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出版者:Editions Gallimard

作者:Jean Anouilh

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2007-10-18

价格:EUR 138.00

装帧:Broché

isbn号码:9782070118946

丛书系列:

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《Théâtre》：跨越时空的戏剧之旅 《Théâtre》并非一本寻常的戏剧选集，它是一次深入探究人类情感、社会百态与存在意义的宏大叙事。本书以一种独特而引人入胜的方式，带领读者踏上一段跨越时代、文化和风格的戏剧之旅。它所呈现的，不只是剧本的文字，更是潜藏在字里行间的生命力、思想的碰撞以及对人性的深刻洞察。 第一幕：古老的共鸣——希腊悲剧与罗马喜剧的遗产 《Théâtre》的开端，将我们带回戏剧的摇篮——古希腊。在这里，命运的残酷、神祇的干预以及英雄的挣扎，通过埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯的作品，以最原始、最震撼的方式呈现在读者面前。我们将在《俄狄浦斯王》中感受宿命的无情，在《美狄亚》中体味被背叛的烈焰，在《安提戈涅》中思考法律与良知的冲突。这些故事，即便历经千年，依然 resonating，触及我们内心最深处的恐惧与敬畏。 紧接着，罗马喜剧的幽默与讽刺，如同一股清流，为本书增添了另一番色彩。普劳图斯和泰伦提乌斯笔下的人物，生活琐碎，市井气息浓厚，他们的爱恨情仇、鸡毛蒜皮，以夸张而智慧的方式呈现，映照出人性的普遍弱点和社会的荒诞。从滑稽的奴隶到自作聪明的骗子，从刻薄的老者到轻浮的青年，这些角色在嬉笑怒骂中，让我们看到古罗马社会的一角，也让我们看到自身的身影。 《Théâtre》在这一部分，不仅仅是呈现文本，更试图还原那个时代的戏剧氛围。通过对古希腊圆形剧场的想象，对罗马演出场景的描绘，让读者仿佛置身其中，感受演员们激昂的台词，感受观众们的情感起伏。作者在这些古典作品的解读中，着重于挖掘其普适性，解释为何这些两千多年前的故事，依旧能引发我们今天的共鸣。从对神谕的敬畏到对权力腐败的嘲讽，从对家庭关系的审视到对个人命运的反思，这些古老的戏剧，早已为我们留下了宝贵的情感财富和思想基因。 第二幕：中世纪的寓言与文艺复兴的觉醒 随着历史的脚步，《Théâtre》继续前行，进入中世纪的黑暗与光明。这一时期的戏剧，更多地与宗教仪式和道德教化相关。《每一幕的奇迹剧》（Mystery Plays）和《每一幕的道德剧》（Morality Plays）以通俗易懂的方式，讲述圣经故事，探讨善恶的斗争。在这些寓言式的戏剧中，我们看到了信仰的力量，也看到了人性的脆弱。死亡、审判、天堂与地狱的概念，在中世纪戏剧中被反复强调，深刻地影响着当时的社会思想。 然而，黑暗终将过去，黎明将至。文艺复兴的曙光，为欧洲带来了思想的解放和艺术的繁荣。《Théâtre》在这一时期，聚焦于文学巨匠莎士比亚。他的十四行诗和十四部戏剧，如同一座巍峨的山峰，矗立在戏剧史的长河中。从《哈姆雷特》的“生存还是毁灭”的哲学叩问，到《罗密欧与朱丽叶》的炽热爱情与悲剧命运，从《麦克白》的权力欲望与罪恶感，到《李尔王》的父女情深与疯狂的失落，《Théâtre》深入分析莎翁作品中复杂的人物心理、精妙的语言艺术以及对人性的深刻描摹。 这一部分的介绍，并非简单的剧情梗概，而是侧重于揭示莎士比亚作品的经典之处。作者会分析他如何创造出如此鲜活、立体的人物，如何运用诗意的语言构建宏大的叙事，以及他笔下的冲突如何触及人类永恒的主题。同时，也会探讨文艺复兴时期人文主义思潮如何影响了戏剧的发展，使得戏剧的关注点从神转向人，从来世转向现世。在中世纪的寓言与文艺复兴的觉醒之间，《Théâtre》展现了戏剧从宗教工具向独立艺术形式的转变过程，以及人类思想解放的深刻印记。 第三幕：走向现实——17世纪的古典主义与18世纪的启蒙 进入17世纪，法国古典主义戏剧以其严谨的结构、崇高的风格和理性的精神，在欧洲舞台上占据了重要地位。《Théâtre》将重点介绍高乃依和拉辛的作品。他们的戏剧，往往以古代神话和历史为题材，强调理性战胜情感，义务高于个人欲望。在《熙德》中，我们看到爱情与荣誉的痛苦抉择；在《费德尔》中，我们体验被禁忌情感吞噬的绝望。