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出版者:黃山書社

作者:俞為民

出品人:

页数:975

译者:

出版时间:2008年10月

价格:120.00元

装帧:精装

isbn号码:9787807079774

丛书系列:历代曲话汇编

图书标签:

• 戏曲
• 昆曲
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• 文学批评
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• 曲学
• 剧作

好的，这是一份为您撰写的图书简介，内容聚焦于其他领域，且字数约1500字： --- 《江山如画：中国山水画的千年流变与审美嬗变》 图书简介 本书旨在以宏大叙事与精微分析相结合的方式，梳理中国山水画自魏晋肇始，历经唐、五代、宋、元、明、清乃至近现代的漫长发展脉络，深入剖析其在不同历史阶段的艺术特征、思想内涵及其与时代精神的深刻互动。本书不仅是一部艺术史的梳理，更是一部以笔墨丹青映照中华文明演进的文化史诗。 第一章：萌芽与初成——魏晋南北朝的山水初醒 山水画并非一蹴而就，其渊源可追溯至先秦的“图画”观念。然而，真正将自然山水提升至独立艺术地位的，则是在魏晋玄学思潮高涨的背景下。本章详细探讨了形神论对山水画创作的指导意义，重点分析了顾恺之“移情入景”的初期尝试，以及宗炳“卧游”思想的哲学基础。这一时期，山水画仍多依附于人物画或宫室画的背景，但其“可行、可望、可游、可居”的审美旨趣已悄然奠定。我们审视了早期壁画与墓室画中自然意象的象征意义，考察了山水画从“写形”向“写意”转化的最初萌动。 第二章：格局的奠定——唐代的青绿与水墨之辨 唐代国力的强盛与文化自信，为山水画的成熟提供了沃土。本章聚焦于两大并行的发展脉络：以李思训、李昭道为代表的“金碧山水”的辉煌与精工，以及对后世影响更为深远的“水墨山水”的先声。我们详细剖析了王维“诗中有画，画中有诗”的禅宗美学与水墨技法的结合，阐释了水墨笔法如何在唐代突破了对色彩的依赖，开始追求笔墨自身的表现力。通过对敦煌壁画中自然景物的研究，我们揭示了唐代山水画在构图上对“全景式”布局的探索，以及在空间处理上对“三远法”（高远、深远、平远）的初步运用。 第三章：高峰与多元——五代至两宋的巅峰气象 宋代是中国山水画的黄金时代。本章分为上下两大部分。上半部聚焦于五代及北宋初期，重点研究了荆浩、关仝、李成、范宽等“北派”巨匠，如何以雄伟、博大、崇高的气势，塑造出北方山川的巍峨景象。范宽《溪山行旅图》的震撼力被置于时代精神的宏大背景下进行解读，探讨了“可行可游”如何升华为“可观可畏”的宇宙观。 下半部则转向南宋的“南派”山水。以马远、夏圭为代表的“院体”画派，则以其简洁、留白和意境的营造，体现了“一角”、“半边”的构图哲学。本章深入探讨了南宋士人对自然观的转变，从北宋对盛世气象的赞颂，转向对个体心灵栖居地的追寻。同时，我们并未忽略对李唐一脉的梳理，探究了院体画如何平衡学院的规范与文人的写意倾向。 第四章：抒情与意趣——元代的文人画精神 元代，在异族统治的背景下，山水画彻底完成了从“专业画家”向“文人自娱”的身份转变。本章的核心在于阐释“士气”如何超越“画格”成为评价山水画的最高标准。我们详细分析了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术主张及其笔墨语言的差异：黄公望的“平淡天真”，倪瓒的“逸笔衰笔”，如何共同构建了文人山水的核心范式。特别是对倪瓒“折笔”和“干笔”的研究，揭示了其笔墨中蕴含的孤高清高与对现实的疏离态度。 第五章：法度与变化——明代的复古与创新交织 明代山水画呈现出复杂而多元的格局。本章首先考察了“浙派”对早期宋代宏大格局的继承与程式化，随后将重点放在对“文人画”正统地位的巩固上。我们深入分析了董其昌的“南北宗论”及其对中国山水画史的再构建，探讨了董氏如何通过“有我之境”来指导后学的创作。同时，本书也关注了晚明时期，以徐渭、陈淳为代表的“写意花鸟画”对山水笔墨的渗透与革新，以及“松江派”的兴起对笔墨语言的进一步探索。 第六章：集大成与分流——清代山水画的古典回响与现代转折 清代山水画表现出强烈的“复古”情结，以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的宫廷主流，致力于将前代大师的笔墨经验系统化、集大成化。本章详细剖析了“临仿”的内涵，探讨了王原祁如何将董其昌的“墨戏”推向极致，形成“笔墨当随时代”之外的古典主义高峰。 然而，历史的车轮从未停歇。本章的后半部分，将笔触转向对清代中晚期以“四僧”（弘仁、朱耷、石涛、髡残）为代表的革新力量。特别是对石涛“一画论”和“搜尽奇峰打草稿”的深入解读，揭示了他们如何在新山水秩序中注入强烈的个性化表达和对笔墨极限的探索，为近代山水画的变革埋下了伏笔。 第七章：跨越与重塑——近现代山水画的应变与新生 进入近现代，中国社会经历了翻天覆地的变化，这直接冲击了传统文人画的生存根基。本章探讨了在西方现代思潮涌入的背景下，山水画家如何应对“古今之变”。我们考察了诸如齐白石、张大千、傅抱石等大师，在坚守传统笔墨精神的同时，如何吸收西方透视学、色彩学乃至现代构成理念，实现山水画的“写生”与“写意”的再结合。本书最后将聚焦于当代山水画对传统语言的继承、转化与超越，展望其在全球化语境下的未来走向。 结语：笔墨的永恒对话 本书最终落脚于对中国山水画核心价值的再确认：它不仅是关于自然景观的描摹，更是中国士人精神气质、宇宙观、生命哲学的载体。每一笔墨、每一块皴擦，都是古人与自然、与自我、与后世进行的一场永恒对话。 ---

