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出版者:Editions Gallimard

作者:Antoine Schnapper

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-10-14

价格:EUR 21.50

装帧:Broché

isbn号码:9782070770434

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• XVII
• 绘画
• 法国
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• *Français*
• 绘画
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• 17世纪
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• 古典主义

艺术的变迁与时代的肖像：探寻17世纪法国视觉文化的宏大叙事 《艺术的变迁与时代的肖像：探寻17世纪法国视觉文化的宏大叙事》 旨在全面深入地剖析路易十四时代（Grand Siècle，即“伟大世纪”）法国艺术领域所经历的深刻变革与复杂张力。本书并非聚焦于单一的艺术实践，而是以一种跨学科的宏观视角，审视了从宫廷赞助、学院制度的建立到新兴艺术思潮的涌现，如何共同塑造了这一时期法国无与伦比的文化霸权。 全书结构严谨，共分六个主要部分，每一部分都聚焦于理解17世纪法国艺术生态的关键维度。 --- 第一部分：权力、荣耀与视觉的政治学 本部分首先探讨了绝对君主制如何将艺术作为其统治合法性与个人荣耀的基石。我们将详细考察路易十四的“太阳王”形象是如何通过建筑、雕塑、挂毯和纪念碑被精心构建和传播的。 1.1 凡尔赛的诞生：权力空间的地理学 我们将深入分析凡尔赛宫不仅仅是一座宫殿，而是一个精心设计的、服务于国家政治的剧场。研究集中于勒沃（Louis Le Vau）的建筑语言、勒布伦（Charles Le Brun）对镜厅的整体设计理念，以及这种宏大叙事如何服务于将贵族权力体系从巴黎的政治中心吸收到国王的私人视野中。重点分析了建筑的对称性、轴线布局所蕴含的宇宙秩序观。 1.2 皇家赞助的机制与运作 详细考察了皇家府邸总管署（Bâtiments du Roi）在艺术品采购、艺术家任命和项目管理中的核心作用。通过对档案的梳理，揭示了国王对艺术的财政投入规模，以及这种投入如何直接决定了艺术创作的主题范围和风格倾向。研究还将探讨艺术赞助如何成为一种社会流动性工具，使新兴的资产阶级精英得以通过艺术收藏跻身上流社会。 1.3 纪念性叙事与历史书写 分析了17世纪法国艺术中对古代典范（尤其古典罗马）的再挪用，以及如何将其转化为歌颂波旁王朝功绩的工具。本书探讨了如何通过雕塑群像和官方历史画，将当代事件“古典化”和“神圣化”，从而在视觉上确立法国在欧洲的文化和军事领导地位。 --- 第二部分：学院的铁腕与艺术的规范化 本章的重点转移到艺术机构的制度化进程，即法兰西皇家绘画与雕塑学院（Académie Royale de Peinture et de Sculpture）如何成为艺术生产和知识传播的中心。 2.1 勒布伦的统治与“风格之战” 深入分析了查尔斯·勒布伦在学院中的绝对权威。重点剖析了“鲁本斯派”与“尼古拉斯·普桑派”（Poussinistes vs. Rubénistes）之间长达数十年的论战。这场论战远非简单的风格偏好之争，它触及了艺术的根本哲学问题：线条（Dessin）的理性与色彩（Couleur）的感性之间的优劣。本书详细阐释了学院如何最终确立了“线条至上”的理论框架，并将其作为评判一切艺术作品的硬性标准。 2.2 艺术教育的流程与等级制度 考察了学院的课程设置，包括解剖学学习、模型临摹以及最重要的“大奖赛”（Grand Prix）制度。分析了这一制度如何通过金钱和荣誉激励年轻艺术家去罗马学习，并最终将他们纳入官方的权力网络。 2.3 艺术的等级划分与流派的限定 阐释了学院确立的“绘画类型等级”（Hiérarchie des genres）——历史画居于首位，其次是肖像画、风景画、静物画和风俗画。