Haze/Atmospheric Perspective）在营造距离感和史诗感中的作用。 7. 纪实与新闻摄影：伦理与即时性的平衡 强调纪实摄影师的责任感和快速反应能力。 隐形的操作： 学习在不干扰现场事件发生的前提下，如何进行高效的拍摄，包括安静的设备操作、快速的焦点锁定和对突发事件的预判。 编辑的视角： 探讨一组照片（Photo Essay）的策划与编辑过程，如何挑选最具冲击力、逻辑连贯的照片，讲述一个完整、有力的故事，而非仅仅展示几张精彩的单张照片。 --- 本书总结： 本书致力于培养一位具备独立思考能力的摄影师——一位不仅精通技术，更深刻理解视觉语言、并能将个人哲学融入光影表达的创作者。它提供的是一套完整的、可迁移的“视觉思维框架”，而非一成不变的拍摄公式。学习者将学会如何“看见”世界，并以最具力量和美感的方式，“重建”这个世界。

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不得不提的是，书中对于“摄影史”和“当代影像趋势”的梳理，做到了既宏大又精准的平衡。它没有采用那种按时间线索死板排列的叙事方式，而是巧妙地将历史脉络融入到对特定技术或风格演变的讨论中。比如，在讲到纪实摄影的伦理困境时，作者能够迅速回溯到历史上的标志性事件和代表人物，而不是让这些深刻的议题停留在抽象的讨论层面。更重要的是，它并没有止步于过去的辉煌，而是积极探讨了当下数字媒介和社交媒体对摄影本体论带来的冲击。这对我这个刚起步的年轻人来说，非常重要，它让我清楚地认识到，我们所处的时代对影像的定义正在被重塑，而一个优秀的摄影师，必须对这些变迁保持高度的敏感性。这本书就像一个高明的导师，不仅教你如何使用旧工具，更激励你去思考如何驾驭新媒介。

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我特别欣赏这本书在影像语言构建上的独到见地。很多摄影教材都侧重于技术参数的讲解，似乎只要掌握了这些参数，就能拍出“好照片”。然而，这本书的厉害之处在于，它将技术退居次席，把更多的笔墨放在了如何“观看”世界、如何用镜头进行“表达”上。它没有直接告诉我“应该”怎么做，而是引导我去思考“为什么”要这么做。书中对不同摄影流派的经典案例分析，不是简单地复制粘贴作品，而是深入挖掘了每一张照片背后的创作动机、时代背景以及摄影师是如何通过构图、用光和后期处理（尽管有些案例非常强调暗房技术）来强化其主观思想的。阅读过程中，我常常会停下来，思考自己最近拍的作品中，哪里可以融入这种“深度挖掘”的思考方式。这本书给我最大的启发是：摄影不仅仅是记录，更是一种哲学层面的对话，是对我们所处环境的一种主动回应。它成功地把我从一个纯粹的“技术操作员”，拉向了一个更具思辨性的“视觉叙事者”的定位。

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这本书的封面设计就透着一股浓郁的学院派气息，那种严谨又不失艺术性的排版，让我这个刚接触摄影不久的新手，心里就安定了不少。我本来以为这种“教程”类的书籍，内容会是枯燥乏味的理论堆砌，无非就是些关于光圈、快门、ISO的教科书式解释，但翻开后才发现，它远远超出了我的预期。它更像是一本带有强烈个人探索精神的影像日志，虽然专业性毋庸置疑，但叙述的节奏感却把握得极好。作者似乎非常懂得如何将复杂的概念“视觉化”，而不是仅仅停留在文字层面。比如，在讲解景深控制时，书中穿插了大量不同焦段、不同光圈下拍摄的对比图例，那些光影的微妙变化，通过印刷出来的效果，依然能清晰地传达出作者想要表达的关于“空间感”的理解。这远比我之前在网上零散学到的知识点要系统和深入得多，让我感觉自己终于有了一张可靠的“摄影地图”可以依循，而不是一个人在黑暗中摸索。那种由内而外散发出的对影像本体的敬畏和追求，真的能感染到每一个渴望进步的学习者。

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从实用性角度来看，这本书的结构安排也极为人性化。它不像许多速成指南那样鼓吹“快速出片法”，而是遵循了扎实的学习曲线，层层递进。前几章可能是基础技术的巩固，但随后的章节就开始引入更具挑战性的主题，比如如何构建一个长期的个人项目，如何进行视觉叙事的连贯性处理，以及如何撰写一份有说服力的艺术家陈述。这些内容，恰恰是很多纯技术书籍所忽略的，但却是职业摄影师必须掌握的“软技能”。我特别喜欢其中关于“失败案例分析”的部分，作者坦诚地展示了一些早期或有争议的作品，并剖析了它们在构思或执行上的不足之处。这种透明度和自我反思的精神，极大地降低了读者在学习过程中的挫败感，让人明白，创作的道路上布满荆棘，关键在于如何从每一次失误中汲取教训，并将其转化为下一次进步的动力。这本书无疑是我摄影学习道路上最值得珍藏的一本工具书与精神指南。

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这本书的装帧和纸张选择，也充分体现了出版方的专业水准和对内容载体的尊重。坦白说，作为一本教程，它拿在手里的分量感和质感是极佳的。内页的铜版纸印刷色彩还原度非常精准，这一点对于摄影作品集和样片的展示至关重要。我之前购买过一些偏重后期处理的电子书或廉价印刷品，色彩失真得厉害，根本无法准确判断作者原稿中的细微色调差别。但在这本书里，即便是那些黑白照片，其层次过渡也做得极其细腻，从纯粹的乌黑到最浅的灰阶，过渡得毫不突兀。这种对细节的关注，本身就是一种对摄影艺术的尊重。对于我们这些在实践中摸索的人来说，能够通过实体书感受到印刷的极限和潜能，对于理解最终的输出效果，有着不可替代的价值。它让我明白，从取景器到最终的打印输出，每一个环节都是创作过程的延伸，缺一不可。

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但这本书可以让我想到更多……

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非常好非常务实的一本书。

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这书都有啊！我就搜索了一下我们系主任名~镇系之宝呢~