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出版者:上海书画出版社

作者:陈佩芬

出品人:

页数:259

译者:

出版时间:1987

价格:65.80

装帧:

isbn号码:9787805120713

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敦煌莫高窟壁画中的佛教造像艺术研究 作者：[此处填写作者姓名，如：张宏伟] 出版社：[此处填写出版社名称，如：文物出版社] 出版年份：[此处填写出版年份，如：2023年] --- 内容简介 本书深入聚焦于敦煌莫高窟浩瀚壁画宝库中，那些描绘佛、菩萨、罗汉、天王等佛教人物的造像艺术，旨在系统梳理和阐释其在不同历史时期所展现出的艺术风格演变、审美取向更迭以及深刻的文化内涵。全书摒弃对其他文物门类（如青铜器、陶瓷、钱币等）的探讨，专注于壁画这一特定媒介，对敦煌佛教人物形象进行细致入微的考古学、艺术史学和宗教学层面的交叉分析。 敦煌，这座位于丝绸之路重镇的艺术殿堂，其壁画跨越了十六国到元代近千年的时间轴。不同时代的画匠们，在佛教教义的指导下，结合中原文化与西域美学，创造出了一系列风格迥异却又一脉相承的佛教造像。本书即以此为核心，力求揭示这些图像背后的“活历史”。 第一部分：历史语境与艺术的肇始（魏晋至北魏时期） 本部分首先梳理了佛教艺术自印度传入敦煌，并在十六国及北魏早期扎根的社会历史背景。重点分析了早期壁画中人物造型的特点：线条的简练、面容的瘦削、衣纹的硬挺与流畅，这与当时犍陀罗艺术和中原早期佛教造像的审美趣味紧密相关。 主题解析： 重点研究早期“三世佛”、“本生故事”壁画中的主尊形象。分析其神性表达的克制与庄严感，以及装饰性元素（如头光、背光）的初步运用。 技法探讨： 考察“凹凸法”等早期晕染技法在塑造人物立体感方面的初步尝试，以及对线条骨力的强调。 第二部分：盛唐气象与艺术的巅峰（隋唐五代） 本书认为，隋唐时期是敦煌佛教造像艺术的黄金时代，也是本书论述的重点篇幅。在盛唐的国力强盛与文化自信下，敦煌壁画中的佛像展现出前所未有的圆润、丰满与世俗化倾向。 审美转向： 详细探讨了唐代“褒衣博带”风格对佛像衣饰的影响，佛菩萨面部由清瘦转为慈祥、雍容的“满月形”转变过程。重点剖析了“吴带当风”的衣纹处理手法，如何服务于表现飞天的轻盈和菩萨的优雅。 密教元素渗透： 随着密宗在唐代的兴盛，本书对这一时期出现的忿怒相、多面多臂的密教造像进行了专题研究，考察了它们在色彩运用（如朱红、石绿的大胆使用）和动态造型上的突破。 组合叙事： 分析了唐代“说法图”、“涅槃图”等宏大叙事场景中，人物群像的组织与主次关系，凸显了佛陀作为教主无可争议的中心地位。 第三部分：风格的转折与地域性融合（晚唐五代与宋代） 晚唐和五代时期，敦煌艺术开始呈现出一种内在的张力与外部影响的交织。这一阶段的造像风格，既继承了盛唐的富丽堂皇，又开始显露出地域性的“地方化”倾向。 “西域风”的回潮： 探讨了吐蕃统治时期对壁画风格带来的影响，例如人物面部轮廓线加粗、色彩对比度增强，以及对金箔使用更加频繁的现象，这在“供养人像”中尤为明显，但本书聚焦于主尊佛像的变化。 宋代影响： 随着宋朝对河西走廊控制力的减弱，进入五代及宋代的壁画，其笔触趋向细腻，造型上减少了唐代的夸张与雄伟，转而追求一种更贴近人间的“文人士大夫式”的静谧和内敛。 第四部分：世俗化与艺术的终结（元代） 本书最后考察了元代壁画中佛教造像的演变，此时的佛教艺术已深度融入世俗审美。 服饰与装饰： 详述了元代壁画中，佛像的服饰和头冠装饰吸收了大量汉藏结合的宫廷风格，色彩趋于浓艳而略显板滞，失去了前代那种灵动的生命力。 程式化： 分析了元代造像的程式化倾向，例如面相比例趋于固定，眼神描绘从“注视”转为“平视”，标志着敦煌壁画作为宗教艺术高峰期的逐渐落幕。 本书特色： 本书最大的特点在于，它完全摒弃了对其他艺术载体的讨论，所有论述均围绕敦煌壁画中人物造像这一核心议题展开。研究方法上，结合了历史文献记载（如《魏晋南北朝史》、《敦煌学》相关研究）与第一手图像分析，对上千幅壁画的局部细节进行了对比研究，力求为敦煌佛教人物图像学提供一套清晰、系统的风格演变脉络。全书配有高清线描图和色彩对比图，以直观展现不同时代造像在“眼神”、“衣褶”、“手印（或手势）”三个关键要素上的细微差异，是敦煌艺术史研究领域中一部聚焦于人物造型美学变迁的专题力作。 --- 关键词： 敦煌壁画；佛教造像；隋唐艺术；人物造型；艺术史；图像学；石窟艺术。

