新中国历代名家墨宝 王铎书唐诗十首

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出版者:吉林文史
作者:吉林文史出版社 编
出品人:
页数:31
译者:
出版时间:2011-6
价格:12.00元
装帧:
isbn号码:9787547200742
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
  • 王铎
  • 唐诗
  • 墨宝
  • 中国书法
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具体描述

《中国历代名家墨宝:王铎书唐诗10首》主要内容简介:明末著名害家王铎(一五九二-一六五二年),字觉斯,虢嵩樵,别号烟潭渔叟。因其出生于河南孟津,故有“王孟津”之称。其书宗魏晋,名重当代,舆董其昌并称。

《中国书法艺术史纲要:从甲骨文到当代》 导读: 本书旨在系统梳理中国书法艺术自萌芽至当代的发展脉络,深入剖析历代书家在不同历史时期的风格演变、技法创新及其背后的文化意蕴。它不是一部单纯的碑帖鉴赏手册,而是试图将书法置于宏大的中国思想史、文化史和社会变迁的背景下进行考察的学术专著。全书结构严谨,论述深入浅出,力求为专业研究者提供扎实的理论基础,也为书法爱好者提供清晰的认知框架。 第一部分:溯源与奠基——先秦至魏晋的古朴与典雅 第一章:文字的诞生与书体的初创(甲骨文、金文、篆书) 本章追溯汉字的书写形式如何从实用性的刻画符号逐步演化为具有审美价值的书法艺术。重点考察殷商甲骨文的刀法特征、西周金文的庄重典雅,以及周代晚期至秦代的“书同文”政策对大篆和小篆规范化的影响。通过对大量出土实物的分析,揭示早期文字如何体现出朴素、浑厚、神秘的早期文明气质。 第二章:隶变的革命与楷书的定型(隶书与早期楷书) 详细探讨汉代隶变(隶书的产生与成熟)这一书法史上里程碑式的变革。分析隶书在结构上的蚕变、波磔(飞白)的运用,以及它如何彻底脱离篆书的古意,奠定后世方块字的基础。随后,本章过渡到汉末魏晋之际,审视楷书(真书)如何从隶书中脱胎而出,直至钟繇、王羲之等人在笔法、结构上的精微调整,使楷书达到形体完备的阶段。 第三章:魏晋风度与“书圣”的时代(王羲之、王献之及其影响) 本章将聚焦于魏晋士人群体对书法的独特审美追求。王羲之被视为中国书法史上承前启后的关键人物。我们将深入分析《兰亭集序》等代表作中“遒美自然”、“尽善尽美”的风格是如何形成的,探讨其如何将法度与性情完美结合。同时,对王献之、卫夫人等人的成就进行比较研究,勾勒出这一时期法帖风格的多样性。 第二部分:法度的确立与风格的竞逐——隋唐五代的规范与博大 第四章:初唐的法度之严与楷书的极致(欧、虞、褚、薛的对比) 隋唐时期,书法艺术在中国政治、文化格局的稳定下迎来了全盛。