龚继先教画菊(附VCD) (平装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术出版社

作者:龚继先

出品人:

页数:32 页

译者:

出版时间:2001年1月1日

价格:25.0

装帧:平装

isbn号码:9787533226039

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 菊花
• 中国画
• 技法
• 龚继先
• 艺术
• 教学
• VCD
• 平装
• 花卉

丹青妙笔绘秋韵：中国传统花卉画技法精讲 一卷丹青，尽显物华天宝；数笔挥洒，道尽自然真趣。 本书集结了中国传统花卉画中菊花之外，最具代表性、最受文人墨客推崇的几大主题的精湛技法，旨在为广大国画爱好者提供一套系统、深入且极具操作性的学习指南。本书内容丰富，图例详尽，力求在理论阐述与实践操作之间架起一座坚实的桥梁。 第一部分：梅魂傲骨——寒冬独放的君子之道 梅花，在中国传统文化中素有“岁寒三友”之首的美誉，其不畏严寒、傲然独立的精神气质，使其成为历代画家钟爱的题材。本部分将深入剖析画梅的精髓与技巧： 一、 笔墨的选择与准备： 笔具考究： 详解羊毫、狼毫、兼毫在勾勒梅枝和点染花瓣上的不同特性与适用性。如何根据墨色的浓淡和水分控制选择合适的笔头。 墨法运用： 区分焦墨、浓墨、淡墨在表现梅枝的苍劲与疏朗上的差异。重点讲解“破墨法”在营造老干嶙峋质感中的运用。 二、 枝干的骨法与气韵： 立骨立意： 传统画论强调“画梅先画骨”。本书将详细演示如何通过“S”形、盘曲、遒劲的线条，表现梅树历经风霜的生命力。讲解“一笔树”的起笔、行笔、收笔技巧。 苍皮的皴擦： 针对不同年龄的梅树，讲解以斧劈皴、披麻皴（结合水渍效果）表现树皮的粗粝感，力求“形似”与“神似”兼备。 三、 花瓣的形态与神采： 点花技法： 区分单瓣、重瓣的画法。重点介绍“提、按、顿、挫”在点染花瓣时的水分控制，以及如何通过墨色的深浅变化表现花瓣的层次感和向阳性。 花蕊的刻画： 讲解用极细的尖笔蘸取洋黄或藤黄，以“米点”或“芥子点”表现花蕊的灵动，切忌过多堆砌，强调“疏可走马”的布局原则。 四、 经典范例赏析与临摹： 收录宋代杨无咎、元代王冕、清代边寿民等大家不同风格的梅花作品图谱，并附带针对性的笔墨拆解图，帮助学习者快速掌握不同流派的笔墨语言。 --- 第二部分：兰亭雅韵——空谷幽香的写意探索 兰花，以其“不争不艳，幽而不媚”的特质，象征着高洁的君子之风。画兰的难度在于其形体的飘逸与内在气韵的含蓄。 一、 叶片的结构与铺展： “一笔”与“多笔”： 兰叶讲究“写”，而非“描”。详述如何运用饱含水分的侧锋画出兰叶的舒展、尖锐和富有弹性的质感。 交叉与避让： 重点解析兰叶之间相互穿插、掩映、避让的规律，如何通过墨色的浓淡和线条的粗细，营造出层次分明的空间感，避免叶片“一锅烩”。 