本书论证了这种等级划分如何严格限制了艺术家的题材选择，并塑造了公众对“高雅艺术”的认知。 --- 第三部分：新兴的艺术实践与技艺的精进 尽管学院试图推行统一的标准，但17世纪的艺术场域仍然充满了技术上的创新和对特定题材的深入探索。 3.1 荷兰影响下的室内画与风俗场景 探讨了随着商业贸易的发展，荷兰艺术对法国中产阶级品味的影响。分析了法国艺术家如何吸收荷兰细致入微的光影处理和日常题材，并将其与本土的精致趣味相结合，催生出一种更具个人化视角的室内场景画。 3.2 景观的塑造：从自然到理想化的田园诗 研究了风景画的发展，特别是克洛德·洛兰（Claude Lorrain）和加斯帕尔·杜盖（Gaspard Dughet）的作品。本书强调了他们如何将“古典风景”提升到与历史画同等的地位，通过构建完美的透视和宁静的氛围，表达一种对秩序和永恒的哲学追求。 3.3 肖像画的心理深度 分析了宫廷肖像画之外的私人委托肖像。探讨了如皮埃尔·米尼亚尔（Pierre Mignard）等艺术家如何超越简单的形似，试图捕捉被摄者内在的性格特质，尤其关注女性肖像中微妙的服饰与姿态语言。 --- 第四部分：艺术的商业化与印刷术的扩散 本部分关注艺术品市场的形成，以及印刷术如何使图像脱离宫廷的直接控制，进入更广泛的公众视野。 4.1 早期艺术交易场所的出现 考察了巴黎的沙龙（Salon Carré）作为官方展示空间的局限性，以及独立画商和私人收藏家在艺术品流通中的角色。分析了艺术品价格的波动与艺术家声望之间的关系。 4.2 版画的民主化功能 详细研究了蚀刻版画和雕刻版画在17世纪的爆炸性增长。版画不仅是原作的复制品，更是传播新风格、复制皇家宣传品以及流行小品画（estampes de genre）的重要媒介。分析了版画工坊的组织结构和其在跨国艺术交流中的桥梁作用。 4.3 艺术理论的普及与读者的兴起 梳理了17世纪重要的艺术理论著作，如沙普隆（Fréart de Chambray）的译本和学院内部的讲稿。论证了这些文本如何教育了新兴的、受过良好教育的艺术爱好者群体，使艺术批评从宫廷内部的封闭讨论走向更广阔的公共领域。 --- 第五部分：建筑的实用性与城市规划的雄心 建筑不再仅仅是国王的居所，而是国家基础设施和市民生活的核心元素。 5.1 军事工程与防御体系的革新 分析了沃邦（Vauban）的军事建筑理论和实践，强调了理性几何学在防御工事设计中的应用。这部分将建筑的实用性与美学要求并置讨论。 5.2 城市空间的重塑与公共广场的设计 研究了巴黎城内大型公共广场（如沃日广场、胜利广场）的设计理念，它们如何作为王室恩典的象征，为市民提供了规范化的社交空间。这些广场的设计体现了对开放性、秩序感和纪念性纪念碑的偏爱。 5.3 教堂建筑的巴洛克余晖与古典的回归 探讨了17世纪下半叶法国宗教建筑中，如何从意大利巴洛克风格的过度装饰中抽离出来，转向一种更加内敛、强调清晰结构和逻辑的“法式古典主义”。 --- 第六部分：女性艺术家在限制中的挣扎与成就 本书的最后一部分关注了那些在男性主导的学院体制中艰难前行的女性艺术家群体。 6.1 学院对女性会员的配额与偏见 分析了学院制度中对女性艺术家设立的苛刻条件，例如限制女性成为历史画家，以及她们在官方展览中的被边缘化现象。 6.2 贵族背景下的艺术庇护 重点研究了几位杰出的女性艺术家，如伊丽莎白·维杰·勒布伦（Élisabeth Vigée Le Brun）的早期职业生涯，以及其他通过家族关系获得赞助的女性。考察了她们在肖像画和静物画领域取得的突破，这些领域被视为相对“安全”且符合女性气质的题材。 6.3 跨界影响：艺术与沙龙文化 探讨了17世纪沙龙（Salons）文化（非官方艺术展览的雏形）如何成为女性赞助人展示品味、影响艺术家和评估艺术作品的重要非正式平台。 --- 总结而言， 《艺术的变迁与时代的肖像》描绘了17世纪法国如何通过制度化、意识形态的灌输和对古典范式的精妙模仿，建立起一个以宫廷为核心、辐射全欧洲的艺术帝国。本书力求展现这一“伟大世纪”的艺术不仅是美丽的图像，更是权力运作、知识构建和社会变迁的活化石。通过对建筑、绘画、版画和理论的综合分析，读者将获得对理解法国巴洛克（或称古典巴洛克）艺术复杂性的全新视角。