古典主义戏剧的严谨与力量，在于其对人性弱点的深刻剖析，以及对道德准则的坚定捍卫。 随之而来的18世纪，是启蒙运动的时代，理性与进步的思想席卷欧洲。《Théâtre》将呈现这一时期的喜剧，如莫里哀的讽刺喜剧，以其犀利而幽默的笔触，揭露社会虚伪、愚昧和贪婪。他的作品，如《伪君子》和《唐璜》，以其尖锐的批判精神，挑战当时的社会习俗和道德观念，鼓励观众独立思考，追求真理。 在这一部分，《Théâtre》不仅呈现文本，更会探讨这些戏剧所处的社会背景。17世纪法国宫廷的政治氛围，18世纪启蒙思想家对社会改革的呼吁，都深刻地影响了这些戏剧的创作。作者会分析古典主义戏剧为何强调“三一律”（时间、地点、行动的统一），以及为何启蒙时代的喜剧更注重社会讽刺和教育意义。从对理性与情感的辩证思考，到对社会弊病的无情揭露，《Théâtre》展现了戏剧如何成为社会反思的棱镜，以及如何引导观众走向更理性、更进步的思考。 第四幕：变革与革新——19世纪的浪漫主义与现实主义 19世纪是戏剧史上一个充满变革与革新的时期。《Théâtre》将首先引领读者进入浪漫主义的波澜壮阔。维克多·雨果等人的作品，打破了古典主义的束缚，强调情感的奔放、个性的张扬以及对自由的追求。他们的戏剧，充满了宏大的场面、激烈的冲突和跌宕起伏的情节，展现了人类丰富的情感世界和对崇高理想的向往。 随后，《Théâtre》将目光转向更加贴近现实的现实主义戏剧。易卜生、契诃夫等人的作品，以其细腻的观察、深刻的心理描写和对社会问题的关注，彻底改变了戏剧的面貌。易卜生的《玩偶之家》揭示了女性在传统家庭中的压抑与反抗，契诃夫的《樱桃园》则以其淡淡的忧伤，描绘了旧时代没落的贵族和新时代来临的迷茫。《三姐妹》中人物的渴望与无奈，《海鸥》中艺术家们的理想与现实的碰撞，《万尼亚舅舅》中的生命虚耗与追悔莫及，都以极其真实和深刻的方式，触及了现代人的内心。 在这一部分，《Théâtre》会详细阐述现实主义戏剧为何被称为“镜子”。它如何精准地捕捉现实生活中的细节，如何深入挖掘人物内心的矛盾与挣扎，以及如何通过对日常生活场景的真实还原，引发观众对自身处境的思考。作者也会探讨浪漫主义与现实主义之间的张力与联系，以及19世纪社会变迁、工业革命等因素如何催生了这些新的戏剧思潮。从对情感的极致表达，到对现实的冷静审视，《Théâtre》展现了戏剧如何越来越深入地介入社会生活，成为反思时代、体察人性的重要载体。 第五幕：现代的探索——20世纪至今的先锋与多元 进入20世纪，《Théâtre》将带领读者进入一个更加多元、更具探索性的戏剧世界。荒诞派戏剧如贝克特和尤内斯库的作品，以其非理性、象征性和对语言的颠覆，深刻地反映了现代人面对存在困境的迷茫与无助。在《等待戈多》中，我们看到了生命的虚无与徒劳；在《秃头歌女》中，语言的意义被消解，沟通成为一种荒谬的仪式。 同时，《Théâtre》也会关注其他各种流派的戏剧。如表现主义对内心世界的强烈外化，史诗剧对历史与政治的宏大叙事，以及后现代戏剧对传统叙事结构的解构与重组。从布莱希特的“间离效果”到彼得·布鲁克的“极简舞台”，从实验剧场到音乐剧、肢体剧，20世纪至今的戏剧，呈现出前所未有的多样性和生命力。 在这一部分的介绍中，《Théâtre》将强调20世纪戏剧对传统观念的挑战和对新表达方式的追求。作者会分析这些戏剧作品为何会如此“怪诞”，它们如何反映两次世界大战、科技发展以及社会思潮的剧烈变化。同时，也会探讨不同文化背景下的戏剧创作，以及戏剧如何不断吸收其他艺术形式的养分，拓展自身的边界。从对存在意义的终极追问，到对艺术形式的无限创新，《Théâtre》展现了当代戏剧的活力与前沿性，以及它如何持续地挑战我们的认知，引发我们对世界和自身的深刻反思。 尾声：剧场的魅力与永恒的对话 《Théâtre》的旅程并非终结于此。本书的最后部分，将是对戏剧艺术本身魅力的总结与升华。它探讨了戏剧作为一种独特的艺术形式，如何通过语言、表演、空间和观众的共同参与，创造出一种即时而不可复制的体验。它分析了戏剧在社会文化发展中的作用，它如何塑造价值观、传递思想、引发共鸣，并成为连接过去、现在与未来的桥梁。 《Théâtre》以其详实的介绍、深刻的分析和引人入胜的叙述，为读者提供了一个认识戏剧艺术的全面视角。它不仅仅是一本关于戏剧的书，更是一次关于人类情感、思想和社会演变的深刻探索。无论你是戏剧的初学者，还是资深的爱好者，这本书都将带给你宝贵的启示和无尽的思考。它邀请你走进剧场的殿堂，感受那份跨越时空的魅力，参与那场永恒的对话。

