实用写意画基础与入门

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出版者:
作者:新世纪青少年艺术素质培养丛书编委会
出品人:
页数:177
译者:
出版时间:2009-8
价格:23.80元
装帧:
isbn号码:9787510006562
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 写意画
  • 国画
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具体描述

写意画笔墨趣味较浓,造型概括简练,讲求气韵生动。《实用写意画基础与入门》主要介绍了写意画的几种基本方法、写意画的写生、写意山水画、写意花鸟、禽、马、葫芦、蝴蝶等的画法、明清写意画大师等内容。

愿《实用写意画基础与入门》能成为广大考生及国画爱好者通往成功路途上的一块铺路砖。

瀚海拾贝:中国传统工艺美术的千年流光 本书并非对绘画技巧的系统教授,而是对中华民族数千年工艺美术历史脉络、哲学内涵及地域特色的深度探索。 本书聚焦于那些在历史长河中沉淀下来的,与日常生活、精神信仰紧密交织的物质文化遗产,旨在展现中国传统工艺的“形”与“神”。 --- 第一编:器物承载的文明印记 本篇深入剖析了中国传统工艺美术中,不同材质与器物所承载的历史信息与文化意义。我们不谈如何运笔,而是探讨“形”的演变如何反映社会变迁。 第一章:陶与瓷的泥土史诗 本章全面梳理了从新石器时代的几何纹饰到唐三彩的绚烂,再到宋代五大名窑的含蓄内敛,直至明清景德镇的繁复彩绘。重点在于分析不同历史阶段的烧制技术(如釉下彩、粉彩、珐琅彩)的迭代如何与当时的政治经济环境相呼应。例如,宋代文人阶层对简约之美的追求,如何催生出哥窑的“金丝铁线”和汝窑的“天青”色。书中将详述官窑与民窑体系的差异,以及瓷器作为外交礼品和贸易商品在世界范围内的影响力。我们侧重于器物的造型结构、装饰母题(如龙纹、海水江崖纹)的象征意义及其在不同朝代的语境转换。 第二章:金属的冷峻与辉煌 本章关注青铜器、金银器及铜镜等金属工艺。我们将探讨商周时期青铜礼器上复杂狞厉的饕餮纹、云雷纹,它们如何服务于宗法制度与王权神授的观念。随后,深入研究汉代漆金工艺的精巧,以及唐代錾刻、花丝镶嵌等宫廷御用技术的极致发展。书中详细描绘了明清金银器皿上錾刻技法对吉祥图案(如八宝、万福)的精细处理,以及金属薄胎工艺对材料物理特性的挑战与突破。我们分析了金属工艺在佛教造像中的应用,以及它如何通过器皿的实用功能,渗透到古代士大夫的日常起居之中。 第三章:木石的温润与雕琢 本章聚焦于木雕、石雕和玉雕。玉器部分,我们将追溯其“礼器”地位的起源,分析从红山文化玉龙到清代“仿古玉”的审美取向,特别是玉料的“沁色”与“皮壳”如何被视为时间与历史的印记。在木雕方面,本书关注建筑构件(如梁枋、斗拱)上的装饰雕刻,以及家具(如明式圈椅的结构美学)的“意在形先”的哲学指导。石雕部分,则集中于宗教造像与园林石刻,分析其对人体结构和自然形态的提炼手法,以及不同地域石材的纹理特性对雕刻风格的影响。 --- 第二编:织物的流变与符号学 本篇探讨中国纺织品工艺的发展历程,以及色彩、图案在不同社会阶层中的严格规范与象征意义。 第四章:丝绸之路上的色彩密码 本章深入研究古代丝织业的技术发展,包括绫、罗、绸、缎的组织结构差异。重点分析了“妆花”织法的复杂性,以及它在明清两代宫廷服饰中的至高地位。书中详述了染色技术的演变,从天然植物染料(如靛蓝、苏木、栀子)的提取与固色,到对复杂色谱的驾驭。服饰纹样方面,本书详细解读了朝服、吉服、常服上对蟒纹、海水江崖、十二章纹等图案的严格使用规范,探讨这些符号如何构建起森严的等级制度。 第五章:刺绣的针法与故事 本章侧重于中国四大名绣(苏绣、湘绣、粤绣、蜀绣)的地域风格差异及其独特的针法体系。苏绣的“平针”与“套针”如何创造出近乎绘画的晕染效果;湘绣的“铁线”与“平绣”如何展现雄狮猛虎的力度感。我们分析了刺绣艺术如何从宗教供养品,逐渐演变为文人案头清供——如屏风、册页等形式,以及其中蕴含的细腻情感表达。 --- 第三编:工艺背后的哲学与地域风物 本篇将工艺美术置于更宏大的文化背景下考察,探讨其与道家、儒家思想的关联,以及地域环境如何塑造出独特的工艺风貌。 第六章:天人合一的材料观 本章探讨中国传统工艺对“自然之性”的尊重。我们分析了“因材施艺”的理念如何贯穿于所有门类:玉雕师如何顺应玉石的棉絮、翠性来布局雕刻;制伞匠如何利用竹材的韧性与防水性能;以及漆器制作中,生漆的生长、聚合与变硬过程,如何被视为一种顺应自然的修行。书中阐述了道家哲学中“朴素”与“自然”的审美取向,如何对抗了过度装饰的倾向,并在宋代达到了高峰。 第七章:地域特色的物质表达 本书将工艺美术的地域性进行分类考察。例如,闽南地区的木雕(如德化瓷的“象牙白”风格与福建木雕的繁复雕饰)如何受到海洋文化和宗族文化的影响;巴蜀地区的漆器与金属工艺如何保留了古老的神秘色彩;而江南水乡的工艺(如缂丝、檀香扇)则体现了精致、温婉的文人品味。通过对比这些地域差异,读者能更深刻地理解,工艺美术并非单一的技法集合,而是特定地理、气候、人文环境相互作用的产物。 第八章:传统工艺的当代对话 本章探讨了在现代工业化浪潮下,传统手工艺所面临的挑战与机遇。书中不涉及当代绘画的理论,而是分析非遗保护项目中,如何通过对传统工艺的“活化”——如将传统织金技术应用于现代服装设计,或将传统木雕工艺应用于现代家具结构——来实现技艺的传承与价值的重估。这部分内容旨在引导读者思考,如何从传统工艺的“制作哲学”中汲取养分,而非仅仅将其视为博物馆中的陈列品。 总结: 本书是一部面向工艺美术史论、文化研究及传统艺术爱好者的深度读物,它提供的是一套理解中华物质文明深层结构和历史逻辑的框架,而非指导性的操作指南。它着眼于“过去如何形成”,而不是“现在如何去做”。

