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出版者:江西美术出版社

作者:龚贤

出品人:

页数:386

译者:

出版时间:2009-4-1

价格:78.00元

装帧:

isbn号码:9787807497370

丛书系列:中国历代书画名家经典大系

图书标签:

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卷一：山水意境的营造与笔墨情趣的探索 《山水画论》是一部深入探讨中国传统山水画创作理念、技法与美学思想的著作。本书旨在为读者揭示山水画何以能够超越单纯的写实描绘，而达到“外师造化，中得心源”的艺术境界。从笔墨的精微之处到意境的宏大营造，本书将引领读者走进中国山水画的灵魂深处。 第一章：山水画的本体精神——“气韵生动”的解读 山水画的核心在于“气韵生动”，这一中国绘画的最高评判标准，在此章中得到详尽的剖析。我们将追溯“气韵生动”的哲学渊源，探究其与道家“道法自然”、儒家“天人合一”思想的内在联系。作者认为，气韵并非可直接描摹之物，而是画家通过对自然万物精神气质的深刻体悟，并将其融入笔墨之中的一种生命活力。这种活力，体现在线条的遒劲与流转，墨色的浓淡与变化，以及构图的疏密与开合之中。 线条的生命力：线条是中国画的骨骼。我们将从篆刻、书法中汲取营养，阐述“随形而得，得形而走”的线条法则。探讨勾勒、皴擦、点染等不同用笔方式如何塑造山石的体量感、质感和肌理，以及如何在流畅的书写性中蕴含力量与韵律。例如，披麻皴如何表现山峦的温润与舒缓，斧劈皴如何展现岩石的刚毅与锐利，雨点皴如何传达山石的粗糙与坚实。 墨色的微妙变化：墨是中国画的灵魂。本书将深入研究“墨分五色”的奥秘，阐述干湿、浓淡、枯润、焦润等墨法运用所能产生的丰富层次和立体感。分析墨色如何在表现山石、树木、云水时，营造出不同的空间感和氛围。例如，浓墨如何表现近景的清晰与厚重，淡墨如何渲染远景的缥缈与空灵，宿墨如何产生苍茫古朴的效果，焦墨如何增添画面的焦灼与力度。 构图的意匠经营：山水画的构图并非简单地将景物堆砌，而是画家“胸有成竹”，运筹帷幄的智慧体现。我们将探讨“虚实相生”、“疏密有致”、“高远、深远、平远”等经典构图法则，分析这些法则如何引导观者的视线，制造空间纵深，营造气势与意境。讲解如何通过“移情”手法，将画家心中的丘壑意境巧妙地融入画面，使之成为“有我之境”，而非“无我之境”。 第二章：师法自然与胸中山水——“外师造化，中得心源”的实践 “外师造化，中得心源”是中国山水画创作的两大基石。本章将详细阐述如何将对自然的观察与内心的感悟融为一体，创作出既有真实山水的神韵，又饱含画家个人情志的作品。 深入自然的体悟：强调画家深入实地，反复写生的重要性。探讨如何通过写生，捕捉山川的独特地貌、植物的生长姿态、云水的动态变化，以及不同季节、不同光照下的色彩与明暗。分析写生不仅仅是形似，更是神似，是对自然生命力的理解与感悟。例如，画家需要观察山峦的起伏跌宕，感受泉水的泠泠作响，体会林木的葱郁与萧瑟。 内心的情感注入：强调画家在对自然的深刻理解基础上，注入个人情感、理想与哲学思考。分析画家如何通过山水画寄托家国情怀、人生感悟、隐逸情趣。