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对我个人而言，这本书最大的价值在于它提供了一种研究传统文化的新视角——即“从声音到历史”的反向溯源。我过去接触到的曲艺史往往侧重于文本的流传与理论的构建，而这本书却非常注重“口头传统”和“现场体验”在历史进程中的决定性作用。书中大量引用的关于民间艺人表演技巧、观众反响、乃至戏班运作的琐碎记录，让我意识到，构成一部完整的“曲话”，绝不仅仅是帝王将相或士大夫的雅致吟咏，更是千千万万艺人汗水与市井烟火气的结晶。这些细节的捕捉，成功地将宏大的历史叙事拉回到了具体的人与艺术的互动之中。它让我开始重新审视“经典”的形成过程，明白那些流传下来的经典曲目，背后是无数次舞台上的磨砺与台下听众的筛选。这本书对我产生了深远的影响，它激发了我对非物质文化遗产保护与传承的更深层次的关注，让我意识到，真正的历史，往往藏在那些看似不起眼的“话语”和“表演”之中。

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这本书的编排结构，展现了一种清晰而又灵活的逻辑脉络。它并非简单地按照时间线性推进，而是采用了主题交叉、地域对比相结合的方式，使得不同时期、不同地域的曲艺形式得以在一个更广阔的文化语境下被审视和比较。例如，在探讨南戏的发展时，它会穿插引用北方文人的评论，这种跨区域的对话性，揭示了文化交流的复杂性与互动性。此外，书中对“曲目”本身的分析，也超越了简单的文本解读，而是深入到了其背后的社会功能和审美价值。对于一些失传或罕见的曲谱或剧本片段的引用和注释，更是体现了编者深厚的文献功底。这种跳出单一维度的编排方式，使得读者在阅读时，能够不断地进行横向和纵向的联系，构建起一个更加立体、更具层次感的知识网络，而不是被单一的线性叙事所局限。这种结构上的巧思，无疑是大大提升了这本书的学术价值和可读性。

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这本书的装帧设计颇具匠心，硬壳封面采用了一种低调的墨绿色，触感温润而沉稳，封面上烫金的书名“历代曲话汇编”显得古朴典雅，与内容本身的厚重感相得益彰。打开书页，纸张的选择也十分考究，略带米黄的色泽有效缓解了长时间阅读带来的视觉疲劳，字迹清晰锐利，排版疏朗有致，让人在翻阅时有一种近乎仪式感的愉悦。尤其是那些引用的古典文献片段，或用宋体，或用仿宋体加以区分，这种细微的排版处理，体现了编者对阅读体验的重视。不过，对于某些习惯了轻薄纸张和更大开本的现代读者来说，这本书的厚重感或许会带来一些携带上的不便。尽管如此，当你静下心来，沉浸在这字里行间时，你会觉得这种沉甸甸的质感，恰恰是承载着历史重量的最好体现，它不仅仅是一册书，更像是一件值得珍藏的工艺品，让人愿意花时间去细细品味，而不是囫囵吞枣。从购买到捧读，这套书已经在我书架上占据了一个显眼的位置，每次拂过它，都能感受到那股穿越时空的文化气息。

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阅读完这本书后，我最大的感受是其内容之浩瀚与选材之精妙。它仿佛是一部将中国戏曲发展史的脉络，用无数生动的“话语”片段串联起来的宏大画卷。作者（或编者）在选取材料时，显然是秉持着一种兼收并蓄的大家气度，既不偏废任何一个重要的历史时期或流派，又能精准地捕捉到那些被主流叙事所忽略的边缘声音。我尤其欣赏其中关于元杂剧在民间传播的细节描述，那些关于市井百姓对“关目”的反应、伶人在茶肆酒楼中的即兴表演片段，被还原得栩栩如生，极大地丰富了我对那个时代戏剧生态的认知。它没有用过于学术化的语言进行僵硬的论断，而是通过大量的第一手资料和文人笔记，构建了一个多层次、立体化的曲艺世界。这种“以小见大”的叙事策略，使得即便是对戏曲史不甚了解的读者，也能轻松地跟进作者的思路，感受到历史的温度和艺术的活力。书中的许多考证功夫，令人叹服，显然是耗费了大量的心血和时间去核对、梳理的。

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从语言风格上来说，这本书的行文流畅度是令人称道的。它似乎成功地在严谨的学术考据与轻松的叙事笔调之间找到了一种奇妙的平衡。很多段落的论述，读起来如同老友间的娓娓道来，充满了对传统艺术的深厚感情和独到的见解。举例来说，在分析某个特定时期唱腔风格演变时，作者没有采用生硬的术语堆砌，而是引用了古代乐评中那些充满画面感的描述，比如“清越如莺啼”、“沉郁如钟鼓”，一下子就将抽象的听觉体验转化为具象的感知。这种充满文学性的表达，极大地提升了阅读的趣味性，也让那些看似枯燥的理论分析变得生动活泼。然而，这种风格有时也带来一丝不确定性，比如在某些关键概念的界定时，偶尔会出现多重解释并存的现象，虽然这体现了观点的开放性，但对于追求确定性结论的读者来说，可能需要多花一些心思去辨析。总的来说，这本书的语言是富有魅力的，它让“史料”褪去了尘封的外衣，展现出鲜活的生命力。

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