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《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书，我预感它将为我们揭示法国“伟大世纪”画家们的创作理念和方法论。在那个时代，艺术创作并非漫无目的的自由挥洒，而是受到古典主义、理性主义等思潮的深刻影响。书中是否会探讨画家们在创作过程中如何遵循特定的美学原则，例如构图的黄金分割、色彩的和谐统一，以及对人物形象的理想化处理？对于那些为宗教或王室创作的作品，画家们又是如何将宗教教义或政治意图巧妙地融入画面，以达到宣传和教化的目的？这些艺术创作的指导思想和实践方法，无疑是理解那个时代艺术风格形成的关键。这本书的出现，为我们提供了一个进入画家们思维世界的入口，让我们能够更深刻地理解他们作品的艺术价值和历史意义。

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我之所以对《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书充满期待，是因为它触及了艺术史研究中一个常常被忽略但又至关重要的维度——“职业”。我们习惯于关注艺术家的作品，关注流派的演变，却很少深入了解他们作为“职业人”的真实生活。书中是否会详细描述画家们是如何组建自己的工作室，如何管理学徒和助手，如何分配工作和管理成本？这些组织和管理能力，对于一个成功的艺术事业而言，绝不亚于绘画本身的天赋。而且，在那个缺乏现代传播媒介的时代，画家们又是如何进行自我宣传和推广的？他们是否会通过创作一些“代表作”来吸引目光，或者利用人脉关系来获得优先的委托机会？这本书似乎正是一面镜子，能够照见艺术创作背后那些不易察觉的商业运作和社会交织，让我们对“画家”这个职业的完整面貌有一个更清晰的认知。

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关于《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书，我最感兴趣的部分在于它可能如何揭示那个时代画家们所经历的职业困境和挑战。艺术的道路从来都不是一帆风顺的，尤其是在一个等级森严的社会中。书中是否会探讨画家们在面对创作瓶颈时的应对策略？他们是如何从失败的尝试中学习，并不断突破自我的？此外，在那个宗教和政治影响力巨大的时代，画家们的创作是否会受到审查或限制？他们如何在迎合当权者审美的同时，保留自己独立的艺术思考？这些问题都牵涉到艺术的自由度以及艺术家在社会结构中的位置。这本书似乎提供了一个绝佳的机会，让我们去了解，那些伟大的艺术作品背后，可能隐藏着多少不为人知的牺牲和妥协，以及艺术家们如何在这种复杂环境中保持创作的活力和独立性。这不仅仅是对历史的追溯，更是对艺术精神的一种探索。

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我期待《Le métier de peintre au Grand Siècle》能够深入挖掘那个时代画家们所面临的社会认可度问题。在许多人心目中，艺术家可能更多地被视为工匠，他们的价值更多地体现在技艺的精湛上，而非创造性的灵感。书中是否会探讨画家们如何努力提升自身的社会地位，争取被视为一种更受尊敬的职业？是否会描绘他们与文学家、哲学家等知识分子的交流，以及由此产生的思想碰撞？而且，在那个时代，艺术品的市场和销售渠道又是怎样的？除了贵族和教会的委托，普通民众是否有机会接触和购买绘画作品？书中的内容是否会涉及当时存在的艺术品交易市场、画廊，以及这些场所对艺术家职业发展的影响？这些问题都关乎艺术的普及和艺术家的生存状态，对理解“画家”这个职业在历史中的演变具有重要意义。这本书的出现，恰好弥补了我们可能存在的认知盲区，将那些被掩盖在光鲜亮丽的画作背后的真实生活状态一一呈现。

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《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书，让我联想到那个时代艺术品市场与社会声望之间的微妙互动。我猜测书中会深入探讨，一个画家如何通过其作品来建立和巩固自己的社会地位。仅仅是技艺精湛，是否足以让一位画家获得长久的声誉？还是说，他需要融入特定的社交圈，与权贵建立联系，或者参与到公共项目中，才能获得更多的认可？书中是否会提及当时存在的艺术品拍卖会、沙龙展览等形式，以及这些平台如何影响了艺术家的作品推广和个人品牌塑造？对于画家而言，如何管理自己的声誉，如何应对来自同行的竞争和批评，也是至关重要的。这本书所能提供的，或许就是对这些复杂社会关系的细致梳理，让我们看到，艺术家的成功并非仅仅是天分的展现，更是对社会规则的精准把握和巧妙利用。

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《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书给我的第一印象是它的深度和广度。它不仅仅局限于对某个特定艺术流派或某个著名画家的深入剖析，而是试图勾勒出整个“伟大世纪”时期法国绘画行业的全景图。我设想书中会详细介绍当时存在的不同类型的画家：有宫廷御用画家，他们享受着优渥的待遇，但也承受着巨大的创作压力和政治风险；有学院派画家，他们遵循着严格的规章制度，追求古典的和谐与完美；还有可能是一些更为自由的艺术家，他们在商业市场中寻找机会，或是在新兴的社会阶层中开拓客户。这本书的价值在于，它能够帮助我们理解，在那个被称为“太阳王”路易十四统治下的辉煌时代，绘画这一艺术形式是如何与权力、财富、宗教和社会风俗紧密联系在一起的。理解画家们的职业生涯，就是理解那个时代的社会结构和文化价值观的一个重要侧面。这本书无疑为我们提供了一个独特的视角，去审视艺术生产的背后，那些被历史洪流裹挟着的个体的奋斗与选择。