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我非常欣赏这本书在叙事上所流露出的那种“匠人精神”。它不只是对古代青铜艺术的简单收录，更像是一部对“失传技艺”的深度探寻史。通过对器物表面包浆、锈蚀层的细微分析，作者仿佛能够“重现”工匠们在高温熔炉旁劳作的场景。书中的插图大多是高分辨率的细节图，它们展示了古代铸造过程中难以避免的细小瑕疵，但正是这些“不完美”，才构成了历史的真实肌理，让冰冷的金属焕发出人性的光辉。这种关注细节、尊重历史原貌的态度，使得整本书充满了温度。它让我意识到，每一件青铜器背后，都凝结着一个群体对技艺的极致追求，以及对礼制规范的深刻理解。阅读此书，不仅是欣赏艺术，更是一次对古代劳动人民智慧与付出的深切致敬。

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读完这本关于古代金属工艺的精装本，我的第一感受是“厚重”——不仅是物理上的重量，更是知识体系的庞大与严谨。作者在论述中展现了惊人的文献功底和冶金学常识，这一点对于想深入了解古代铸造技术的读者来说，是极其宝贵的。他详细剖析了失蜡法、范铸法等不同铸造工艺在特定历史阶段的应用和改进，甚至对铜、锡、铅等合金比例的细微调整如何影响器物的最终色泽和硬度，都有独到的见解。书中的章节结构层层递进，从早期简单的实用器过渡到复杂的神器和礼器，逻辑清晰，论证有力。特别是关于青铜器表面锈蚀机理和保护方法的探讨，提供了许多前沿的研究视角，这使得该书不仅具有历史研究价值，也兼具文物保护的实用意义。对于那些习惯于走马观花式欣赏历史的读者来说，这本书可能需要多次细读，但每一次回味，都会有新的发现和更深的理解。它更像是一本专业的工具书，适合有一定基础的鉴赏家和研究人员参考。

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说实话，这本书的学术深度有点“劝退”，但一旦跨过最初的门槛，随之而来的知识满足感是无与伦比的。它的语言风格偏向于严谨的学术论述，对于普通大众读者来说，可能需要一定的耐心去消化那些专业的术语和引经据典的注释。然而，正是这种不妥协的专业性，确保了内容的权威性和准确性。书中对于器物铭文的释读部分尤为精彩，作者不仅展示了拓片，还提供了详尽的文字考证和版本对比，清晰地勾勒出不同时代书风的差异，这对于研究古代文字和历史文献的学者而言，简直是如获至宝。书中对于某些存疑器物的讨论更是展现了严谨的治学态度，作者从不妄下定论，而是列出多种可能性，引导读者进行批判性思考，这种开放式的探讨方式，远比单向度的灌输知识更引人入胜。

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这本书的魅力，很大程度上源于它对“审美变迁”的敏锐捕捉。它不是简单地介绍“有什么”，而是深刻剖析了“为什么会变成这样”。比如，作者对特定时期流行的饕餮纹“面具化”倾向的分析，就非常到位。他认为这与当时的政治权力结构和祭祀仪式的庄重程度息息相关，纹饰的抽象与程式化，正是为了强化其作为“神圣”媒介的功能。相比于一些仅关注器物形制和年代断代的书籍，这本书更侧重于将青铜器置于其社会文化语境中去考察，这种全景式的观察角度，极大地拓宽了读者的视野。阅读过程中，我经常会停下来思考，这些沉重的金属容器是如何融入当时人们的日常生活和精神世界的？作者似乎总能在我思考的节点，提供一个精妙的论据或一个令人豁然开朗的类比。这是一本能激发深度思考，并且提供丰富论据来支撑这些思考的佳作。

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这部关于古代青铜器艺术的著作，简直是一部穿越时空的视觉盛宴！我原本以为这会是一本枯燥的学术专著，没想到作者的叙述方式充满了对历史的敬畏与热爱。尤其对那些纹饰繁复、铭文难辨的器物，他没有简单地罗列数据，而是深入挖掘了每一道刻痕背后的工匠心血与时代风貌。比如，书中对“神兽纹”的解读，细致入微地分析了不同时期神兽形象的演变，从早期淳朴的造型到晚期流动的线条，仿佛能触摸到当时社会对神秘力量的信仰变迁。更让我惊喜的是，作者巧妙地将考古发现与文献记载相结合，使得每一件青铜器都有了鲜活的“故事”。阅读过程中，我仿佛能听到地下出土时泥土簌簌落下的声音，感受到千年历史的沉淀。这本书的排版和图片质量也值得称赞，清晰的特写镜头，让那些微小的细节也无所遁形，这对于研究纹饰肌理的爱好者来说，是莫大的福音。它不仅仅是一本图录，更像是一场精心策划的博物馆导览，引领我沉浸在那个闪耀着青铜光芒的时代。

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战国汉隋唐铜镜一百面，排序不方便阅读。先照片100张，然后同样器物同样顺序的拓片100张，最后对应解读100篇。为什么同一面铜镜的不放在一起呢……然而解释极其详尽，连鸟兽葡萄镜背面的葡萄39串都数出来了orz。排序奇怪减一星。

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这个排版……

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战国汉隋唐铜镜一百面，排序不方便阅读。先照片100张，然后同样器物同样顺序的拓片100张，最后对应解读100篇。为什么同一面铜镜的不放在一起呢……然而解释极其详尽，连鸟兽葡萄镜背面的葡萄39串都数出来了orz。排序奇怪减一星。

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我不服。

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这个排版……