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页数:338

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出版时间:2009-9

价格:300.00元

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isbn号码:9787806825143

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• 川剧
• 戏曲
• 传统文化
• 地方戏
• 四川
• 艺术
• 表演
• 文化遗产
• 民俗
• 戏曲艺术

《蜀地霓裳：巴蜀戏曲流变史》 内容提要： 本书以宏大的历史视野，深入剖析了巴蜀地区戏曲艺术从萌芽、发展到鼎盛的漫长历程。它并非聚焦于某一特定剧种的技艺细节，而是旨在勾勒出支撑起巴蜀文化血脉的整体戏曲生态图景。全书以时间为轴，以地域为经，探讨了从先秦祭祀歌舞、汉代百戏的遗风，到宋元南戏的渗透，再到明清传奇的定型，最终孕育出以川剧为代表的多元化戏曲格局的复杂过程。 第一部分：巴蜀沃土上的戏曲基因（上古至唐宋） 本部分追溯了巴蜀地区孕育戏曲艺术的文化土壤。首先，我们考察了古蜀国独特的宗教信仰和巫傩文化，如何以其神秘的仪式感和夸张的肢体表达，为后世戏曲的“虚拟性”和程式化奠定了最初的基石。书中详述了汉代“百戏”在蜀地的流行情况，通过出土文物和地方文献，重构了如“盘鼓”、“弄影戏”等早期表演形式的轮廓，强调了其与民间祭祀、节庆活动的紧密联系。 进入唐宋时期，巴蜀文化吸收了中原先进的音乐文学成果，但始终保持着强烈的地域特色。我们着重分析了“参军戏”在四川的演变，它如何将滑稽讽刺的元素注入到正式的舞台表演中，成为日后民间戏曲“丑角”表演的滥觞。同时，本书也探讨了宋代“瓦舍勾栏”在成都、重庆等地的建立，以及外来戏曲（如南戏、杂剧）在巴蜀的传播与本土化改造的初期尝试，指出四川艺人对这些外来剧种进行了“地方化”的再创作，使其更贴近巴蜀民众的生活语境和审美趣味。 第二部分：戏曲的多元化与本土化浪潮（元明清早期） 元代戏曲以杂剧的辉煌著称，本书则关注杂剧在巴蜀地区的接受与适应过程。我们发现，虽然元杂剧主流集中在北方，但四川地区戏班的活动从未间断。他们并未简单模仿，而是将外来的“正本”与四川本土的曲牌、说唱、道白相结合，形成了一种更为自由、更具叙事性的表演风格。 明代中后期，传奇的兴盛对巴蜀戏曲产生了深远影响。本书细致梳理了“弋阳腔”等声腔系统传入四川后的融合情况。重点分析了“清戏”（昆曲系统）在四川士大夫阶层中的传播，以及它与地方声腔在审美理念上的冲突与互鉴。这一时期，巴蜀地区的戏班开始涌现出具有独立个性的声腔组合，为后来形成统一的“川剧”打下了基础。我们通过对早期戏本的残存片段分析，揭示了这一阶段地方剧种如何从“模仿者”逐渐转变为“创造者”的关键性转变。 第三部分：成熟与定型：巴蜀戏曲艺术的整合（清中后期至民国初年） 本书的重点部分，集中探讨了清代中叶，巴蜀地区不同声腔系统（如西秦腔、高腔、滩簧等）如何通过艺人的长期磨合、剧目共享和舞台实践，最终走向整合，催生出具有强大生命力的、以“川剧”为总称的综合性剧种。 我们详细区分和论述了“高腔”的古朴雄浑、“弹戏”的细腻婉转、“胡琴”的火爆热情，以及“灯戏”的民间趣味，分析了它们在剧目题材、行当划分、舞台调度上的异同点。本书特别关注了“花部乱弹”的兴起，认为这是巴蜀戏曲艺术走向成熟的标志。它打破了旧有声腔的界限，以更灵活、更具表现力的唱腔和表演，极大地拓宽了戏曲的表现范围，使其能够更有效地反映复杂的社会现实和细腻的情感世界。 在“武戏”方面，本书引用了大量口述史料和舞台观察记录，系统地介绍了巴蜀地区武打场面的独特设计理念，如对“水袖功”、“筋斗云”等高难度技巧的创新运用，以及它们在叙事中的功能性意义。 第四部分：时代变迁中的戏曲生命力（近代至今的传承与挑战） 最后一部分审视了近现代以来，巴蜀戏曲所面临的社会变迁带来的巨大挑战。从辛亥革命后的新文化运动对传统戏曲的冲击，到抗战时期的爱国主题融入，再到解放后的艺术改革，本书客观地记录了戏曲艺人如何在时代洪流中坚守、适应与革新。 我们探讨了现代戏在巴蜀的试验，以及传统剧目在新的思想指导下的题材挖掘和表现手法的调整。本书尤其关注了如何在新时代背景下，保持地方戏曲艺术的“原味”与“生命力”，强调了对濒危剧目、独特技艺的保护与记录的紧迫性。 本书特点： 《蜀地霓裳》的视角是宏观的、流变性的，它关注的是“巴蜀戏曲”作为一个文化现象的整体演进脉络，而非专注于某一剧种的舞台实践或剧本研究。它以严谨的史料考证为基础，辅以生动的民间叙事，力图还原出巴蜀戏曲那生生不息、兼容并蓄的艺术特质。本书适合对中国地方戏曲史、民族艺术史、以及巴蜀文化史感兴趣的读者。

