中国絵画総合図録 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:東京大学出版会

作者:戸田禎佑

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:1998-10

价格:JPY 41040

装帧:単行本

isbn号码:9784130800761

丛书系列:

图书标签:

• 中国絵画総合図録
• 东國英華
• 中国绘画
• 绘画史
• 艺术史
• 中国艺术
• 绘画作品
• 图录
• 艺术参考
• 文化遗产
• 收藏
• 美术

《中国绘画总览：一部跨越千年的视觉史诗》 本书并非仅仅是一本简单的画册，而是一次深邃的艺术之旅，一次穿越中国绘画数千年历史的长河的探险。它以一种前所未有的广度和深度，梳理、呈现并解读了中国绘画史上最具代表性和影响力的作品，力求为读者构建一幅全面而立体的中国绘画全景图。这并非对某一特定画集内容的罗列，而是对中国绘画精神、技法、流派、思想演变及其背后社会文化背景的系统性考察。 一、 溯源而上：从远古的图腾到史前的萌芽 中国绘画的起源，可以追溯至遥远的史前时期。本书将带您一同探寻那些刻画在陶器、岩壁上的神秘符号和图案。这些原始的艺术表达，虽然稚拙，却蕴含着先民对自然的敬畏、对生命的祈愿以及部落的图腾信仰。它们是中国绘画最古老、最纯粹的胚胎，为后世的艺术发展埋下了伏笔。从新石器时代的彩陶纹饰，到仰韶文化、龙山文化遗址中发现的早期绘画痕迹，我们将看到中国绘画从装饰性图案向叙事性、象征性表达的初步演变。这些早期作品，往往与宗教仪式、神话传说紧密相连，反映了当时人们的世界观和宇宙观。 二、 奠定基石：青铜时代的抽象与符号 进入青铜时代，中国绘画的艺术语言开始变得更为复杂和抽象。虽然直接的绘画作品留存不多，但青铜器上精美的纹饰，尤其是饕餮纹、夔纹等，已经展现出高度的装饰性和象征意义。这些纹饰并非简单的图案，而是承载着复杂的礼制、神话和宇宙观念。本书将通过对这些青铜器纹饰的深入解读，揭示其背后蕴含的艺术思维和审美追求。这些纹饰的线条、结构和布局，虽然与后世的写意画有很大不同，但其对形式美的探索和对精神内涵的追求，已经显露出中国艺术的早期特征。 三、 走向具象：秦汉时期绘画的勃兴 秦汉时期，随着社会经济的发展和政治文化的统一，中国绘画迎来了第一个重要的发展阶段。墓室壁画、帛画等形式的出现，使得绘画的内容和表现手法大大丰富。本书将重点关注这一时期的绘画作品，例如汉代的画像石、画像砖，以及马王堆汉墓的帛画。这些作品不仅记录了当时的社会生活、历史事件、神话传说，更在人物造型、线条运用、色彩表现等方面展现出显著的进步。我们将看到，从朴素的线条勾勒到对人物神态、情感的初步刻画，从平面化的构图到对空间感的初步尝试，秦汉绘画为中国绘画的进一步发展奠定了坚实的基础。尤其值得一提的是，这一时期已经出现了对“气韵生动”的初步追求，尽管尚未形成成熟的理论，但其艺术精神已经显现。 四、 辉煌的唐代：写实与意境的融合 唐代是中国绘画史上的一个黄金时代。佛教艺术的繁荣，以及中外文化交流的深入，极大地丰富了绘画的表现题材和艺术风格。本书将深入剖析唐代绘画的各个方面，包括人物画、山水画、花鸟画的早期形态。我们将欣赏到如《洛神赋图》（传顾恺之）、《步辇图》（阎立本）、《簪花仕女图》（周昉）等传世名作所展现出的精湛技艺和时代风貌。唐代人物画的写实性达到前所未有的高度，人物形象生动传神，衣纹飘逸流畅。同时，山水画也开始独立发展，初具规模，山石的皴法、树木的画法逐渐形成。