本章重点研究初唐四家(欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷)的楷书特点。分析他们如何在继承晋人笔意的基础上,通过强化结构上的对称性、笔画上的精细化,将楷书推向了“法度森严”的巅峰。特别剖析欧阳询“险劲”结构的独特魅力。 第五章:盛唐气象与“尚法”的顶峰(颜真卿与柳公权) 盛唐气象对书法的要求不再仅仅是精巧,更强调雄浑、博大和人格力量的体现。本章对颜真卿的“颜体”进行深入解读,探讨其如何通过“外拓”的笔法、饱满的字形,表达出“忠义”与“仁厚”的儒家精神。随后,对比柳公权在晚唐对颜体的继承与发展,探究其“颜筋柳骨”的内涵及其对后世的影响。 第六章:唐代的行草艺术与碑学先声 除了成熟的楷书,本章亦关注唐代行草书的成就,如孙过庭的《书谱》对草法理论的精辟论述,以及张旭、怀素“颠张醉素”的狂放不羁,展示了盛唐精神在动态书体中的喷薄而出。同时,本章将简要提及唐代碑刻对后世碑学复兴的潜在影响。 第三部分:尚意与尚态——宋元明清的多元化探索 第七章:宋代的尚意风潮与文人书写(宋四家) 宋代哲学的兴起使得书法审美转向“尚意”,强调书写者的个性、学养和瞬间的情感流露。本章详细分析苏轼的“丰腴”、黄庭坚的“奇崛”、米芾的“刷动”以及蔡襄的“平正”,探讨他们如何刻意反拨唐代的法度森严,将书法的抒情性推向新的高度。 第八章:元代的复古与帖学的深化 元代文人受到赵孟頫的强力影响,倡导“回归晋唐”,尤其推崇王羲之、王献之。本章分析赵孟頫如何以圆润遒劲的笔法,将“古意”与“法度”重新融合,并在审美上确立了帖学的正统地位。同时,关注鲜于枢、邓文原等人在继承传统中的各自侧重。 第九章:明代的书风转向与碑帖融合的初期尝试 明代书法呈现出明显的多元化趋势。本章将讨论早期台阁体对“馆阁气”的形成,以及吴门书派(如文徵明、祝允明)在继承宋人意趣上的努力。重点剖析晚明时期,以徐渭、董其昌为代表的书家如何进一步强化个人性情在书写中的表达,以及碑学思想的初步萌芽对帖学的冲击。 第四部分:碑学的崛起与近现代的革新 第十章:清代的碑学复兴与“金石气”的回归 清代中后期,随着金石学的兴盛,书法界对帖学的柔媚之风产生不满,碑学(以北碑、魏碑为宗)力量迅速崛起。本章详述邓石如、包世臣、康有为等人如何挖掘汉魏碑刻的雄强古拙之美,并分析碑学与帖学在审美观和用笔方式上的根本差异,以及由此引发的长期争论。 第十一章:近现代的变革与当代书法的面貌 本章聚焦于民国至当代书法艺术的转型。探讨西风东渐、社会剧变对传统书法的冲击,以及以吴昌硕、于右任等为代表的书家如何将碑学精神融入行草,开辟出新的面貌。最后,对当代书法教育、创作现状进行概述,分析其在继承与创新中面临的机遇与挑战,展望未来发展的可能性。 结语: 书法艺术的生命力在于其永恒的在法度中求变、在性情中求真的辩证统一。本书力求展现的,便是一个不断自我审视、自我超越的艺术史进程。

