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出版者:Kunstsammiung Nordrhein-Westfalen

作者:Armin Zweite

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1994

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9783926154224

丛书系列:

图书标签:

• 现代艺术
• 波普艺术
• 拼贴
• 装置艺术
• 绘画
• 雕塑
• 美国艺术
• 实验艺术
• 混合媒介
• 20世纪艺术

当代艺术的无限可能：一次跨越媒介的探索 图书名称： 《边缘的对话：从抽象表现主义到新达达的视觉革命》 内容简介： 本书聚焦于20世纪中叶美国艺术史上的一个关键转折点——从二战后兴起的抽象表现主义的宏大叙事，向更加关注日常、关注物质性、并积极消解艺术与生活界限的“新达达”和波普艺术的过渡时期。我们深入剖析了艺术家们如何开始质疑传统绘画的纯粹性，转而拥抱现成品、拼贴、装置以及表演艺术等多种媒介，以此作为挑战既有审美观念和文化符号的有力武器。 第一部分：宏大叙事的瓦解与个体经验的回归 在抽象表现主义的光芒逐渐褪去之时，一股新的创作冲动在纽约的画廊和工作室中酝酿。艺术家们开始对纯粹的、个人化的情感表达感到某种程度的倦怠。他们不再满足于在巨大的画布上倾泻内心的冲突与崇高感，而是将目光投向了日益商品化和信息爆炸的都市生活。 本部分首先回顾了战后美国社会经济的剧烈变化，特别是消费文化的崛起，是如何潜移默化地影响着艺术家的创作心态。随后，我们详细考察了几位处于变革前沿的先驱人物，他们如何从战后欧洲带来的超现实主义和达达主义的影响中汲取灵感，并将其本土化。 物质的“在场”： 探讨了艺术家如何将非传统材料，如碎布、废弃物、甚至垃圾，引入到艺术作品中。这不仅仅是一种对“高雅艺术”的反叛，更是一种对艺术作品“本体论”的严肃拷问——一个由日常可见物构成的物体，如何被赋予艺术的意义？我们分析了早期拼贴作品中空间关系的变化，以及它们如何开始暗示一种打破画布界限的装置倾向。 语言与图像的张力： 考察了艺术家们在作品中纳入印刷字体、广告语和符号的实践。这些“现成的”语言元素，被置于精心构造的视觉场域中，产生出一种既熟悉又陌生的疏离感。这种对符号的挪用，预示着后现代主义对意义不稳定性的关注。我们分析了这种手法如何有效地削弱了传统艺术中作者的权威性。 第二部分：媒介的边界消融与“行动”的回归 本书的第二部分将焦点转向了行动和过程的重要性，探讨了艺术家们如何开始模糊绘画、雕塑、表演和环境艺术之间的界限。 行动绘画的“遗留物”： 尽管抽象表现主义强调行动，但最终产物仍是一张二维的画面。本部分关注那些试图捕捉“行动”本身，而非其结果的尝试。我们探讨了那些在创作过程中留下明显痕迹（如滴落、泼溅、撕扯）的作品，这些痕迹不再是纯粹的笔触，而更像是事件的记录。这些“遗留物”成为了对过程的直接证据。 环境与体验的构建： 随着艺术家对空间和观众参与的兴趣增加，早期的“环境艺术”和“偶发事件”开始浮现。我们详细分析了那些旨在包裹或淹没观众的早期室内装置，这些作品要求观众不再是旁观者，而是环境的组成部分。这种对“体验”的强调，为后来的参与式艺术奠定了基础。 从静物到“组合”： 深入研究了艺术家们如何将多个独立的物体并置在一起，形成新的叙事结构。这些“组合”不再是传统意义上的雕塑，而是对特定时刻、特定场景的凝固提炼。我们剖析了这些组合中隐含的幽默感、讽刺性，以及它们对日常物品价值体系的颠覆。 第三部分：挑战艺术市场的既有体系 变革的动力不仅来自于美学上的追求，也来自于对艺术品商业化和精英化的反思。 挪用与复制的伦理： 探讨了对现成品的挪用行为如何直接挑战了艺术品“独一无二性”的传统观念。当一个日常物品被置于画廊中时，它的价值来源是什么？是艺术家的选择，还是物品本身的属性？我们考察了早期对机械复制和批量生产的兴趣，及其对“原创性”概念的冲击。 从个人视角到文化批判： 本部分强调，这些艺术实践并非仅仅是风格上的更迭，而是一种深刻的文化批判。艺术家们通过使用日常材料和符号，将艺术的关注点从精英化的内心世界，转移到了复杂的、充满矛盾的当代大众文化本身。这是一种试图让艺术重新“接地气”的努力。 结语：通往开放性艺术的桥梁 《边缘的对话》旨在清晰地勾勒出这一过渡时期的复杂性和创造力。这些探索媒介、材料和观众关系的先驱实践，最终为20世纪后半叶激进的艺术形态（如观念艺术、大地艺术和后现代多元主义）铺平了道路。本书力求通过细致的图像分析和严谨的文献梳理，展现艺术家们如何在既定的艺术框架中，寻找并构建出全新的、充满生命力的表达方式。它是一部关于如何打破既有分类、拥抱无限可能性的视觉史诗。