例如，李白“孤帆远影碧空尽”的豪迈，杜甫“感时花溅泪，恨别鸟惊心”的悲怆，都可以通过山水画得到精神层面的升华。 意象的提炼与创造：探讨如何从自然景物中提炼出具有象征意义的意象，并加以创新性的组合。例如，松柏象征坚韧不拔，竹子象征虚心高洁，瀑布象征奔放不羁。分析画家如何通过对这些意象的安排，传递特定的文化内涵和精神寄托。 第三章：中国山水画的传承与创新——笔墨语言的演变与拓展 中国山水画并非一成不变，而是在师古人、师造化的过程中不断发展演变。本章将梳理中国山水画不同历史时期，尤其是宋、元、明、清等重要时期画家的创作风格与笔墨特点，并探讨如何在传承中实现创新。 古法今用：深入分析历代大师的经典作品，如范宽的“雨点皴”，董源、巨然的“披麻皴”，郭熙的“卷云皴”，王蒙的“牛毛皴”，黄公望的“枯柴皴”等，分析这些皴法的独特之处及其所表现的山石特质。探讨如何在理解古人笔墨精神的基础上，根据个人风格和表现对象，对传统笔墨技法进行发展和创新。 风格的形成与个人化：强调每位画家都应在学习传统的基础上，形成自己独特的笔墨语言和艺术风格。分析如何通过对笔墨的反复实践，找到最适合自己表达的“手感”和“心法”。例如，文征明的秀润，沈周的苍劲，倪瓒的孤逸，八大山人的奇崛，石涛的纵横恣肆，都代表了不同时代、不同个性画家对山水画的独特诠释。 意境的现代化表达：在当下时代背景下，探讨山水画如何回应时代精神，展现新的艺术魅力。分析如何在保留传统精髓的同时，吸收现代艺术观念和表现手法，拓展山水画的表现题材和空间。例如，如何表现现代都市的山水景观，如何用山水画表达当下人们的生存状态和内心世界。 卷二：山水画的时代变奏与精神回响 《山水画论》的第二卷将视角从技法与理论层面，转向山水画在不同时代背景下的精神内涵演变，以及它如何与社会、文化、哲学思潮发生互动，最终回归到画家个人修养与艺术追求的根本。 第四章：从“理性之山水”到“情感之山水”——时代精神在笔墨中的投射 中国山水画的历史发展，很大程度上是时代精神在艺术语言中的折射。本章将以历史为脉络，探讨不同时期山水画的创作重心与美学取向的转变。 唐宋时期的“理性之山水”：分析唐宋时期，特别是北宋，山水画作为“大美”的代表，其创作理念如何受到儒家“治国平天下”以及道家“法天象地”思想的影响。这一时期的山水画，往往追求气势恢宏、格局壮阔，强调山水作为宇宙秩序的象征，体现了画家对天地万物的敬畏与对秩序的追求。例如，范宽的《溪山行旅图》中所展现的巍峨群山，既是客观景色的描绘，更是画家内心对宏大宇宙的感悟。郭熙在《林泉高致》中所阐述的“山水有可行者，有可望者，有可游者，有可居者”，体现了对山水实用性与精神性的双重考量，也反映了当时文人士大夫阶层的审美趣味。 元明时期的“文人山水”：探讨元代文人画家，如四大家（黄公望、吴镇、王蒙、倪瓒）的创作，如何从描摹客观景物转向表达个人情志。“逸格”的推崇，使得山水画成为画家抒发个人情怀、寄托隐逸情趣的载体。笔墨的自由挥洒，构图的简练疏淡，都成为表达“胸中山水”的重要途径。明代文徵明、沈周等人的作品，则在继承元代文人画精神的基础上，更加注重笔墨的温润秀雅，以及对江南山水的细致描绘，但也依然蕴含着画家对人生、历史的思考。 