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我一直觉得，文化之所以能够传承下来，一定有其独特的生命力和魅力。《川剧精华》这本书，就非常生动地诠释了这一点。它让我看到了川剧是如何在历史的长河中不断融合、创新，又如何在民间生根发芽，与巴蜀大地人民的生活息息相关的。书中对川剧剧目经典案例的分析，让我对那些耳熟能详的戏文有了更深刻的理解。例如，书中对《白蛇传》里“水漫金山”一段的解读，不仅分析了演员如何通过肢体语言来表现滔天洪水，还探讨了其中蕴含的哲学思想和人文关怀。这样的解读，让我不再仅仅是作为一个旁观者去看戏，而是能真正地走进剧中的情境，体会角色的喜怒哀乐。这本书的价值在于，它不仅为我们提供了知识，更重要的是，它唤醒了我们内心对传统文化的感知和认同。它让我明白，川剧不仅仅是一种表演艺术，更是一种承载着历史、情感和智慧的生活方式。

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《川剧精华》这本书，简直是打开了我认知川剧的全新视角。我之前对川剧的了解，更多是停留在一些表面的印象，比如变脸很神奇，唱腔很独特。但读了这本书之后，我才发现川剧远不止于此。书中对川剧的各种声腔，比如胡琴腔、昆腔、弹腔、吹腔、骰子腔，都有非常详尽的介绍，我这才明白原来川剧的声腔如此丰富多彩，而且各有其韵味。更令我着迷的是，书中还深入剖析了川剧的表演程式，那些看似随意实则蕴含深意的身段、手势、眼神，原来都有着严格的规范和深刻的含义。我尤其喜欢书中关于“唱念做打”的讲解，每一个环节都写得细致入微，让我能感受到川剧表演者们日复一日艰苦卓绝的训练和对艺术的极致追求。读这本书，就像是进入了一个川剧的内部世界，我不仅看到了舞台上的光鲜亮丽，更看到了台下无数的心血和汗水。它让我对川剧的敬意油然而生，也让我对这份宝贵的非物质文化遗产有了更深的理解和珍视。

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拿到《川剧精华》这本书，我简直欣喜若狂，仿佛找到了失散多年的宝藏。我一直对川剧有着浓厚的兴趣，但苦于没有系统深入的了解。平时零散地听过一些名家名段，看过一些片段，总觉得意犹未尽，像隔靴搔痒。这次终于有机会从这本书入手，实在是一件幸事。翻开书页，首先映入眼帘的是精美的排版和考究的插图，瞬间就吸引住了我的目光。那一个个生动的脸谱，一招一式精炼的动作，都在书页上活灵活现，仿佛能听到锣鼓铿锵，看到演员们在舞台上挥洒自如的身影。我迫不及待地开始阅读，从书中我不仅看到了川剧的起源、发展演变，还深入了解了川剧的艺术特色，如变脸、吐火、折子戏等绝活是如何形成的，背后蕴含着怎样的技巧和文化。作者用通俗易懂的语言，结合大量生动的史料和案例，将川剧的博大精深呈现在我面前，让我如同置身于川剧的殿堂，感受着它独特的魅力。这本书不仅仅是关于川剧的介绍，更像是一场跨越时空的对话，让我与那些伟大的川剧艺术家们对话，感受他们的传承与创新。

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《川剧精华》这本书，给我带来了一种前所未有的文化冲击，也让我对艺术的理解有了新的高度。我之前对戏曲的认识，大多是通过电视剧或者一些简略的介绍，总觉得有些高高在上，离我的生活比较遥远。但是这本书，用一种非常接地气的方式，把川剧的精髓一点点地剥开，展现在我面前。我特别喜欢书中关于“脸谱”的介绍，那些红的、白的、黑的脸谱，在我看来不再是简单的涂抹，而是蕴含着人物性格、身份、命运的密码。书中对不同脸谱颜色的象征意义、绘制技巧的讲解，让我对川剧的视觉艺术有了全新的认识。同时，书中还涉及到了川剧的音乐，那些婉转悠扬的唱腔，铿锵有力的锣鼓，原来都是为了烘托剧情、刻画人物而精心设计的。这本书就像一位博学的向导，带我深入探索川剧的每一个角落，让我感受到了它在视觉、听觉、情感上所带来的全方位震撼。

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这本书《川剧精华》的出现，无疑是为我这样对传统艺术充满好奇，又缺乏系统知识的读者提供了一扇绝佳的窗口。我一直认为，了解一个地方的文化，最好的方式就是去了解它的艺术。《川剧精华》做到了这一点，而且做得相当出色。它不仅仅是枯燥的文字堆砌，而是用一种充满温度和生命力的方式，讲述着川剧的故事。我尤其欣赏书中对一些著名川剧演员的介绍，我能从中感受到他们对艺术的执着和奉献，以及他们是如何将川剧发扬光大的。这本书让我明白，川剧的“精华”不仅仅在于那些高难度的技巧，更在于它背后所蕴含的人文精神和情感表达。它让我看到了川剧演员的付出，也让我看到了川剧作为一种艺术形式，所能带给观众的共鸣和感动。合上书本，我仿佛能听到舞台上那熟悉的旋律，感受到那份穿越时空的文化魅力，心里充满了对这份宝贵遗产的敬意和热爱。

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