扬琴自学入门与提高 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:蓝天

作者:刘月宁

出品人:

页数:170

译者:

出版时间:2009-5

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787509401903

丛书系列:

图书标签:

• 扬琴
• 民族乐器
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敦煌遗韵：丝路古乐的探秘与传承 本书将带领读者穿越历史的尘烟，深入探寻丝绸之路上那些早已消逝或鲜为人知的古老乐器及其音乐文化。这不是一本关于现代乐器演奏技巧的指南，而是一部聚焦于音乐考古、文化人类学与乐器形制演变的学术性著作。我们将重点考察那些在古代敦煌壁画、文献记载以及中亚、西亚地区考古发现中出现的、与今天乐器体系迥异的弦鸣、管鸣及打击乐器。 第一章：丝路东段的失落之音——敦煌壁画中的乐器密码 敦煌莫高窟，作为古代丝绸之路上的文化交汇点，留下了海量的壁画艺术。本章将从艺术史和乐器形制的角度，系统梳理壁画中描绘的各类乐器。我们将细致分辨那些与现存古谱和乐器实物难以对应的新发现，例如壁画中出现的造型奇特的“箜篌”变体、“琵琶”的前身（如曲项琵琶的早期形态），以及那些仅在壁画中闪现、缺乏实物佐证的打击乐器组合。 1.1 膜拜与演奏：供养乐舞场景的深度解读：分析不同时期壁画中对乐器演奏姿态的描绘，推断其可能发出的音色特征和在仪式中的作用。 1.2 “筚篥”的异形：管乐器的地区性演化：探讨在敦煌地区，受中亚和印度音乐影响，筚篥等双簧管乐器如何呈现出不同于中原定型乐器的构造和音阶体系。 1.3 弦乐的谱系迷雾：重点关注那些被模糊地归类为“弹拨”或“揉弦”的乐器，尝试根据其造型（如音箱形状、弦数、拨片特征）推测其可能使用的指法和调弦方式，并与同时期波斯、健陀罗地区的乐器进行横向对比。 第二章：中亚腹地的和声遗产——粟特、嚳 সমর乐舞研究 本书将目光投向丝绸之路的中段核心区域——今日的中亚草原与绿洲国家。本章基于有限的文献记录和考古发现，重构粟特、康居等古代政权宫廷及民间音乐的样貌。 2.1 史籍中的“龟兹乐”与“胡旋舞”：对《旧唐书》、《新唐书》中关于西域进献乐舞的记载进行文本细读，重点剖析其中提及的特定乐器，如“毛毡鼓”、“琉璃盏”等，并结合现代考古发现的陶制乐器模型进行推测性复原分析。 2.2 萨珊王朝与印度的音乐影响：探讨萨珊王朝（波斯）的音乐对河中地区的影响，特别是对那些使用弓弦演奏（如现代中提琴的前身）的乐器的发展脉络。我们不会涉及现代的二胡或中提琴，而是聚焦于它们在公元5至9世纪的形态。 2.3 节奏的脉动：古代打击乐器的功能与构造：研究中亚鼓类乐器，如“鼍鼓”在不同仪式中的应用，并尝试描述其可能演奏的复杂节奏型，这与后世唐宋燕乐中的简单定拍鼓点有着显著的区别。 第三章：西域的音响重构——基于古籍的音高与调式推测 音乐的本质在于声音，而古代乐器的音高体系往往与现代标准存在巨大差异。本章将侧重于对古代音律理论和文献记载的音高描述进行艰深的学术性解读，而非教授任何现代乐理知识。 3.1 《太古遗音》与“黄钟”的位移：分析古代乐律文献中对标准音（如黄钟）的定义和其在不同朝代的微小漂移，这种漂移如何影响了整个乐器的定弦标准。 3.2 西域调式的“七声”与“五声”之辩：探讨龟兹、疏勒等地传入的调式结构，它们如何打破中原传统的五声结构，引入更多的半音或特定的四分音程，并分析这些调式对后世七声体系的影响。 3.3 缺乏实物的“定音”尝试：通过对古人描述的“清、微、淡、远”等音色词汇，结合现代声学模型，对那些没有实物留存的乐器（如某些形制的编钟或磬）进行理论上的音高范围推测。 第四章：乐器形制：从实用到仪典的嬗变 本章将关注乐器从其最初的实用功能（如狩猎、祭祀）演变为宫廷仪典乐器的过程，重点分析其结构上的变化。 4.1 琴与瑟的谱系分化：探讨早期的“琴”与“瑟”在形制上如何与后世的古琴、古瑟产生显著差异，例如琴体厚度、弦材（丝弦、麻弦）的选择对音色衰减的影响。 4.2 匏与竹：气鸣乐器的材料科学：研究古代笛、箫等管乐器中，不同竹材、匏材（葫芦）对横膈膜（吹孔边缘）音准稳定性的影响，以及它们在干燥气候下的保存与使用限制。 4.3 早期拨弦乐器的“共鸣箱”结构：对比唐代以前琵琶（曲项）与现代琵琶在共鸣箱的背板材质、音孔布局上的差异，分析这些差异如何决定了其音量的限制和音色的柔和程度。 本书旨在为音乐史研究者、文化遗产保护工作者，以及对古代文明交融感兴趣的严肃读者提供一个聚焦于“已逝音乐物证”的学术视角，内容完全侧重于历史文献考证、考古学分析和乐器形制对比，不涉及任何现代演奏技巧、曲目学习或入门指导。