清代“复古”与“创新”的辩证：分析清代山水画在承袭前代技法的同时，出现的“复古”思潮。以王原祁为代表的“娄东派”强调“笔笔有我”，将笔墨的个人化发挥到极致。而石涛、八大山人等“不肖”之辈，则以其奔放不羁的笔墨和奇崛的构图，突破了传统藩篱，展现了更为强烈的个人主义精神，其作品往往蕴含着对时代变迁的复杂情感和深刻反思。 第五章：山水画与哲学、文学的对话——“象外之象”与“言外之意”的追求 山水画并非孤立的艺术形式，它与中国古代的哲学、文学、诗词有着深厚的渊源，并在这些领域之间相互影响，共同构建了中国传统文化的精神图景。 儒道佛思想的渗透：分析儒家“天人合一”的思想如何体现在山水画对自然和谐秩序的追求；道家“道法自然”、“虚静”的理念如何影响画家的笔墨表达和意境营造；佛教“空寂”、“无常”的观念如何让山水画作品呈现出一种超脱世俗的禅意。例如，佛教的“拈花一笑”精神，在山水画中常常体现在对某个细节的点拨，引发观者的无限联想。 诗情画意的融合：探讨“诗中有画，画中有诗”的艺术境界。分析画家如何从诗词歌赋中汲取灵感，将诗歌的意境、情感、韵律融入山水画创作。例如，李白的诗句“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，便能激发画家创作壮丽瀑布的灵感。而许多山水画作品，本身也常常题写诗句，进一步深化作品的思想内涵和艺术感染力。 “象外之象”与“言外之意”的艺术魅力：解读中国山水画不求形似，而追求“象外之象”的审美特征。分析画家如何通过笔墨的暗示、留白的处理，引导观者进行自由的想象与解读，从而达到“意在笔先，画后意乃生”的境界。这种“言外之意”的艺术魅力，使得山水画作品具有了永恒的生命力和丰富的解读空间。 第六章：画家的人格修养与艺术的永恒性——“读万卷书，行万里路”的修行 最终，山水画的创作不仅是技法的运用，更是画家个人修养、人格境界的体现。本章将强调“读万卷书，行万里路”对于画家成长的意义，以及高尚的人格如何赋予山水画不朽的艺术生命力。 “胸中山水”的养成：强调画家不仅要“外师造化”，更要“中得心源”。“胸中山水”的养成，需要画家通过广泛的阅读、深入的思考、丰富的人生经历，来涵养自己的学识、情操和胸襟。只有当画家拥有了深厚的文化底蕴和广阔的人生视野，才能在描绘山水时，赋予作品以深刻的思想内涵和人文精神。 人格的温度与力量：分析历史上有成就的山水画家，无不具有高尚的人格魅力。他们的作品之所以能够穿越时空，打动人心，正是因为其中蕴含着画家的真挚情感、人格力量以及对真善美的执着追求。例如，郑板桥的“竹石”作品，不仅是笔墨的技艺，更是他清高正直人格的写照。 山水画的现代价值与未来展望：在当代，山水画依然具有其独特的价值。它不仅是传统文化的瑰宝，更是人们在快节奏的现代生活中，寻求心灵慰藉、回归自然、审视自我的重要途径。本书展望未来，鼓励当代画家在传承与创新的道路上，继续探索山水画的无限可能，使其在新的时代背景下焕发出新的光彩。 《山水画论》旨在为读者提供一个系统、深入的视角，去理解和欣赏中国山水画的博大精深。它不仅仅是一本技法指南，更是一部关于艺术、人生与哲学的思想探索。通过对笔墨、意境、哲学、文学以及画家自身修养的全面解读，本书希望能够激发读者对中国传统山水画更深层次的认知与热爱。