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我必须坦诚，这本书的装帧和排版给我带来了极大的困扰，这直接影响了我的阅读体验，也让我对它最终想要传达的信息产生了疑问。整体设计显得杂乱无章，字体和行距的变化毫无规律可言，某些章节的段落被强行拉伸，仿佛是故意在挑战读者的耐心极限。如果说作者的意图是想通过这种视觉上的“混乱”来呼应其文本中探讨的“解构主义”主题，那么他无疑是成功了，但这种成功是以牺牲可读性为代价的。特别是当作者开始大段引用多语种的原文时，翻译和注释部分的处理也显得仓促和随意，经常出现术语不一致的情况。这让我怀疑，这本书在出版过程中是否经过了足够细致的校对。尽管如此，书中某些核心的观点仍然光芒四射。例如，作者对“观众期待的坍塌”这一概念的阐述，他认为现代戏剧的终极目标不是提供共鸣，而是制造一种结构性的、无法弥合的疏离感。这个观点非常深刻，它迫使我反思自己观看戏剧时潜意识中寻找的“意义”是否本身就是一种束缚。尽管阅读过程曲折，但那些闪现出的真知灼见，还是让人愿意忍受那些排版上的“噪音”。

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这本书最让我感到惊喜的是它的“非主流”视角。我原本以为它会聚焦于那些我们耳熟能详的经典剧作家，比如莫里哀或者易卜生，但出乎意料的是，作者将大量的篇幅放在了那些在主流戏剧史上几乎被抹去的边缘人物身上。他花了近两百页的篇幅，细致地考证了一位十九世纪末布鲁塞尔的先锋派导演，探讨了他如何利用非专业演员和自制的“反美学”道具来挑战当时资产阶级的审美底线。这种挖掘被遗忘者的热情，本身就具有一种强烈的颠覆性。作者的写作风格在这里变得非常具有批判性和攻击性，他毫不留情地抨击了学院派对“纯粹艺术”的僵化定义，字里行间充满了对传统权威的蔑视。阅读这些内容时，我感觉自己仿佛置身于一个地下沙龙，与那些敢于挑战禁忌的艺术家们并肩作战。书中引用了大量的私人信件和当时报纸上的尖酸评论，这些一手资料的运用使得论证具有了极强的说服力，也让那些逝去的“叛逆者”的形象变得鲜活起来。对于任何一个对戏剧史抱有怀疑态度，渴望看到幕后真相的读者来说，这本书无疑是一剂强效的兴奋剂。