本书将通过对这些代表性作品的分析，揭示唐代绘画在写实功力、色彩运用、构图布局以及情感表达上的突出成就。更重要的是，唐代绘画已经开始注重意境的营造，将现实的景物与画家的主观情感相结合，为后来的写意画奠定了基础。 五、 转型与创新：宋元时期的文人画兴起 宋代是中国绘画理论和实践发展的重要时期。宋代山水画取得了举世瞩目的成就，出现了李唐、范宽、郭熙、马远、夏圭等一代宗师。本书将详细阐述宋代山水画的“全景山水”和“边角山水”等不同风格，分析其在构图、笔墨、意境上的创新。同时，宋代花鸟画也达到了极高的艺术水平，写实性与象征性相结合，如赵佶的《芙蓉锦鸡图》便是典范。本书还会关注宋代人物画的世俗化趋势，以及文人画的初步兴起。 进入元代，随着社会变革，绘画风格也发生了显著变化。文人画在元代得到了空前的发展，涌现出赵孟頫、黄公望、王蒙、倪瓒等杰出的文人画家。本书将深入探讨元代文人画的艺术理念，如“写意”精神、笔墨情趣、诗书画结合等。我们将分析元代山水画从院体画向文人画的转型，以及其在笔墨语言、构图章法上的独特创新。元代绘画的笔墨韵味、气韵生动，以及对个人情感的抒发，对后世产生了深远影响。 六、 意境的升华：明清绘画的多元发展 明清时期是中国绘画进入成熟与繁荣阶段的标志。本书将展现这一时期绘画的多元化面貌，包括继承传统、锐意创新的院体画家，如唐寅、仇英、文徵明等；以及继承文人画传统，并将其推向新高度的画家，如沈周、董其昌、八大山人、石涛等。我们将详细分析不同流派的艺术特点，例如吴门画派、松江画派、金陵画派、扬州八怪等，以及他们各自在山水、人物、花鸟画领域所做出的贡献。 明清绘画在笔墨技法上更为精炼，构图更为灵活，意境更为深远。本书将重点关注这一时期画家们对笔墨语言的探索，以及他们如何在作品中注入深刻的思想内涵和个人情感。例如，董其昌的“南北宗论”对后世绘画理论产生了巨大影响；八大山人的孤傲笔墨，石涛的“搜尽奇峰打草稿”的写生精神，都体现了中国绘画在精神层面的不断追求。同时，明清时期的版画、插图也得到了发展，反映了绘画在社会生活中的广泛应用。 七、 走向现代：近现代绘画的变革与传承 本书的视角将延伸至近现代中国绘画。我们将探讨晚清时期，当西方绘画思潮传入中国时，中国画家如何在新旧观念的碰撞中寻求突破。从“海派”绘画的兼容并蓄，到“京派”绘画的坚守传统，再到“新美术运动”的兴起，中国绘画在民族危亡之际，经历了艰难而重要的转型。 我们将关注徐悲鸿、齐白石、黄宾虹、傅抱石、李可染等近现代绘画大师的创作历程，分析他们在继承中国传统绘画精髓的同时，如何吸收西方绘画的优点，以及如何将中国绘画推向新的时代。本书将展示近现代画家们在题材选择、表现手法、色彩运用、笔墨创新等方面所做的努力，以及他们如何通过绘画来表达民族精神、时代情感和个人理想。 结语：一部活态的中国精神史 《中国绘画总览》不仅仅是对数千年绘画作品的汇集，更是一部活态的中国精神史。它通过一幅幅画卷，展现了中国人对自然、人生、社会的独特理解和审美情趣。从远古的朴拙到盛唐的华丽，从宋元的雅逸到明清的奔放，再到近现代的深刻反思与创新，中国绘画始终与民族的命运、文化的变迁、思想的演进紧密相连。 本书致力于为读者提供一个全面、深入、系统地了解中国绘画的平台。它旨在激发读者对中国传统艺术的兴趣，培养对中国绘画艺术的鉴赏能力，并从中体悟中华民族深厚的文化底蕴和独特的艺术智慧。无论您是艺术爱好者、研究者，还是仅仅对中国文化充满好奇的读者，本书都将是您探索中国绘画魅力不可或缺的指南。它将引领您穿越时空的界限，感受那些历经岁月洗礼却依然鲜活的艺术灵魂。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

