中國繪畫總合圖録 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:東京大学出版会

作者:鈴木敬 編

出品人:

页数:421

译者:

出版时间:1983-1

价格:0

装帧:

isbn号码:9784130800730

丛书系列:

图书标签:

• 东國英華
• （央美）王浩推荐
• 鈴木敬
• 中国絵画総合図録
• 中国绘画
• 绘画史
• 艺术史
• 绘画作品
• 中国艺术
• 古代绘画
• 图录
• 绘画技法
• 文化艺术
• 艺术参考

《画境千年：中国绘画艺术巡览》 本书并非一部传统的学术专著，而是一次穿越历史长河的感官漫游，旨在邀请读者以最直观、最贴近的方式，领略中国绘画数千年来的辉煌成就与独特魅力。我们并非试图为宏大的“中国绘画总合图录”提供补充或注脚，而是希望以一种更具温度和故事性的方式，点亮那些散落在历史尘埃中的艺术瑰宝，让它们重新焕发生机，与每一位读者进行一次跨越时空的对话。 在中国绘画的长卷中，每一笔、每一墨，都凝聚着时代的精神、文人的情怀、匠人的心血，更承载着中国人对于自然、人生、宇宙的深刻理解与感悟。从石器时代的岩画，到唐宋的巅峰，再到明清的繁盛，中国绘画如同一个生生不息的生命体，不断演进，风格多元，技法精湛，内涵丰富。本书将带领您深入探索这一波澜壮阔的艺术史，但并非以 exhaustive 的姿态，而是以精选的视角，聚焦那些极具代表性、能够引领我们窥见中国绘画核心精神的作品和流派。 开篇：远古的回响与文明的曙光 我们的旅程始于遥远的史前时期。虽然留存至今的实物极为有限，但那些镌刻在岩壁上的古朴图腾，已经向我们展示了早期人类原始的想象力与对自然的敬畏。这些粗犷而充满生命力的线条，是中国绘画最初的萌芽，也是人类文明早期视觉表达的珍贵见证。从这些模糊的印记中，我们可以触摸到先民们对生殖、狩猎、祭祀等活动的记录，它们既是图像，也是故事，是连接人与神灵、人与自然的桥梁。 随着文明的曙光逐渐驱散蒙昧，新石器时代的彩陶纹饰，以其鲜明的几何图案和写实性的动物纹样，展现出更为成熟的审美意识和艺术表现力。那些流动的线条、和谐的色彩，仿佛是大地上生命的律动，是古代先民对美好生活的朴素向往。这些图案并非简单的装饰，而是蕴含着当时社会生活、宗教信仰的密码，为我们解读早期中国人的精神世界提供了线索。 第二章：青铜时代的辉煌与秦汉的磅礴 进入青铜时代，中国绘画的面貌开始变得更加清晰。虽然器物上的纹饰仍然是主流，但其复杂程度、写实性以及叙事性都得到了显著提升。饕餮纹的神秘威严，龙凤纹的神秘吉祥，都在无声地诉说着那个时代的权力、信仰与审美。这些铸刻在青铜器上的图案，是中国早期视觉艺术的重要组成部分，其技艺之精湛，造型之独特，至今仍令人叹为观止。 秦汉时期，随着帝国建立，绘画开始走向更为广阔的艺术天地。虽然大量的绘画作品未能完整保存，但从汉墓壁画、画像石、画像砖中，我们可以窥见那个时代绘画的磅礴气势与多元风格。《史记》、《汉书》等文献中对绘画的记载，以及出土的帛画，都为我们勾勒出一个生机勃勃的绘画图景。汉代绘画以其强烈的写实主义倾向，对历史人物、神话传说、日常生活进行了生动描绘。那些线条劲健、色彩明快的画面，充满了历史的厚重感与生命的活力，展现了中华民族早期的艺术自信与雄心。我们将在这一章节中，重点展现汉代壁画中那些充满动感的马车出行图、宴饮享乐图、以及充满神话色彩的场景，感受汉代艺术家对空间、运动和情感的独特把握。 