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出版者:中国人民大学出版社

作者:黄秋生

出品人:

页数:300

译者:

出版时间:2009-2

价格:29.80元

装帧:

isbn号码:9787300101484

丛书系列:

图书标签:

• 非线性编辑
• 视频编辑
• 后期制作
• 实战教程
• Premiere
• Final Cut Pro
• DaVinci Resolve
• 影视制作
• 媒体技术
• 实验教学

《光影塑形：数字视频剪辑实践指南》 本书并非一本关于理论构建或抽象概念的学术专著，而是一本务实、操作导向的数字视频剪辑实践指南。我们聚焦于如何运用现有的数字工具，将零散的素材转化为引人入胜的视觉叙事，它是一次对“看见”与“表达”之间桥梁的探索。 内容概述： 本书将带领读者循序渐进地掌握数字视频剪辑的核心技能与流程。我们不回避技术细节，但更强调技术服务于创意表达的本质。从最基础的素材导入、组织管理，到多轨道剪辑、画面衔接，再到音频的精细处理、色彩的风格化调校，以及最终的输出与发布，每一个环节都力求清晰、易懂。 第一部分：素材的“炼金术”——导入、组织与初审 素材的源头活水： 讲解不同格式、不同来源的视频素材（如相机录制、手机拍摄、屏幕录像、CG动画等）的导入技巧，以及如何根据项目需求进行初步的格式转换与优化。 秩序的建立： 深入探讨如何为素材建立清晰、高效的组织结构。从文件夹的逻辑划分、命名规范，到元数据的利用（关键词、标签、评分等），帮助你在海量素材中快速定位所需。 初审的智慧： 讲解如何快速浏览、筛选素材，找出最具表现力的镜头，并为后续剪辑打下基础。这包括对画面质量、焦点、构图、表演等的初步判断。 第二部分：时间线的“织锦”——基础剪辑与镜头语言 时间线的哲学： 深入理解时间线作为叙事画布的作用。学习如何通过拖拽、插入、覆盖等基础操作，将素材按照预设的叙事逻辑在时间线上铺陈。 镜头的“呼吸”： 掌握不同类型的剪辑点（硬切、叠化、淡入淡出等）及其情感表达功能。学习如何通过镜头切换的速度、节奏，营造紧张、舒缓、过渡等不同氛围。 叙事结构的搭建： 探讨不同叙事结构（线性、非线性、闪回等）在剪辑中的实现方式。理解蒙太奇的原理，并学习如何运用对比、并置、延时等手法增强叙事张力。 视听语言的融合： 强调画面与声音的协同作用。学习如何利用背景音乐、音效、对话等元素，烘托情绪，推动剧情，并增强观众的沉浸感。 第三部分：画面的“调色盘”——色彩、光影与视觉风格 色彩的情绪： 讲解色彩的基本原理，以及不同色彩组合在视觉上产生的心理联想。学习如何运用色彩校正工具，调整曝光、对比度、白平衡，使画面达到视觉上的和谐与平衡。 光影的魔术： 探索光线在画面中的作用。学习如何通过色彩分级，为视频营造特定的艺术风格，例如复古、赛博朋克、写实、梦幻等。理解 LUT（查找表）在快速风格化中的应用。 细节的雕琢： 学习如何利用关键帧动画，对画面进行动态调整，如缩放、平移、旋转等，增强画面的视觉吸引力。探讨画面稳定、镜头畸变校正等实用技巧。 第四部分：声音的“交响乐”——音频处理与混音 声音的层次： 讲解不同音频轨道（音乐、对话、音效、旁白）的逻辑关系。学习如何导入、编辑、对齐音频素材，并对其进行增益、降噪、均衡等处理，提升声音的清晰度和质量。 音乐的情感注入： 探讨背景音乐在视频中的选择与运用。学习如何根据画面情绪、节奏，选择合适的音乐，并对其进行剪辑、淡入淡出，与画面形成完美的配合。 音效的氛围营造： 讲解音效在增强真实感、烘托气氛方面的重要作用。学习如何搜集、编辑、添加恰当的音效，使画面更具感染力。 混音的艺术： 掌握多轨道音频的混音技巧，包括音量平衡、声像定位、动态压缩等，确保最终音频输出的专业水准。 第五部分：作品的“诞生”——输出、发布与优化 输出的参数： 讲解不同平台的输出格式、分辨率、帧率、码率等参数的选择，以及它们对最终视频质量的影响。 发布的策略： 探讨不同发布平台（社交媒体、视频网站、线上课程等）的特点，以及如何根据平台要求对视频进行格式化和优化。 后期审视与迭代： 鼓励读者在发布后，通过观众反馈，审视自己的作品，并从中学习，不断提升剪辑技能。 本书特点： 实践导向： 强调“动手做”，所有讲解都围绕实际操作展开，配以清晰的步骤和丰富的案例。 软件中立： 虽然会涉及具体软件的界面和功能，但核心理念适用于市面上绝大多数主流非线性编辑软件。 创意赋能： 技术服务于创意，本书不仅教授“怎么做”，更启发“为什么这么做”，鼓励读者探索属于自己的视觉风格。 循序渐进： 从基础概念到进阶技巧，结构清晰，易于初学者理解和掌握。 无论你是希望将个人创意转化为生动影像的独立创作者，还是致力于提升视频制作效率的专业人士，《光影塑形：数字视频剪辑实践指南》都将是你手中不可或缺的工具书，帮助你解锁数字叙事的无限可能。