二、 花朵的含蓄之美： 花苞的刻画： 兰花多以含苞待放的状态出现。讲解如何用侧锋轻扫出花苞的圆润与含蓄，注重“粉晕”的自然过渡。 写萼与写瓣： 传统兰花多采用写意手法，以淡墨勾勒轮廓后，用极浅的颜色或淡墨晕染，强调其“空灵”和“清雅”，避免过度着色。 三、 姿态的组合与章法： 动静结合： 讲解如何通过兰花的俯仰、倾斜、疏密，表现微风拂动、摇曳生姿的动态美。 配景点缀： 介绍用碎石、苔藓或竹子作为配景，以衬托兰花的孤高，并讲解如何处理画面的留白以突出兰花的“空谷”意境。 --- 第三部分：竹影婆娑——虚心有节的生命哲学 竹子以其“虚心、有节、有容、有德”的品格，在中国绘画中占据着举足轻重的地位。画竹的精髓在于“节”与“韵”。 一、 竹节的连接与骨架： 节的画法： 讲解如何准确把握竹节之间的距离和角度，体现竹竿的生命节奏。重点演示以侧锋中锋结合，表现竹节的圆润与坚挺。 干的韵律： 探讨不同种类竹子（如湘妃竹、毛竹、紫竹）在竿身纹理上的差异，学习用焦墨点缀或淡墨皴擦出竹竿的斑驳感。 二、 竹叶的写意与气势： “竹叶一笔法”的精要： 详细分解“挑、甩、压、收”的运笔过程，强调一笔完成竹叶的形态和神采。如何根据风向和光照变化，调整叶片的倾斜角度。 集群与疏散： 讲解如何通过竹叶的聚散、浓淡，表现竹林的茂密或稀疏，利用“留白”创造竹影斑驳的视觉效果。 三、 章法布局与意境营造： 仰视、平视与俯视： 学习运用不同视角来组织竹子的结构，以表现竹林的层次感和空间深度。 雨竹、雪竹、风竹的特殊处理： 介绍如何通过墨色的晕染（雨竹）、笔触的简练（雪竹）或线条的倾斜（风竹）来强化特定的气候氛围和意境表达。 --- 第四部分：松柏长青——古朴坚韧的生命赞歌 松树代表着坚韧不拔、长寿与刚毅的品格，是花鸟画中力量感的体现。 一、 树干的苍老与力度： 皴法与结构： 重点讲解用于松树的“斧劈皴”、“钉头皴”的实际操作，如何通过层层叠加和墨色的干湿变化，表现松树遒劲的盘根错节和厚重的树皮。 “筋骨”的突出： 强调要画出松树的“骨骼感”，即树干的扭曲和支撑力，体现其抗击风雨的生命韧性。 二、 松针的组合与变化： 松针的群体画法： 松针不同于单枝花卉，多以“簇”的形式出现。讲解如何使用浓墨或焦墨，以“簇”状点染，表现松针的茂密和坚挺。 新旧松针的区分： 学习用淡墨或略带绿色的墨色点染新生松针，与老松针形成色彩与墨色的对比。 结语： 本书内容涵盖了中国传统花鸟画中最核心的“四君子”及松柏的绘画技法，从笔墨基础、结构造型到意境表达，层层递进。通过对不同题材的深入解析和大量实例的剖析，学习者将能够全面掌握中国文人画的笔墨语汇，真正领悟“笔墨随时代，丹青写性灵”的艺术真谛，将自然之美融于笔端，创造出属于自己的气韵生动的花卉画作。 （注：本书未涉及菊花的绘画技法。）