第三章：魏晋风骨与六朝的玄思 魏晋南北朝是中国历史上一个特殊的时期，社会动荡，思想活跃，尤其是在玄学的兴起下，中国人的精神世界发生了深刻的变化。这种变化也深刻地影响了绘画艺术。“以形写神”成为魏晋绘画的重要美学追求，绘画不再仅仅追求外在的逼真，更注重表现人物内在的精神气质。顾恺之的“以形写神，以线塑形”的理论，以及他笔下那些飘逸灵动、意态横生的仕女形象，至今仍是中国绘画史上的璀璨明珠。 这一时期，佛教艺术也随之兴盛，并与中国本土绘画传统相互融合，创造出独特的艺术风格。敦煌莫高窟的壁画，作为这一时期绘画的集大成者，展现了佛教故事的生动演绎，以及对人物情感、神态的细腻刻画。我们将在本章中，重点解析魏晋时期绘画中对人物神韵的刻画，以及佛教绘画如何在中国化过程中，吸收并转化本土的艺术元素，形成具有东方独特魅力的佛教艺术体系。 第四章：唐朝盛世的斑斓与写实 唐朝，中国历史上一个辉煌的时代，绘画艺术也迎来了空前的繁荣。唐代绘画继承了魏晋以来写实精神，并在此基础上，以更为宏大、更为绚丽的色彩和更为丰富的题材，展现出盛世的气象。人物画在阎立本、吴道子等大师的笔下，达到了新的高峰。阎立本的《步辇图》、《历代帝王图》，以其精湛的写实技巧和生动的人物刻画，展现了唐代帝王的风采与历史的庄重。而吴道子，被誉为“画圣”，他的“吴带当流”技法，以刚劲奔放的线条，赋予画面以极强的生命力与动感，尤其是在宗教画和山水画方面，更是开创了新的局面。 唐代壁画，尤其以敦煌莫高窟和唐长安城宫殿壁画为代表，色彩鲜艳，题材广泛，人物造型丰满，线条流畅，充满了生活气息和皇家气派。山水画也开始独立发展，李思训的“金碧山水”以其富丽堂皇的色彩和工整的构图，展现了宫廷贵族的审美情趣，而王维的山水画则更偏重于水墨写意，注重诗情画意，开创了文人山水画的先河。本书将重点呈现唐代绘画在人物造型、色彩运用以及山水画发展上的重要突破，展现盛世大唐的艺术风貌。 第五章：宋代绘画的精微与写意——山水、花鸟、人物的集大成 宋代是中国绘画发展史上的一个高峰，尤其是在山水画、花鸟画领域，达到了前所未有的艺术高度。宋代绘画强调“理”与“意”的结合，既注重对自然景物的细致观察与写实描绘，又追求笔墨的情感表达与意境的营造。 山水画方面，宋代出现了“大山水”与“小景山水”等不同风格。范宽的《溪山行旅图》以其雄浑壮阔的气势，展现了北方山水的巍峨壮丽；郭熙的《早春图》则以其精妙的笔法和对季节变化的细腻捕捉，呈现了北方山水的温润与生机。南宋的马远、夏圭，则以其“马一角”、“夏半边”的构图方式，展现了南方山水的秀美与空灵，营造出一种“可行、可望、可居、可游”的意境。本书将深入解析宋代山水画在构图、笔墨、色彩以及意境营造上的精微之处，以及不同地域、不同流派山水画的独特魅力。 花鸟画在宋代也得到了极大的发展，成为独立的画种，并涌现出黄荃、徐熙等大师。“黄家富贵”以其工整富丽的设工笔，描绘宫廷富贵花鸟，“徐家野逸”则以其水墨淋漓的写意，表现自然野趣。宋代花鸟画不仅在写实技法上达到巅峰，更注重捕捉花鸟的生命神韵，将自然之美与人文情怀融为一体。我们将通过对宋代花鸟画的赏析，感受画家们对生命的热爱与对自然的细致体察。 人物画方面，宋代绘画在继承唐代写实的基础上，更加注重人物的心理刻画和生活情趣的描绘。张择端的《清明上河图》，更是以其宏大的叙事性、精细的笔触和生动的市井描绘，成为中国绘画史上不朽的杰作，生动地再现了北宋都城的繁华景象，堪称一幅百科全书式的社会生活画卷。