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《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书，从标题就可以感受到其严谨的学术态度，但同时又透露出一种对“手艺”本身的关注。我个人对那些在创作过程中付出的艰辛努力和所掌握的精湛技艺充满了敬意。书中是否会详细介绍当时画家常用的画具、颜料以及它们是如何被制造出来的？例如，某些珍稀颜料的获取途径，或是特定画笔的制作工艺，这些细节无疑能让读者更直观地感受到艺术创作的物质基础。此外，书中对画家们在接受委托时的具体操作方式的描述，比如如何理解委托人的要求，如何进行草图设计，如何与委托人沟通修改意见，甚至是如何处理合同纠纷，这些现实层面的内容，对于我们理解艺术的商业运作和艺术家如何平衡艺术理想与生存需求至关重要。这本厚重的书籍，就像一个详尽的指南，为我们揭示了艺术品创作不仅仅是灵感的火花，更是严谨的流程和对细节的极致追求。

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我对于《Le métier de peintre au Grand Siècle》这本书的关注，很大程度上源于对那个时代社会变革与艺术发展之间关系的探求。当一个社会经历着巨大的变迁，例如从宗教主导转向世俗化，或者从封建统治转向集权统治，艺术创作必然会受到深刻的影响。书中是否会探讨，在“伟大世纪”的法国，不同社会阶层对绘画的需求是如何变化的？例如，新兴的资产阶级是否开始成为艺术品的重要消费者，他们又偏好什么样的艺术风格？此外，国家政策对艺术发展的扶持或干预，例如皇家学院的建立和运作，对画家们的职业生涯又产生了怎样的影响？这本书似乎是对这些宏观层面的社会经济因素与微观层面的艺术家个人命运之间相互作用的细致考察，为我们提供了一个理解艺术在历史长河中扮演角色的重要视角。

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这本书的名字《Le métier de peintre au Grand Siècle》光是听上去就充满了古典的韵味，仿佛能将人直接带回那个辉煌的“伟大世纪”。我一直对那个时代法国的艺术氛围，特别是绘画领域的发展充满好奇。在那个时代，画家不仅仅是技艺的传承者，更是社会文化的重要参与者，他们的生活、创作以及与赞助人、市场之间的关系，无疑是一幅幅生动而复杂的画卷。想象一下，在路易十四的凡尔赛宫廷里，那些色彩斑斓的壁画和精致的肖像画是如何被孕育出来的？画家们如何与委托人沟通，如何应对宫廷的审美需求，又如何在复杂的等级制度中找到自己的位置？这本书似乎触及了这些核心问题，不仅仅是技术层面的解析，更重要的是对“画家”这个职业本身在那个特定历史时期的社会学、经济学甚至心理学层面的探索。我期待着它能够揭示出那些隐藏在宏伟画作背后的辛勤劳动、智慧与挣扎，让我们对艺术的生产过程有一个更全面、更深入的理解。毕竟，伟大的艺术作品并非凭空出现，而是由无数双手、无数个日夜的专注与坚持所铸就，而《Le métier de peintre au Grand Siècle》正是要讲述这段不为人知的历程。

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翻开《Le métier de peintre au Grand Siècle》，我首先被它所营造出的那种沉浸式的阅读体验所吸引。它并非枯燥的学术论著，而是将历史的脉络与艺术家的生活细节巧妙地编织在一起，仿佛置身于一个充满颜料、画布和激情的时代。书中对于画家们日常工作的描绘，从工作室的布置、颜料的研磨，到素描的练习、色彩的调配，都细致入微。我尤其对书中关于学徒制度的探讨感到着迷，这种师徒传承的方式在那个时代是艺术人才培养的关键，它不仅传递了技艺，更塑造了艺术家的世界观和职业道德。那些初出茅庐的年轻画家，如何在经验丰富的导师指导下，一点点打磨自己的技艺，克服创作上的瓶颈，最终找到属于自己的艺术语言？书中或许会通过大量的案例和史料，为我们展现这段充满挑战与希望的成长之路。Furthermore, the book's exploration of the economic realities faced by painters is equally compelling. In an era where art patronage was crucial, understanding how artists secured commissions, negotiated prices, and managed their finances would offer invaluable insights into the practicalities of a creative profession. This holistic approach, bridging the artistic and the pragmatic, is what makes this book so promising.

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