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读完前几章，我最大的感受是，这本书的作者显然是一位兼具深厚理论功底和丰富实践经验的大家。他的语言风格非常凝练，用词精准，绝无任何空泛的赞美之词。例如，在谈到如何用墨时，他摒弃了传统的“浓淡干湿”的简单分类，转而用“润”、“涩”、“枯”、“涨”来描述墨在不同水分控制下的“脾气”，这种更具操作性的描述，极大地拓宽了我对用水用墨的认知边界。特别是关于菊花的“选材”和“立意”的探讨，篇幅虽然不长，但其见解独到，强调了心境对创作的影响，认为只有真正体会到秋日的萧瑟与壮美，才能落笔有神。这对于那些只停留在模仿技法的画友们来说，无疑是一剂猛药，提醒我们要回归到艺术的本质——表达而非复制。这种对内在精神世界的挖掘，是市面上很多教程所欠缺的深度。

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这本书的排版设计，透露着一种克制而高级的美学取向。大量的留白，使得画面中的每一个笔触和墨点都拥有了呼吸的空间，不会让人感到拥挤和压抑。我注意到，对于一些复杂的造型，作者采用了多层次的分解步骤图，但这些分解图之间并非生硬的割裂，而是通过极其细微的过渡线索连接起来，仿佛是一段连贯的舞蹈动作分解。这对我这种追求精准度的学习者来说，简直是福音。我最近一直在尝试攻克菊花的花萼部分，那里总是显得僵硬且缺乏生气。这本书中专门辟出一个小章节来探讨如何用“飞白”和“湿墨”的巧妙结合来表现花萼的茸毛质感，描述得极其细腻，甚至精确到了笔锋接触纸面的角度。这已经超越了基础教学的范畴，更像是一位经验丰富的大师在耳边亲自指导，那种对细节的执着，着实令人敬佩。

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翻开这本书，那种扑面而来的老派文人气息，真的让人感到非常难得。我常年临摹古画，深知“形似”易得，“神似”难求的道理。这本书最让我欣赏的一点是它对观察角度的强调，它不仅仅是告诉你“怎么画”，更重要的是让你明白“为什么要这么画”。譬如介绍菊花的几种经典姿态时，作者并没有直接给出标准图样，而是用了大量的篇幅去解析不同光照条件下，花瓣的向背关系如何影响墨色的浓淡和笔触的轻重缓急。这种深入到物理和哲思层面的讲解，对于提升一个画者的整体素养至关重要。我尤其关注了其中关于“金秋傲霜”主题的创作思路部分，那段文字描述了如何在有限的画面空间内，通过几组关键的枝干布局，营造出一种不屈服于寒意的强大生命力。这种将自然观察与个人情感高度融合的教学方式，远比单纯的“描红”要高明得多，它培养的是一种面向自然的独立审美体系。

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我是一个对传统文化中那种含蓄内敛的美感特别着迷的人。这本书在处理菊花的“韵味”上，简直是教科书级别的示范。它没有一味地去追求花朵的饱满和艳丽，反而对那些略带倾斜、半开甚至微卷的花瓣给予了更多的关注和笔墨倾注。作者似乎在告诉我们，真正的美往往存在于“不完美”之中，存在于与环境抗争的姿态里。我特别欣赏其中穿插的几段关于历代画菊名家的简要评论，这些评论既有高度的概括性，又不失个人独到的见解，能帮助读者在学习技法的同时，建立起一个更广阔的艺术史视野，知道自己站在哪个脉络下学习。这种“技法——观察——历史——心境”的四重递进结构，让整本书的阅读体验非常扎实且富有层次感，绝非一蹴而就的肤浅读物。它更像是一份值得反复研读、常翻常新的艺术箴言录。

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这本厚厚的画册入手的时候，首先被它的装帧吸引了，那种略带粗粝感的纸张，摸起来很舒服，而且油墨的质感很棒，翻开扉页，一股陈旧又带着墨香的气息扑面而来，让人立刻沉浸到一种宁静的艺术氛围中去。我是一个对传统绘画，尤其是工笔花鸟情有独钟的爱好者，平日里总是在寻找那些能真正深入到笔墨肌理中的教程。市面上很多教材都过于注重“速成”和“效果”，而忽略了“气韵”的培养。然而，从目录的编排来看，这位龚先生似乎更注重的是对基础的打磨和对观察力的训练。比如，关于菊花的“骨法用笔”那一章的标题，就让我对接下来的内容充满了期待。我希望看到的不是简单的描摹，而是如何透过线条去捕捉花瓣的韧性、叶脉的生机，以及整体在构图上所蕴含的文人情怀。光是看封面和内页的局部展示图，那种淡雅又不失力量的线条感就已经跃然纸上，实在让人迫不及待想拿起画笔，跟随作者的指引，一步步去探寻那份笔墨深处的奥秘。这种对于技法与神韵的平衡追求，正是优秀画册的标志。

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