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翻开这本关于这位波普艺术巨匠的画册，首先映入眼帘的是那种扑面而来的，近乎粗暴的物质感和无限的拼贴哲学。这本书的装帧本身就带着一种装置艺术的意味，纸张的触感、色彩的印刷精度，都仿佛在试图复刻Rauschenberg作品中那种“无处不在的日常”的质感。我花了相当长的时间沉浸在那些早期的“组合画”（Combines）之中，那种将油彩、现成品——像是轮胎、床单、甚至是动物标本——粗粝地结合在一起的震撼力，在这本书里得到了极其细致的呈现。图片的高清度让人可以清晰地分辨出每一块碎片原有的纹理，以及它们被艺术家重新语境化后的张力。尤其是那些关于“卡车底”（Truck Series）的影像资料，它们不仅仅是简单的复制品展示，而是深入探讨了Rauschenberg如何挑战绘画的边界，如何将现实世界的“垃圾”提升到艺术殿堂的严肃探讨。书中对不同时期作品的编排逻辑也很有启发性，它没有采取严格的年代顺序，而是通过主题和材料的相似性进行串联，这种组织方式反而更贴合Rauschenberg那种不断探索、不断消解界限的创作心态，让人在阅读过程中如同进行一次非线性的、充满惊喜的探索之旅。

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这本书的文字部分，说实话，比我想象的要深刻得多，它没有陷入那种对艺术史家陈词滥调的重复，而是试图捕捉Rauschenberg那种“在做”（In the act of doing）的活力。作者似乎对工作室里的那种混乱、高能的创作氛围有着深入的理解。我尤其欣赏其中关于他与默斯·坎宁安（Merce Cunningham）以及约翰·凯奇（John Cage）早期合作部分的论述。那种跨界合作产生的化学反应，不仅仅是视觉艺术和舞蹈的简单叠加，而是对时间、空间和观众感知的一次彻底的颠覆。书中引用了大量来自那个圈子的信件和访谈片段，这些第一手的资料让整个叙事变得鲜活起来，仿佛能听到工作室里传来的音乐声和工具碰撞的声响。文字的密度很高，但行文流畅，像一条河流，带着你不断向前，直到你完全理解他为何要打破“画框”的束缚，将一切带入生活，又将生活的一切带回画布。对于理解他对媒介和技术的持续试验，这本书提供了坚实的理论基础，绝非一本普通的图录可以比拟。

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这本书的排版设计简直是一场视觉的盛宴，它本身就是对Rauschenberg美学的致敬。很多页面的处理方式都极具巧思，比如有些跨页的设计，故意让图像的边缘“溢出”到空白处，模仿了胶带或粘贴纸的随意性，但这种“随意”背后却蕴含着极其精准的构图考量。更赞的是，它收录了大量不同角度的展出现场照片，这对于理解作品的三维性和空间感至关重要。平面印刷品往往难以传达Rauschenberg作品中那种侵略性的立体感，但这本书通过精心的布光和拍摄，让那些堆叠的材料、悬挂的物体仿佛就要从纸面上“跳”出来。我特别喜欢其中对比展示的几组作品，一边是早年油画和布料的粗粝结合，另一边是后期光滑的丝网印，这种并置，清晰地勾勒出他艺术语言的演变，却又时刻提醒我们，其核心的拼贴精神从未动摇。

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我必须承认，我对Rauschenberg后期的“无重力”（Glut/Aura）系列和数字印刷作品的了解相对薄弱，但这本画册成功地弥补了我的知识盲区。它并没有将这些后期作品视为早期“组合画”的衰退，而是将其视为一种逻辑的延伸：如果说早期的组合是物理世界的拼贴，那么后期的数字和丝网印刷就是信息时代的“碎片化”和“叠加”。书中对印刷技术的细致剖析，从早期手工套印到后来的计算机辅助图像处理，展现了艺术家对技术进步的积极拥抱，而不是抗拒。尤其令人震撼的是关于他去古巴和坦桑尼亚等地进行“交流计划”（Rauschenberg Overseas Culture Express, R.O.C.E.）的章节。通过大量现场照片，我们看到了艺术创作是如何脱离精英主义的象牙塔，直接干预和记录真实世界的脉动。这种将艺术变成一种全球性对话和行动的野心，在这本书里得到了充分的尊重和详尽的记录，让人深思艺术的社会责任究竟在哪里。

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这本书不仅仅是一本关于某位艺术家的传记或作品集，它更像是一份邀请函，邀请我们重新审视“观看”这件事本身。读完后，我发现自己看世界的眼光都变得有些不同了——不再轻易地将事物划分为“艺术”与“非艺术”。书中对Rauschenberg早期如何看待照片、如何利用印刷品中固有的、廉价的美感这一点分析得入木三分。它揭示了艺术家如何从日常信息流中截取片段，并赋予它们一种永恒的、尽管是暂时的确定性。对于那些渴望理解后现代艺术思潮如何从具体实践中萌芽的读者来说，这本书提供了无可替代的视角。它没有给我一个简单的答案，而是给我提供了一套更复杂、更有趣的工具，让我去拆解和重组我所见到的世界。看完合上书本的那一刻，我脑海中浮现的不是某一张具体的画作，而是一种持续运动、不断融合的强大能量场。

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