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这本书的取向似乎完全偏向于理论的深思熟虑，书名叫《光影的哲学与影像的编码》，内容非常学术化，让我这个实践者读起来有点吃力，但收获是巨大的。它花了大量的篇幅去探讨“运动的本质”在媒介呈现中的意义，甚至引用了大量的哲学和心理学理论来解释为什么某些镜头运动能引发特定的心理反应。对于非线性编辑这个概念，它没有直接教你软件功能，而是将其视为一种打破传统线性叙事结构的哲学工具。书中对“时间感”在不同文化背景下的差异分析尤为精彩，让我开始重新审视自己过去依赖的西方叙事模式。虽然书中的术语可能需要反复查阅才能完全理解，但我认为它提供了一种宏观的视角，帮助从业者跳出技术泥潭，去思考我们到底在用影像向世界传递什么信息，以及这些信息是如何被观众“解码”的。这是一本需要沉下心来，慢慢品味的著作。

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我刚看完一本关于“未来媒体技术融合趋势”的书籍，名叫《赛博空间中的叙事重塑》。坦白说，这本书的实际操作指导性几乎为零，它更像是一份面向未来的行业白皮书。重点完全放在了沉浸式技术（如VR/AR/MR）如何颠覆现有的内容生产和分发模式上。书中详细分析了三维空间音频设计在构建沉浸感中的核心作用，以及如何使用游戏引擎（比如Unity或Unreal）作为主要的“剪辑环境”来构建交互式叙事体验。我特别喜欢作者对于“用户即作者”这一概念的探讨，以及随之而来的版权和伦理挑战。如果你期望学到怎么拖拽素材或调整关键帧，这本书肯定会让你失望。但如果你是想了解未来五年内，我们的工作流程和创作载体可能发生哪些颠覆性的变化，这本书提供了极其前瞻和令人兴奋的蓝图。

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这本书，名为《低成本独立电影制作的极限生存手册》，可以说是为预算紧张的创作者量身定做的实战宝典。它几乎没有涉及任何高大上的后期特效，而是聚焦于如何用最有限的资源，最大限度地提升影片的“质感”。内容从如何利用自然光进行电影级布光，到如何巧妙地运用现场同期声录制技巧以避免后期配音的巨大开销，都写得极其详尽。关于剪辑部分，它强调的是“精准与克制”，如何通过高效的素材管理和快速决策来节省时间成本。这本书的语气非常接地气，充满了“过来人”的经验总结，很多都是我以前在网上摸索很久才明白的道理，它都用清晰的步骤总结出来了。对于刚起步、资源有限的青年导演和后期制作者来说，这本书的价值无可估量，它教会你如何“变不可能为可能”。

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我最近读了一本关于“跨媒介内容整合与IP运作”的专著，书名似乎是《数字生态下的故事宇宙构建》。这本书的重点完全不在于单一影片的制作技术，而是如何将一个核心故事概念，转化为可以在不同平台（从短视频到互动游戏，再到传统长篇叙事）上持续变现和扩展的内容矩阵。它对内容资产的管理和叙事时间线的规划要求极高，需要创作者具备全局观。书中详细剖析了不同平台的受众偏好和内容消费习惯，并提供了将核心叙事锚点固化，同时允许分支叙事灵活发展的策略。对我最大的启发是它强调了“非线性”在IP运营层面的含义——即用户可以在任意节点进入故事，并以不同的路径体验故事的核心。如果你想知道如何把一个好的点子打造成一个持续发展的商业故事生态系统，这本书提供了非常宏大且系统的操作框架。

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天哪，我最近淘到了一本关于数字媒体制作的书，名字叫《多维影像构筑指南》，简直是打开了我对后期制作的新世界大门！这本书内容非常扎实，不像有些教材那样只停留在软件操作的表面，它深入探讨了色彩科学在数字影像中的应用，从色彩空间理论到校正技巧，讲得既专业又易懂。我尤其欣赏它对“视觉叙事”的阐述，作者用了很多实际案例来解析如何通过剪辑节奏、景别转换和声音设计来塑造观众的情感体验。特别是关于动态图形（Motion Graphics）的那一章，简直是宝藏，它没有简单罗列插件的使用方法，而是教你如何从动画原理出发去设计有冲击力的视觉元素。我感觉读完这本书，我不再是只会按按钮的“操作员”，而是真正理解了如何用影像去“说话”的创作者了。它对各种专业格式和工作流程的梳理也非常清晰，让我在面对大型项目时心里有底多了，强烈推荐给所有想从基础进阶到精通的视频从业者和爱好者。

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