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我必须得说，这本书在曲目选择和深度拓展上，完全超出了我对一本“入门与提高”书籍的预期。它并没有停留在基础的五声音阶或者简单的和弦分解上，而是很快地就引入了非常实用的演奏技巧的剖析。比如关于“轮竹”的讲解，这本书直接开辟了一个专门的章节，详细对比了传统滚奏和现代快速轮奏在音色、力度和节奏上的细微差别，并且给出了不同速度下的练习方案。我过去一直困惑于为什么自己的轮竹听起来“散”，看了这本书之后才明白，原来关键点在于两根竹子的触弦角度和力量分配。此外，它对于曲目风格的解析也做得非常到位。当你学习一首传统民间乐曲时，作者会深入挖掘这首曲子的地域文化背景、它的历史演变，甚至连演奏时应该带有怎样的情感基调都有所提及，这极大地提升了我对音乐的理解深度，不再是机械地敲打琴弦，而是真正地在“诉说”音乐。

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这本书的装帧设计，虽然是严肃的教材性质，却充满了对读者的尊重和关怀。纸张的质感非常好，即便是长时间在灯光下练习，也不会觉得刺眼。更重要的是，曲谱的排版清晰到了极致。很多乐谱的间距和符号的运用，会让眼睛感到疲劳，但这本书的字体和符号大小都经过了精心设计，视线在乐谱上移动时非常流畅。特别是对于那些涉及到复杂指法或者快速换把的段落，作者会用细小的注释或图示在旁边进行补充说明，避免了我们必须频繁翻页去查阅附录的麻烦。我以前学琴时，经常因为谱子看不清而感到沮丧，但这本书让我觉得，阅读和学习的过程本身也是一种享受，这让坚持练习的动力又足了几分，足见出版方在细节上是下了大功夫的。

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我是一个工作繁忙的成年人，时间碎片化是常态，所以对教材的“自学友好度”要求极高。这本《扬琴自学入门与提高》在这方面做得非常出色。它没有那种高高在上的理论灌输，而是将复杂的技巧拆解成可以独立完成的小模块。比如，对于“颤音”的练习，它提供了从最慢速、最稳定的练习，到逐渐加入加速和力度变化的渐进步骤，每个步骤之间都有明确的“目标达成标准”，让我能清楚地知道自己是否掌握了这一课。这种模块化的学习结构，让我在只有半小时空闲的时候，也能高效地完成一个小目标，而不会因为进度太慢而感到气馁。它仿佛有一套内置的“进度监测系统”，时刻为你调整学习的节奏，这对于依靠毅力自学的我来说，是至关重要的支撑。

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这本书的编排实在太让人惊喜了，从拿到手开始，我就感觉这不像一本单纯的教材，更像是一位经验丰富的老师在手把手地教你。首先，它对于扬琴的基本构造和持弓方法的讲解，简直细致到了毫米之间。很多入门书籍往往一笔带过，导致初学者在最初的几个月里姿势都不对，后面想纠正就非常困难。但这本书里，光是“如何正确地握弓”这一节，就配了不下五六张高清的分解图，并且用非常形象的比喻来描述手部的肌肉状态，比如“像握着一颗鸡蛋，既不能太紧也不能太松”。更让我感动的是，它对音阶的练习安排，简直是魔鬼式的科学。它不是简单地让你从C大调开始拉，而是巧妙地融入了节奏的变奏和力度的控制，让你在不知不觉中就把基本功练扎实了。我过去用别的教材时，总觉得枯燥乏味，但这本书的练习曲目选材非常巧妙，既有传统的韵味，又不失现代的活力，让人在练习的过程中充满了探索的乐趣，真的，光是这前期的基础训练，就已经值回票价了。

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这本书最大的亮点，在于它对“提高”阶段的认知是前瞻性的，而不是固步自封的。很多教材在教完基础技巧后，内容就变得空泛，要么是硬塞一些难度不匹配的练习曲，要么就要求读者去听课学习。但这本教材却非常务实地探讨了“如何形成自己的演奏风格”这个更深层次的问题。它专门划分了一部分内容来讨论不同流派（比如川派、苏派等）的音色特点，并且鼓励读者去模仿和吸收，最终找到适合自己的表现方式。这种开放性的引导，让我意识到扬琴演奏不是一个标准化的流程，而是一个个性化、不断进化的过程。它教会我的不仅是“怎么弹”，更是“为什么要这样弹”，这种思维上的引导，对于一个渴望突破瓶颈的自学者来说，简直是醍醐灌顶，让我对未来的学习方向更加明确了。

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