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这是一部令人感到“兴奋而疲惫”的作品。它的叙事结构本身就像一个复杂的三幕剧，第一部分是对传统戏剧形式的温柔回顾，充满了怀旧的色彩；第二部分则急转直下，充满了实验性，大量使用了碎片化、非线性的叙事手法，试图模仿现代主义文学的破碎感；而收尾的第三部分，却出人意料地转向了一种近乎于对未来剧场的预言，那种乐观主义的色彩让我有些措手不及。作者的笔锋变化之快，就像一个技艺高超的演员在不同角色间瞬间切换，他的情绪感染力极强。当我读到他对“虚拟现实技术对演员主体性”影响的探讨时，我甚至产生了一种错觉，仿佛这本书并非是一部回顾历史的著作，而是一部面向未来的蓝图。这本书的博学程度令人惊叹，它横跨了从古希腊悲剧到当代数字艺术的广阔领域，每一个论点都有坚实的理论基础支撑。读完合上书本的那一刻，我的脑海里不再是清晰的剧情或人物，而是一种混合了历史的重量感、理论的冲击感和对未知艺术形式的无限憧憬。这是一次智力上的远征，虽然筋疲力尽，但收获的远比预期的要丰富得多。

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这本厚重的精装书，拿到手时就有一种沉甸甸的历史感，封面设计极其简约，黑底白字，书名用一种略显陈旧的衬线体印着，仿佛是从某个久远的阁楼里偶然翻出来的孤本。我原以为这会是一部专注于某个特定历史时期的戏剧研究，毕竟“Théâtre”这个词汇本身就带着一种古典的庄重感。然而，当我翻开扉页，进入正文的那一刻，我的预设便被彻底颠覆了。作者的笔触并非那种学术论文式的枯燥分析，而更像是一位饱经风霜的剧评人，带着一种近乎偏执的热情，穿梭于各个年代的舞台光影之间。他没有试图构建一个宏大的、线性的戏剧史框架，而是选择了一条极其个人化的路径，聚焦于那些“被遗忘的瞬间”——可能是某位二流演员在谢幕时一个不经意的鞠躬，或者是某场革命性剧作首演时观众席上传来的低语。他对舞台灯光、布景设计、甚至是幕布材质的描述都细致入微，让人仿佛能闻到旧剧院里特有的灰尘与汗水的混合气味。尤其让我印象深刻的是他对“空白”的运用，他似乎更热衷于探讨舞台上“没有发生”的事情，那些被删减的剧本片段，那些在排练中被否决的激进构想。这种叙事策略，使得阅读体验充满了探索的乐趣，但也要求读者对戏剧史有一定的背景知识，否则很容易在那些引用的专业术语中迷失方向。这本书更像是一份邀请函，邀请你去重新审视你以为已经熟知的剧作，用一种更具人性和情感深度的视角去解读那些被经典光环掩盖下的幕后挣扎与创造的火花。

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说实话，拿到这本书的时候，我有点被它的内容“劝退”了。它不像我通常阅读的文学作品那样，有清晰的故事线或明确的主题导向。这本书更像是某种炼金术士的笔记，充满了晦涩难懂的符号和跳跃极大的章节衔接。我花了整整一周的时间，才勉强适应了作者那种近乎意识流的写作节奏。他似乎在用一种诗化的语言来解构“表演”这个行为本身，探讨的不再是剧本的文学价值，而是身体与空间、声音与寂静之间的复杂关系。书中有一部分专门分析了默剧演员的手势学，那段描述极其迷人，每一个指尖的微小动作都被赋予了深层的哲学含义，远超出了简单的肢体语言范畴。作者的理论体系非常庞大，他似乎试图建立一套全新的“存在主义美学”来统摄所有的舞台艺术，这使得阅读过程充满了智力上的挑战。我经常需要停下来，翻阅随书附带的词汇表，或者在网络上搜索那些被反复提及的、晦涩的欧洲哲学概念。这绝不是一本可以轻松消遣的书，它要求你投入全部的注意力，甚至需要你带上批判性的思维去审视作者提出的那些看似荒谬的论断。但一旦你适应了这种阅读的“密度”，你会发现它打开了一个全新的感官世界，你会开始用一种全新的方式去观察身边的人与环境的互动。

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