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这本书的语言风格简直是教科书级别的典范,它在保持学术严谨性的同时,又充满了人情味和鼓舞性。作者的文字功底深厚,叙述清晰有力,绝不拖泥带水。我最欣赏的一点是,作者在讲解技法时,总是能将复杂的物理操作与背后的哲学思想完美结合。比如在讲到“皴法”时,作者不仅仅是罗列了披麻皴、斧劈皴的区别,而是深入剖析了这些皴法与中国传统山川地貌的关联,让你明白为什么要用这种笔法来表现那种山体。更难能可贵的是,作者的语气非常谦逊,从不故作高深,而是像一位经验丰富的老友在耳边细细道来,让人倍感亲切。即便是对零基础的读者来说,那些专业的名词也因为有了生动的解释,变得触手可及,完全不会产生距离感。这种既专业又温暖的叙事方式,极大地激发了我继续钻研下去的动力。

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这本书的排版布局简直是一场视觉盛宴,每一个章节的过渡都处理得非常流畅自然,逻辑性强得令人称奇。初学者往往会被复杂的理论和眼花缭乱的图例搞得晕头转向,但这本书却巧妙地将理论知识融入到实用的步骤分解中,每一步都配有清晰的放大细节图,几乎是手把手地教你如何握笔、如何调墨。特别是关于“气韵生动”这个抽象概念的解读,作者没有用太多晦涩的术语,而是通过对比不同笔触下墨色的变化,直观地展示了什么是“活的笔墨”。我发现,即便是那些看似随意的几笔,背后都蕴含着深厚的结构思考。排版上大量运用了留白,这对于讲究意境的水墨画来说,简直是点睛之笔,它不仅让画面呼吸起来,也给了读者足够的思考空间,避免了信息过载。这种精心设计的排版,体现了作者对艺术表达的深刻理解,让学习过程变成了一种享受。

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这本书的装帧设计简直是小清新的典范,封面采用了那种非常柔和的米白色,配上手绘的几笔写意山水,瞬间就能把人的心绪拉回到那种宁静致远的境界。我特别喜欢它那种朴实无华的感觉,没有太多花哨的装饰,却处处透露着对传统水墨画的敬意。打开书本,纸张的质感也出乎意料地好,厚实而不失细腻,墨色在这样的纸面上洇染得恰到好处,让人在翻阅时都能感受到一种莫名的愉悦。装订也非常牢固,即便是经常翻阅,也不用担心书本会散架。而且,它的一些小细节处理得特别到位,比如页眉的留白设计,既保证了阅读的舒适度,又不会显得过于单调。这本书的整体视觉体验,可以说是为这本书的主题定下了一个非常完美的基调,让人还没开始学习,就已经对即将接触的内容充满了期待和敬畏。那种沉静而有力量的美感,绝对是市面上很多快餐式美术书籍无法比拟的。

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这本书在对传统文化元素的阐述上,做到了既广博又精深,远远超出了单纯的绘画技巧层面。我惊喜地发现,书中对中国传统美学中的“虚实相生”、“计白当黑”等核心理念,有着非常独到的见解和系统的梳理。它不仅仅告诉你“怎么画”,更重要的是告诉你“为什么要这样画”,将绘画提升到了一个更高的精神层面。书中穿插的那些关于历代名家笔墨的赏析,都不是简单的作品介绍,而是深入到创作背景和个人心境的分析,让读者能够体会到艺术的灵魂所在。尤其是在探讨不同季节、不同天气下如何通过墨色和线条来表现“意境”的部分,作者展现出了惊人的洞察力。阅读这些内容,就像是进行了一次深度的文化之旅,让人在学习绘画技艺的同时,也得到了对传统艺术精神的熏陶,受益匪浅。

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这本书的实用性简直是物超所值,它真正做到了“从入门到精通”的桥梁作用,而不是停留在空洞的理论说教上。我最看重的是它提供的那些可操作性极强的练习模块。它不是简单地给你看范画,而是将复杂的画面拆解成最基础的“点、线、面”的组合,然后层层递进地构建场景。对于新手来说,这种由简入繁的练习路径非常友好,能够快速建立起对笔墨的掌控感。书中还特别设置了“常见错误诊断”的板块,直接指出了初学者最容易陷入的误区,并提供了立竿见影的修正方法,这比自己闷头琢磨效率高太多了。而且,它还提供了一些鼓励读者进行“主题创作”的引导,帮助我们把学到的技巧应用到自己的构思中去,真正将知识内化为自己的能力。可以说,这本书的每一个部分都是为了让读者能够真正拿起笔、自信地开始创作而设计的。

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