我们将通过对《清明上河图》等作品的解读，理解宋代绘画在现实主义和细节描绘上的极致追求。 第六章：元明清的变革与创新——文人画的兴盛与地域流派的演变 元代，虽然政治格局发生变化，但绘画艺术并未中断，反而出现了以文人画为代表的新发展。赵孟頫在复兴传统、提倡古意的同时，也对笔墨技法进行了创新，其书画结合的理念，深刻影响了后世。元代山水画呈现出更为自由奔放、意趣盎然的风格，注重抒发个人情怀，强调笔墨情趣。 明清时期，中国绘画进入了一个更为多元和活跃的阶段。文人画的影响力进一步扩大，涌现出“吴门四家”等一批杰出的文人画家，他们的作品既继承了宋元文人画的传统，又展现出各自独特的风格面貌。同时，地域性的绘画流派也日益凸显，如“浙派”、“徽派”等，各自形成了鲜明的艺术特色。 明代，沈周、文徵明、唐寅、仇英等“吴门四家”，以其精湛的技艺和高雅的格调，将文人画推向新的高峰。他们的山水画，或清秀雅致，或浑厚苍劲，或设色浓艳，或水墨淋漓，展现了丰富多样的艺术表现力。 清代，绘画领域更是呈现出百花齐放的局面。董其昌提出了“南北宗论”，对后世绘画产生了深远影响。而“扬州八怪”等画家，则以其独特的个性和不拘一格的艺术手法，挑战传统，追求创新，展现出奔放不羁的艺术精神。八大山人、石涛等，更是以其独特的笔墨语言和深刻的哲学思考，在中国绘画史上留下了浓墨重彩的一笔。 本书将重点呈现明清时期文人画的兴盛，及其对中国绘画美学观念的深刻影响，同时也会探讨明清时期不同地域流派的演变，以及那些敢于挑战传统、突破成规的创新者，感受这一时期中国绘画艺术的 dynamism 和生命力。 结语：不息的生命，永恒的启迪 《画境千年：中国绘画艺术巡览》并非一个终点，而是一次邀请。我们希望通过对中国绘画史上诸多重要节点、代表性作品和核心精神的梳理与呈现，能够激发您对中国传统绘画的兴趣，并促使您进一步去探索、去感受。中国绘画的魅力，在于其深厚的文化底蕴，在于其独特的审美追求，更在于其对生命、自然、宇宙永恒的思考与表达。 每一个时代的绘画，都是那个时代最生动的注脚。每一幅传世之作，都蕴含着跨越时空的智慧与情感。希望本书能成为您开启这段艺术旅程的一扇窗，让您在欣赏这些古老艺术的同时，也能从中汲取力量，获得启迪，并最终在自己的生活中，找到属于自己的“画境”。中国绘画的生命，在历史的长河中从未停息，它将继续以其独特的方式，照亮我们的心灵，丰富我们的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这部画册的装帧设计着实令人眼前一亮，那种沉稳中透着雅致的质感，初次上手便能感受到编者对艺术品保护与展示的用心良苦。纸张的选择极考究，不仅色泽温润，触感上也带着一种恰到好处的厚重，让人在翻阅时心生敬畏。尤其是那些大幅面的复制品，墨色的层次和线条的韵味，即便是隔着一层铜版纸，也似乎能触摸到古人运笔时的气息。我特别欣赏它在细节处理上的精细，对于那些绢本上的皴法和设色，即便是放大观察，也保持了极高的清晰度和色彩还原度，这对于研究者来说，无疑是省去了许多实地考察的奔波之苦。整体而言，它不只是一本图录，更像是一个精心维护的私人小型博物馆，每一页都充满了对历史的尊重与对美的致敬。装帧的讲究，让它在书架上同样散发着一种低调而强大的气场，即便是作为陈设品，也极具品味，远胜过那些徒有其表、内容空泛的艺术书籍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑，可以说是一绝。