Materials and Structure of Music, Volume I pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Prentice Hall College Div

作者:William B. Christ

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1980-04

价格:USD 46.15

装帧:Hardcover

isbn号码:9780135604175

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 音乐结构
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• 和声学
• 作曲
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• 音乐史
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• 西方音乐
• 音乐学

《和声的建筑艺术：西方音乐理论基础探微》（The Architectural Art of Harmony: Probing the Foundations of Western Music Theory） 图书简介 本卷《和声的建筑艺术：西方音乐理论基础探微》是一部深入剖析西方音乐理论核心构建模块的专著。它旨在为严肃的音乐学习者、作曲家、音乐史研究者以及对声音结构怀有深厚好奇心的读者，提供一个清晰、系统且富有洞察力的理论框架。本书的核心关注点在于调性体系的建立、功能的演变以及横向（旋律）与纵向（和声）元素之间的动态平衡，这些是理解自巴洛克早期至浪漫主义晚期音乐语言的关键。 第一部分：音高与音程的几何学 本书首先回归到音乐的最基本单元——音高（pitch）及其相互关系——音程（interval）。我们摒弃纯粹基于物理学或生物学的描述，转而探讨音高在人类听觉感知和文化建构中的地位。 第一章：音高与调式（Modes）的起源与文化映射 本章细致考察了不同历史时期和文化背景下，音高选择的哲学基础。重点分析了古希腊音阶理论如何通过教会音乐（如格里高利圣咏）渗透并最终塑形了中世纪的教会调式系统。我们不仅仅罗列七个基本调式（Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aeolian, Ionian），更关键的是阐释了它们在情感色彩和特定功能上的早期区分，以及它们如何作为早期复调音乐（Organum）的基础骨架。讨论延伸至“调式”这一概念在文艺复兴早期向“大调/小调”过渡中的语境变化。 第二章：音程的认知与功能性 音程不再被视为简单的频率比值，而是被视为具有内在张力（Tension）与解决（Resolution）潜能的结构单元。本章深入分析了纯五度、三度以及三全音（Tritone）在音乐功能层面的不同“重量”。例如，纯五度如何提供稳定的基础感，而三全音如何成为驱动调性中心确立的内在不稳定因素。我们使用清晰的图表展示了音程在旋律进行和和弦堆叠中扮演的双重角色。 第二部分：和声的垂直逻辑与功能性分析 本书的核心部分聚焦于功能和声学的精细入微之处，即和弦是如何被组织起来形成具有明确方向感的“声音旅程”。 第三章：三和弦的构建与稳定形态 本章建立在对三和弦（Triad）的彻底理解之上。我们探讨了大三和弦与小三和弦在音响学和心理学上的基本差异，并详细阐述了原位和转位（Inversions）在低音进行中所带来的流畅性与和声色彩的变化。书中特别强调了“根音导向”（Root Movement）在确定和声语法中的决定性作用，超越了单纯的音级堆叠。 第四章：七和弦的引入与张力的生成 七和弦（Seventh Chords）的出现是西方和声发展史上的一个关键转折点。本章集中分析了属七和弦（Dominant Seventh）的不可替代性，它如何通过其内在的不协和音程（特别是三全音）主动要求“解决”到主和弦（Tonic），从而成为调性音乐的核心驱动力。此外，我们也探讨了次属七和弦（Secondary Dominants）和减七和弦（Diminished Seventh）在短期内“借用”其他调性色彩并制造戏剧性张力的技巧。 第五章：和声功能的三元结构 我们清晰地界定并深化了功能和声的“三元划分”：主和弦功能（Tonic Function, T）的稳定与结束感；属和弦功能（Dominant Function, D）的紧张与导向性；以及下属和弦功能（Subdominant Function, SD）的预备与过渡性。本书详细分析了T-SD-D-T的经典闭合循环，并展示了如何通过省略、替代和延长这些基本功能来构建复杂的乐段。对“和声离题”（Tonal Modulation）的探讨，将其视为功能性“旅行”，而不是简单的音高转换，是本章的亮点。 第三部分：旋律、节奏与和声的交织 和声的最终价值体现在它如何服务于和支撑旋律的进行。本部分探讨了横向思维如何影响和塑造纵向结构。 第六章：旋律轮廓与和声骨架 本章分析了“旋律音”（Melodic Tones）与“和弦音”（Chord Tones）之间的关系。我们详细区分了经过音（Passing Tones）、邻音（Neighbor Tones）、倚音（Appoggiaturas）和自由音（Emancipated Tones）。关键在于揭示：一个看似不协和的旋律音，往往是通过其与下方或上方的和弦音的精确关系，来暗示或强化了隐藏的和声结构。 第七章：节奏对和声解析的影响 节奏的安排直接决定了和声的“可见度”和“重量”。本章探讨了弱拍上的和弦与强拍上的和弦在功能解析上的优先级差异。例如，一个本应解决的不协和音，如果被放置在一个弱拍上，其解决的紧迫性就会被大大削弱，从而允许更自由的色彩和声进行。这为理解巴赫赋格与莫扎特奏鸣曲中节奏与和声的互动提供了工具。 第八章：复调思维对和声布局的挑战 在进入严格的对位法之前，本章探讨了早期复调（如帕莱斯特里那风格）中，旋律线如何共同构建出自然而然的垂直一致性。它展示了如何在不依赖于预设三和弦结构的情况下，通过两条或多条独立进行的旋律线，最终“涌现”出功能性很强的和声实例。这种由下而上的和声生成方式，为理解后来的对位和声学打下了理论基础。 结论：调性音乐的终结与展望 本书最后部分简要回顾了调性体系在19世纪末期如何因其自身内部张力的过度饱和而走向瓦解。我们总结了瓦格纳的半音化和弦（Chromaticism）如何削弱了传统属七和弦的导向性，预示着音乐语言即将进入新的探索阶段，同时也强调了理解本卷所阐述的经典结构，对于任何试图理解或超越这些结构的新进创作的重要性。 本书内容严谨、论证充分，致力于提供一种深刻且实用的分析方法，使读者能够“看见”音乐背后的结构逻辑，而非仅仅停留在听觉感受层面。

