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出版者:湖南美术出版社

作者:沃兴华

出品人:

页数:303

译者:

出版时间:2009-8

价格:52.00元

装帧:平装

isbn号码:9787535629951

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 艺术
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《中国古代园林艺术：从魏晋到清末的流变与精粹》 内容简介 本书深入探究了自魏晋南北朝发端，历经隋唐的盛极，宋代的精细入微，元明的格局再造，直至清代集大成的中国古代园林艺术的千年发展脉络。它不仅是一部艺术史的梳理，更是一部融合了哲学思想、社会变迁与审美情趣的文化通史。全书力求突破传统园林史的地理或断代叙事局限，着重于园林理念、造园技法、文化内涵及地域风格之间的内在联系与演变逻辑。 第一部分：序曲与奠基（魏晋至唐代） 第一章 魏晋风度与山水初醒： 探讨魏晋时期文人士大夫阶层对自然与隐逸的推崇，如何催生了早期私家园林——“竹林茅屋”的雏形。重点分析了“以诗入园”的理念，如何引导造园者从模仿具象山水转向营造心境与意境。分析了佛教石窟造像与园林造景的相互影响，以及道家“逍遥游”思想对空间布局的深远影响。 第二章 隋唐气象与皇家园林的恢弘： 剖析隋代“新芳园”等标志性工程，如何为唐代皇家园林（如大明宫含元殿前苑）奠定了宏大叙事的基调。深入研究唐代“山水相融”的造园手法，特别关注“亭台楼阁”的建筑群与自然环境的有机结合。介绍长安与洛阳作为政治中心对园林审美的影响，体现出兼容并蓄、万国来朝的气度。同时，讨论这一时期江南园林（如扬州）开始展现出不同于北方的灵秀气质。 第三部分：精微与内敛（宋代） 第三章 宋画入园：写意山水的极致追求： 聚焦于宋代，这是一个园林艺术从“大景”转向“精景”的关键转折点。详细阐述了宋代山水画（特别是南宋院体画）对园林设计的影响，如如何通过叠山理水，实现“咫尺之内再造乾坤”的艺术效果。 第四章 文人造园的成熟与批判： 重点分析了以苏轼、朱熹为代表的文人对园林哲学的深度构建。苏轼“与物同春”的园林观，如何倡导师法自然、去雕饰的审美倾向。细致考察了“借景”手法在宋代园林中的成熟运用，如对远山、邻家树木的巧妙纳入，以及“移步换景”的空间序列设计。分析了园林中理学思想对秩序感与内在逻辑的强调。 第三部分：变革与集大成（元、明、清） 第五章 元代：士人精神与园林的新生： 考察元代文人因政治地位变化，将园林作为安顿性灵、寄托理想的重要场所。探讨了元代园林如何摆脱皇家气派的束缚，更加注重私密性、个体趣味和对历史遗迹的尊重。分析了南方私家园林在文人主导下，由单纯的游赏空间向修身养性之地的转变。 第六章 明代中后期：江南园林的鼎盛与风格确立： 这是中国古典园林艺术的黄金时代。本书详细梳理了以苏州为核心的私家园林群落，如拙政园、留园的形成与发展。系统论述了明代造园的核心特征：精巧的水体处理、细腻的植物配置、多变的廊道系统。重点分析了文震亨《长物志》等理论著作对造园实践的指导意义，揭示了明代园林对“雅”与“趣”的极致追求。 第七章 清代：融合、规范与地方特色： 探讨清代，特别是乾隆盛世，皇家园林（如颐和园、圆明园）在吸收前代经验后的集大成表现，体现了中央集权的审美规范。同时，也关注地方园林在继承江南文人园林传统的同时，如何融入满族特色与地方材料，形成如扬州园林、岭南园林的独特面貌。讨论了清代园林在工艺技术上的飞跃，如花窗、砖雕、彩画的运用。 第四部分：技术、符号与文化意蕴 第八章 叠山理水的技艺与哲学： 专门分析中国园林中“山水”的构建，区分了黄石假山、宜兴紫砂假山等不同材料与技法的特点。探讨了水体设计（池、湖、溪、泉）如何模拟自然，并作为空间序列的导引要素。 第九章 植物的意象与空间的界定： 考察了中国园林中特定植物（松、竹、梅、兰）的文化象征意义，以及它们在空间布局中起到的“界定”和“暗示”作用，而非仅仅是装饰。 第十章 园林中的文学与艺术互鉴： 阐述匾额、楹联、碑刻在中国园林叙事中的功能，它们如何将园林的物质形态转化为可供阅读和感悟的精神空间。 本书旨在为读者提供一个清晰、深入的视角，理解中国园林如何从简单的休憩之所，演化为承载了深厚哲学思辨、美学追求和文人情感的“凝固的诗歌”与“可居、可游、可赏”的艺术载体。通过对历史语境的还原和技术细节的剖析，展现中国古典园林艺术在世界园林史中的独特地位与永恒魅力。