对于一个业余爱好者来说，这本书的体量简直令人望而生畏，我承认我还没有能力完全消化它所有的内容。但即便只是浏览其中的图像部分，也足以让人心潮澎湃。那些高清的复制品，尽管受限于印刷工艺，仍旧展现出了原作中那些令人屏息的细节——比如卷轴上细微的皴裂痕迹，或是墨色在宣纸上自然晕化的微妙层次。我发现自己经常会陷入对某几幅作品的“定格”式凝视中，试图揣摩古人作画时的心境。这本书的叙事节奏非常稳健，它不急于下结论，而是侧重于提供证据链，引导读者自己去得出判断。这种尊重读者智识的编撰方式，比起那些过度解读、言之凿凿的评论来，显得更为高级和真诚。我特别喜欢它对不同流派画家之间相互影响、彼此致敬的那段描述，展现了艺术史的连续性和张力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“大部头”式的艺术史著作抱有很高的期待，但也做好了可能要“啃”下去的心理准备。这本书的装帧设计颇为古典，纸张的质感也让人感到舒适，这在如今充斥着廉价印刷品的时代，实属难得。最让我印象深刻的，是它在解析技法背后的文化心理层面所下的功夫。比如，它如何将“留白”不仅仅视为一种绘画技巧，而是与道家“虚实相生”的宇宙观联系起来，这种跨学科的阐释角度，着实令人耳目一新。我不是科班出身，很多时候看画只是凭直觉，这本书却提供了坚实的理论支撑，帮助我将那些模糊的感受具象化、系统化。当然，作为一部百科全书式的作品，它在某些细节的探讨上难免显得有些蜻蜓点水，但瑕不掩瑜，它成功地建立起一座沟通古典艺术与现代读者的桥梁，至少对我而言，它已经成为了案头必备的参考工具书，随便翻开一页，总能有所启发。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我首先关注的是它的索引和图版质量，毕竟，对于图像研究来说，这一点至关重要。坦白说，这本书的图像呈现质量绝对是顶尖水准，即便是古代作品中那些极易失真的色彩对比，也得到了最大程度的还原。但真正让我觉得物超所值的是它在文献引用和出处考证方面的扎实工作。它不仅仅是展示“是什么”，更严谨地论证了“为什么是这样”。例如，在探讨某个特定题材的兴起时，它会追溯到当时的社会背景、哲学思潮，甚至是文人圈层的互动关系，构建起一个多维度的观察视角。我发现自己不再仅仅是被某幅画的表象所吸引，而是开始思考其背后复杂的文化土壤。这本书的价值，不在于它能告诉你哪幅画最有名，而在于它教会你如何去“看”——一种带着历史感和文化深度的观看方式，这种能力，远比记住一堆艺术家的名字要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

我是在一位年长的师长推荐下接触到这本书的，他告诉我，真正想搞懂中国艺术，绕不开这种基础性的、全面性的梳理。一开始，我确实觉得它过于学术化，很多专有名词需要频繁查阅字典才能理解其确切含义。但随着阅读的深入，我开始意识到，正是这些严谨的术语构建了理解艺术的“操作系统”。这本书的结构设计非常清晰，章节划分逻辑严密，使得即便是跨越数个世纪的风格变迁，也能被梳理得井井有条，不至于让人迷失在浩瀚的史料中。它就像是一张精确绘制的海图，标示了中国艺术史上的主要航道和暗礁。我个人尤其欣赏其中关于“文人画”精神内核的探讨，它揭示了绘画如何超越单纯的视觉再现，成为士大夫阶层表达抱负、寄托情怀的独特载体，这种精神层面的洞察，远超了我此前的想象。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的典籍，甫一入手，便觉沉甸甸的，仿佛历史的重量都凝聚于此。我原以为它会是一部冰冷的技术手册，专注于描摹线条的粗细、墨色的浓淡，或是某种晦涩难懂的鉴赏术语的堆砌。然而，当我翻开扉页，一种扑面而来的，关于“气韵生动”的东方哲学意境，便将我牢牢吸引。它并非仅仅罗列图例，而是试图构建一个理解中国艺术精神的宏大框架。书中对不同时期绘画风格流变脉络的梳理，如同高明的导游，领着我们穿梭于唐代的雄浑、宋代的精微以及元明清的文人趣味之间。尤其令我赞叹的是，它对于那些被忽视的、处于主流叙事边缘的地域性画派的关注，拓宽了我对“中国绘画”这一概念的理解边界。那些详尽的图录索引和摹本对比，虽然需要耐心研读，但对于致力于深入研究的学者而言，无疑是打开新视野的金钥匙。它不是那种可以随意翻阅消遣的读物，更像是一部需要沉下心来，与之共鸣的“修行之书”。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