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与市面上那些偏重于风格史或特定流派的教材不同，这本《Materials and Structure of Music, Volume I》给我的感觉是真正意义上的“基础科学”。它仿佛在尝试建立一套普适性的音乐语言的底层语法。我特别欣赏它在讨论“形式”时，所采用的那种近乎几何学的精确性。它似乎在探究，在给定的音高和时间限制下，哪些结构是听觉上最稳定、最能被接受的，而哪些又是具有张力和探索性的。这种对“可能性空间”的系统性探索，远超出了我之前接触过的任何教材。我希望它能深入阐述如何从最简单的“二元对立”发展到更复杂的“奏鸣曲式”的骨架——重点在于骨架，而不是装饰性的风格元素。这本书的价值不在于教你如何写出像莫扎特那样的音乐，而在于教你理解莫扎特是如何构建他的音乐的，这种对内在逻辑的揭示，才是其最核心的吸引力所在。

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说实话，拿到这本书的时候，我有点被它的厚度震慑住了。我本以为这是一本侧重于历史演变或者风格分析的入门读物，但翻开目录后，我意识到这可能是一本“硬核”的教材。它似乎没有太多花哨的图表或色彩斑斓的插图来分散注意力，一切都显得极其严谨和学术化。我最感兴趣的是它处理“结构”的方式。音乐的结构究竟是数学的必然，还是人类情感的偶然投射？这本书似乎试图在这两者之间找到一个平衡点，通过严密的理论推导来解释我们习以为常的音乐形式是如何自然而然地产生的。我翻阅了几个章节的开头，发现作者对术语的界定非常精确，没有丝毫含糊其辞的地方，这对于建立起一套统一的分析框架至关重要。我希望它能系统地梳理复调音乐的基础规则，探讨如何将独立的声部编织成一个有机的整体，这对我理解巴赫那种大师级的作品至关重要。如果它能提供一些练习题或者分析任务，那就更好了，毕竟理论学得再好，不动手实践也是空谈。

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这本书最让我感到惊喜的一点，是它没有将音乐的“材料”和“结构”视为完全分离的两个部分来讲解。很多教材会先讲完所有的和声规则，再来谈曲式结构，结果导致学生在实际应用时感到脱节。但从这本书的编排来看，它似乎在很早的阶段就开始探讨如何利用基本的材料（比如特定音程的组合）来构建小型结构单元，比如乐句和段落。这种“从下至上”的构建方式非常符合我的直觉。我特别留意了它对节奏和节拍处理的部分，希望它能提供一套成熟的理论来解析亚节奏和不对称节拍的组织原则，这在现代音乐分析中越来越重要。我个人感觉，这本书更像是一本“工作手册”而非“理论百科全书”，它提供的工具和方法论似乎是立即可用的，可以立即被整合到我的分析工具箱中去。这种务实的风格，让我觉得这笔投资非常值得。

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这本书的封面设计相当朴素，封面上除了书名《Materials and Structure of Music, Volume I》外，几乎没有多余的装饰，这倒是挺符合我对严肃音乐理论书籍的期待。内页的字体排版清晰易读，纸张的质量也挺好，拿在手里沉甸甸的，一看就是那种可以伴随我度过漫长学习时光的“老伙计”。不过，我真正关注的自然是内容本身。我希望这本书能为我打下一个坚实的音乐结构基础，毕竟“Materials”这个词暗示着它会深入剖析和声、旋律、节奏这些基本元素是如何构成的。我期待它能像一把精准的手术刀，将复杂的音乐织体解构开来，让我看清每一根音符、每一个和弦背后的逻辑。特别是卷一，我希望它能涵盖从最基础的调式、音程到初步的和声进行规律的介绍，为后续更深入的学习铺平道路。如果它能提供丰富的实例分析，哪怕只是枯燥的音符组合，只要能清晰地解释“为什么是这样”，我就非常满足了。我正在寻找那种能让我不再仅仅“听”音乐，而是能“看穿”音乐本质的工具书，希望这本厚重的卷宗能满足我的渴求。

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我不得不承认，阅读这本书的过程充满了挑战，它不是那种能让你轻松愉悦地度过一个下午的读物，更像是在攀登一座陡峭的山峰。作者的论述风格相当内敛和克制，每一个论点都建立在坚实的逻辑基础之上，很少使用比喻或者感性的描述。这迫使我必须全神贯注，甚至需要反复阅读某些段落才能完全消化其含义。我注意到它在处理调性体系的转变时，似乎采用了非常系统化的方法，而不是简单地罗列规则。例如，它可能详细阐述了为什么某个特定的导音会产生那样强烈的解决倾向，这种深挖根源的写作态度让我非常欣赏。我正在尝试将书中学到的概念应用于我自己的作曲练习中，目前来看，这本书提供的“材料”是极其丰富的，它们是构建任何复杂音乐作品的砖瓦。我对其中关于“动机发展”的部分抱有极高的期待，希望它能揭示出一段主题是如何通过看似微小的变化，在宏大的结构中焕发生命力的，而不是简单地重复。

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