评分☆☆☆☆☆

历史这东西，说白了就那么点东西，你出无数本书，讲的都是那些事儿。 书法史最为全面最为细致的，我想不外乎江苏教育出的那一套《中国书法史》，这套书在我看来就是书法界的《追忆似水年华》。 沃兴华这本是朋友推荐的。鉴于我对理论的不敏感，一直是我的弱...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

我给这本书的评价是：大气磅礴，兼具深度与温度。它完美地平衡了学术的严谨性与大众的可读性。对于像我这样并非科班出身的爱好者来说，它提供了一个非常友好的入口，让复杂的历史脉络变得清晰易懂。书中的配图质量极高，原大印刷的细节让临摹者都能从中受益匪浅，这一点在很多同类书籍中是很难做到的。最让我感动的是，作者在总结各个阶段时，总会不经意地流露出对中华文脉的深沉热爱，这种饱满的情感融入在冰冷的历史事实中，使得阅读过程充满了一种神圣感。它不仅仅是一本关于“写字”的书，更是一部关于中国人审美情趣和精神追求的史书，读完后，感觉自己的胸襟也被这厚重的历史和精妙的艺术所拓宽了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排方式非常新颖，它没有采取那种线性的、从古至今的流水账式的叙述，而是采取了一种主题式的切入角度，这极大地提升了阅读的趣味性和逻辑性。它会围绕一个核心概念，比如“法度与意趣的张力”，然后贯穿数个朝代进行横向和纵向的比较分析，这种交叉参照的叙事手法，使得读者能够更清晰地把握书法艺术内部的辩证关系。我特别欣赏其中关于“笔法”的论述，作者没有止步于描摹“提按顿挫”，而是追溯了不同时代对“笔”的哲学思考，将其视为精神符号的载体。这种深层次的理论构建，让原本抽象的艺术技巧变得具有了可触摸的文化重量。对于想要系统构建自己书法理论体系的读者来说，这本书提供了一个非常坚实且富有创见的理论框架，远超一般的艺术普及读物。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是艺术爱好者和历史学者的宝藏！从装帧设计上就能感受到出版方的用心，纸张的质感和油墨的细腻处理，让每一个拓片的细节都清晰可辨。阅读体验极佳，不是那种冷冰冰的教科书式叙述，而是充满了故事性和人情味。作者似乎与每一位古代的书法大家进行了一场跨越时空的对话，娓娓道来他们笔墨背后的心路历程和时代背景。比如，书中对魏晋风度与王羲之书风的剖析，绝非简单的技法罗列，而是深入挖掘了那个时代士人精神如何融入点画之中，那种超然物外却又蕴含着深沉生命力的感觉，读来令人心驰神往。尤其欣赏它在不同流派兴衰演变中的宏大叙事，能够清晰地勾勒出中国书法艺术绵延不绝的内在逻辑，让人在赞叹古人造诣的同时，也对文化传承有了更深层次的理解。我个人对其中关于宋代尚意书风的论述尤为着迷，那份从心所欲不逾矩的境界，真的需要反复品读才能体会到个中三味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格简直是古雅脱俗，读起来像是在品味一坛陈年的老酒，初尝或许略显厚重，但后劲十足，韵味无穷。作者的文笔极其考究，用词精准且富有画面感，仿佛能通过文字“看见”颜真卿在纸上挥洒出的浑厚气象，或是苏轼在竹林中那一挥而就的洒脱意趣。我尤其喜欢它处理历史人物时的那种克制与敬畏，没有过度美化，也没有苛刻批判，而是力求还原历史的真实面貌。例如，书中对晚明时期书法流派纷争的描述，那种时代思潮碰撞下的激昂与无奈，被刻画得淋漓尽致，让人不禁为那个时代艺术家的命运唏嘘。它成功地将枯燥的朝代更迭和书体演变，转化成了一部引人入胜的艺术史诗，每次翻开都能发现新的乐趣和感悟，绝对是值得珍藏的佳作。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对书法史的兴趣仅停留在“认识几个名家”的层面，但这本书彻底刷新了我的认知。它最大的亮点在于其极强的史料支撑和严谨的考证，读起来丝毫没有故弄玄虚的感觉。不同于市面上一些侧重于鉴赏和技巧指导的读物，这本书像是一部精密的史学著作，将书法置于广阔的社会、政治、哲学背景下去考察，使得每一件传世墨宝都有了坚实的“坐标”。比如，它详细阐述了篆书到隶书的演变过程中的制度性变革如何推动了书体的结构性调整，这种自上而下的历史脉络梳理，逻辑清晰得令人拍案叫绝。我花了大量时间去比对书中引用的碑刻图片和传世法帖，发现即便是那些耳熟能详的作品，在作者的深入解读下也焕发出了新的光彩。这种学术的深度和广度，让这本书不仅是入门者的阶梯，更是专业人士案头必备的参考工具书。

评分☆☆☆☆☆

以沈曾植代表的“碑帖结合”取向截断众流，收束全史，可谓有眼光。

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我喜欢的老师~蛮特别的书法史

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以沈曾植代表的“碑帖结合”取向截断众流，收束全史，可谓有眼光。

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从帖学开始写得特别好，前面有点混乱。

评分☆☆☆☆☆

对作者期望太高。作者研究太精深……反而不够面面俱到。