它没有拘泥于简单的年代顺序，而是巧妙地利用主题和地域进行了巧妙的切割与重组，使得不同时期的艺术思想能够在特定的章节中产生有趣的对话。比如，它将某些具有地域特色的画派放在一起进行比较，凸显了地理环境对艺术创作的潜移默化影响，这种跨越时空的结构安排，极大地增强了阅读的连贯性和启发性。我个人尤其喜欢其中关于“写意”与“工笔”在不同朝代交替使用时所蕴含的哲学思辨，作者并未给出标准答案，而是通过并置不同风格的作品，引导读者自行体会其中的张力与融合。这种引导式的叙事方式，使得阅读过程充满了个体经验的构建，而不是被动接受既定结论。每一次重读，都会因为关注点的不同，而获得全新的领悟，如同面对一座结构复杂的迷宫，每次进入都能发现新的路径。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于色彩的记录和运用简直是教科书级别的示范。尤其是那些唐代壁画的摹本，那种浓烈而又和谐的色彩组合，在纸张上得到了惊人的复原。我特别关注了其中对敦煌和高昌地区作品的收录，那饱经风霜的矿物颜料是如何在千年之后依然散发出宗教和世俗的混合魅力，书中对这些颜料的化学成分和应用特点的侧面描述，虽然是艺术图录，却也具备了材料科学的严谨性。这种跨学科的视角，让这本书的厚度远远超出了纯粹的艺术史范畴。它让读者不仅“看”到了画，更“理解”了画是如何被创造出来的，其中的艰辛和智慧是肉眼可见的。对于那些希望深入了解古代绘画颜料技艺的爱好者来说，这本书提供的间接信息价值，甚至超过了直接对画作本身的欣赏。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，最直观的感受是那种宏大叙事下的细节铺陈，它像是一位博闻强识的引路人，带领我们穿越了数个朝代的艺术演变长廊。我印象最深的是其中对于宋代山水画中“点景人物”处理手法的对比分析，那种细微到发丝和衣带的描绘，体现了作者对画作文本的深度挖掘，绝非简单的图文罗列。其中穿插的一些对相关文献的引用和考证，虽然篇幅不长，但逻辑严密，为我们理解画作背后的社会文化背景提供了坚实的支撑。我曾花了好几个下午，仅仅比对着几幅不同时期、不同地域画家的用印习惯，那种细致入微的对比，让我对“风格”的形成有了更具象的认识。这本书在知识的密度上是惊人的，它要求读者不仅要有欣赏的眼光，更要有探究的耐心，实实在在地将“阅读”变成了一场智力上的探险。这种不把读者当外行的做法，恰恰是它最可贵的地方。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，这本书的学术规范性令人肃然起敬。注释和引文的处理极其严谨，几乎每一幅重要作品的署名、出处、流传过程，都有详尽的交叉验证记录。这种近乎苛刻的考证态度，使得这本书在学术界具有极高的参考价值，它无疑是建立在一个庞大而扎实的文献基础之上的。我曾尝试对比书中几处重要的流传记录，发现其引用的古籍版本都经过了审慎的选择和比对，避免了许多流传中常见的讹误。这种对“真实性”的执着追求，使得我们在阅读时可以完全信赖其提供的背景信息。它不仅仅是一部作品的集合，更像是一个历史文献的微缩档案馆，其背后的巨大工作量和对学术诚信的坚守，是任何一本普通的艺术鉴赏读物都无法比拟的，让人深感敬佩。

评分☆☆☆☆☆

东博和大阪东西都好多啊

评分☆☆☆☆☆

东博和大阪东西都好多啊

评分☆☆☆☆☆

东博和大阪东西都好多啊

评分☆☆☆☆☆

东博和大阪东西都好多啊

评分☆☆☆☆☆

东博和大阪东西都好多啊