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这本书的排版布局简直是一场视觉的盛宴,它巧妙地平衡了留白的美学与内容的充实感。每一页的作品展示都给予了足够的空间呼吸,那大面积的留白,恰到好处地烘托出了墨迹的精气神,使得每一个字、每一笔画都像是被聚光灯单独照亮。编者在处理不同篇幅的诗作时,展现了高超的版式设计能力,既保证了原作的完整性,又通过巧妙的裁剪和对齐,使得整本书的阅读节奏流畅而富有韵律感。我留意到,很多重要的细节图或局部放大,都处理得极其精细,针尖大小的飞白和细微的笔锋提按都能清晰可辨,这对于研究者或爱好者来说,无疑是提供了极大的便利。更值得称道的是,它在作品旁附加的文字说明,那字体选择和字号大小的搭配,既不喧宾夺主,又能起到必要的引导作用,这种低调的辅助设计,体现了成熟的编辑功力。翻阅时,我甚至能感受到一种呼吸感,文字和图像之间的张弛有度,让原本静态的墨宝仿佛重新获得了生命力。

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作为一位长期关注传统文化的读者,我深切体会到,对古代书法的研究,很大程度上依赖于对原迹的高质量复制。而这本图册在影像还原度上,可以说达到了一个令人振奋的高度。我曾对比过一些网络上的低分辨率图片,与书中的呈现效果简直有天壤之别。这里的光影处理非常到位,能够准确捕捉到宣纸上墨色的浓淡干湿变化,那种“焦、浓、重、淡、清”的层次感,通过印刷技术被最大限度地保留了下来。特别是那些力透纸背的飞白处,线条的枯涩感和笔触的力度对比,都展现得淋漓尽致,让人几乎能想象到书写者当时运笔时的情景和心境。这种高精度的色彩还原,使得我们在学习和欣赏时,可以专注于对笔法细节的揣摩,而不用过多地去修正印刷带来的失真感。可以说,这本册子成功地搭建起了一座跨越时空的桥梁,让读者得以近距离地、真实地感受古代大师的创作现场。

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这本书的装帧设计实在令人惊艳,初次拿到手时,那种沉甸甸的质感和封面雅致的烫金工艺就立刻抓住了我的眼球。它不像许多市面上的艺术类书籍那样追求花哨的色彩堆砌,而是选择了一种沉稳、内敛的米黄色作为主色调,配上典雅的宋体书名,散发出一种穿越时光的古韵。尤其是内页纸张的选择,那种略带纹理的宣纸质感,即使用手指轻轻摩挲,也能感受到印刷者对细节的极致追求。翻开扉页,那种油墨的淡淡香气混杂着纸张的纤维气息,仿佛置身于一间陈年的古籍书房。装帧的硬壳保护得非常好,即便是频繁翻阅,书脊依然挺括如新,可见装帧工艺的精良。这不仅仅是一本书,更像是一件值得收藏的艺术品,那种厚重感和仪式感,让人在阅读之前就对内里的内容充满了敬畏和期待。我特别欣赏它采用的锁线装订方式,使得每一页都能完全平铺展开,即便是面对跨页的巨幅作品,欣赏起来也毫无压力,真正做到了实用性与艺术性的完美结合。这种对物理形态的重视,体现了出版方对“墨宝”二字应有的尊重,让人由衷赞叹。

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这次的阅读体验,最让我感到惊喜的是它在细节注释上表现出的那种低调的严谨性。在许多艺术画册中,往往只给出作品的名称和作者,但这本书在某些关键作品旁,对于创作背景、具体用笔习惯或者特殊的印章含义,都有着极其精炼却又信息量巨大的批注。这些批注如同散落在珠帘上的小珍珠,不显眼,但串联起来却勾勒出完整的历史脉络。我特别留意了那些关于特定书写工具对墨迹影响的探讨,虽然文字篇幅不多,但其见解之独到,足见编者在材料学和书写实践上的深入研究。这种“润物细无声”的知识传递方式,远比大段的理论说教来得有效和令人印象深刻。它没有试图将所有的知识点都塞进读者的脑海,而是通过高质量的视觉呈现和恰到好处的文字点缀,激发我们去主动探寻更多相关领域的知识,培养了一种自我研究的良好习惯。

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这本书的选材视角和编排逻辑,透露出一种深厚的学术功底和独到的审美判断力。它并非简单地将各种作品堆砌在一起,而是似乎遵循着一条内在的脉络在徐徐展开。我能感受到其中蕴含的对书体演变、风格特征的考量,每一次翻页,都像是在经历一次精心设计的艺术之旅。它没有过多冗余的理论阐述,而是将叙事的重任交给了墨迹本身,让作品以其最纯粹的面貌说话,这种“少即是多”的编辑哲学,非常符合高端艺术鉴赏的要求。对于那些对书法史有基本了解的读者来说,这本书提供了一个绝佳的横向对比平台,能清晰地观察到不同时期的书风差异是如何在这些精选的佳作中得到体现的。这种深思熟虑的编排,让阅读不再是被动的接受,而是一种主动的探索和发现的过程,极大地提升了学习的效率和乐趣。

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