评分☆☆☆☆☆

看看龚贤，觉得欧洲人老土了，落后岂止百年。不过人家会吹，会包装，会搞新名词，就领先你了。唉，中国人老实啊。什么东西都是先流传出去，然后套个新名字又贩卖回来。印度人、日本人、欧洲人，无一不是干盗版改标签勾当的。 “有名万物之母”啊，谁让咱们不会这一套呢。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

我最近在研读几本关于明末清初文人精神世界的画册，对比之下，这本画册的图版质量简直可以用惊艳来形容。色彩的还原度极高，即便是微小的墨色变化和皴法细节，都捕捉得非常精准到位。很多原本在其他出版物中模糊不清的笔触和层次感，在这套书中清晰可见，仿佛原作就悬挂在眼前，让人能够真正体会到画家运笔时的力度与节奏。尤其是那些大幅面的作品，印制得大气磅礴，完全没有小图带来的压迫感或信息丢失。对于研究特定时期绘画风格的演变，或者仅仅是想沉浸在那个时代独特的审美趣味中，这套书的图录部分无疑是提供了无与伦比的视觉盛宴。光影的过渡处理得非常自然，即便是水墨画中的留白，也处理得疏密有致，体现了印制方对原作精神的深刻理解。可以说，单凭这些高质量的图像资料，就让这套书的价值大大超越了一般的艺术普及读物。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期关注艺术史研究的爱好者，我必须指出，这套书的学术严谨性是其最大的亮点之一。注释系统做得非常详尽，每一次重要的论点或引用的出处，都有清晰的佐证，这对于深度研究者来说是至关重要的品质。参考文献的广度和时效性也令人印象深刻，明显是经过了长期细致的考证和梳理，而不是简单地堆砌二手资料。更值得称赞的是，作者在处理争议性问题时表现出的客观和审慎的态度，既不偏袒某一说，又能清晰地梳理各家之言的逻辑脉络，留给读者独立思考的空间。这种尊重事实、追求真相的治学精神，在这类传记或艺术史著作中尤为可贵。它提供了一个坚实可靠的知识基础，使得读者在吸收信息的同时，也能建立起批判性的思维框架，真正做到学有所得，而非人云亦云。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感摸上去厚实而细腻，即便是随意的翻阅，也能感受到一种沉甸甸的艺术气息。封面上的排版简约而不失韵味，透露出一种对传统美学的尊重。我个人非常偏爱这种在细节上打磨用心的出版物，它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品。尤其欣赏它在字体选择上的考量，既保证了阅读的舒适度，又与整体的古典气质相得益彰。打开扉页，那微微泛黄的纸张，仿佛带着时光沉淀下来的历史厚重感，让人迫不及待地想要深入其中，去探索那些被时间尘封的故事与技法。装订也非常牢固，即便是经常翻看，也无需担心书页松散的问题，这对于经常需要查阅资料或反复品读的读者来说，无疑是一个极大的加分项。整体而言，从视觉到触觉，这套书带来的阅读体验是极其愉悦和高级的。它不仅仅是知识的载体，更是一种对阅读仪式感的完美呈现，让人在阅读之前就已心生敬意。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度和广度，远远超出了我最初的预期。它不仅仅是简单地罗列作品，更深入地挖掘了艺术家在特定历史背景下的心路历程和创作哲学。作者的文字功底非常扎实，叙事流畅而不拖沓，论述严谨却又不失文人的情怀。我尤其欣赏其中对于“意境”和“气韵”这些抽象概念的具象化解读，这些是传统艺术评论中难以捉摸的部分，但在这本书里却被阐释得清晰明了，让人茅塞顿开。阅读过程中，我发现自己对于一些经典作品的理解被彻底颠覆或深化了，不再仅仅停留在表面的构图欣赏，而是开始关注到其内在的情感张力和时代隐喻。它成功地架起了一座沟通古今的桥梁，让现代的读者能够以一种更贴近那个时代文人的视角去审视和感受艺术的力量。这使得整个阅读过程充满了智性的探索和精神上的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

我发现，这套书的编排逻辑非常贴合一个初学者循序渐进的学习曲线。它并没有一上来就抛出最复杂的理论，而是采用了一种“由表及里”的策略。开篇的章节往往以介绍性的、易于理解的生平轶事和作品速览为主，成功地抓住了读者的好奇心。随着阅读的深入，内容的密度和专业性逐渐增加，但每隔一段时间就会穿插一些深入的作品分析或技术解析，像是一次次的知识巩固与提升。这种节奏感把握得极好，避免了初读者的畏难情绪，也保证了资深读者不会觉得内容过于浅薄。特别是那些关于材料特性和技法转折的讨论，作者总能用非常生动的比喻将抽象的工艺过程具体化，使得即使没有绘画基础的人也能大致领会其中精髓。总的来说，这是一套兼顾了普及性与专业深度的典范之作，适合不同层次的艺术爱好者共同品鉴和学习，实用价值极高。

评分☆☆☆☆☆

每次看中国传统山水画都觉得叹为观止！

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

龚贤是我最喜欢的画家之一。不过这套书图画像素还有待提高，聊且一翻吧。

评分☆☆☆☆☆

每次看中国传统山水画都觉得叹为观止！