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页数:184

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出版时间:2010-1

价格:34.00元

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isbn号码:9787544425766

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《激荡的音响：从原始敲击到现代交响的脉络》 序章：万籁之始，鼓点之源 在人类文明的长河中，声音的探索从未止息。从最原始的呼喊、脚步踏击，到有意识地敲击石块、树枝，我们与“打击”的联系，早已根植于生存本能与情感表达的基石之上。音乐，作为人类最古老、最普遍的语言之一，其最初的形态，几乎都与“打击”脱不开干系。每一次有节奏的击打，都可能孕育着最早的旋律与和声的雏形。本书《激荡的音响：从原始敲击到现代交响的脉络》，便是一次对这一古老而又生生不息的音乐分支的深入探寻，它并非局限于某种具体的乐器类别，而是以一种宏观的视角，追溯“打击”这一行为，如何演化、丰富，并最终渗透到人类音乐的各个角落，构成其不可或缺的骨骼与血脉。 我们将一同穿越时空的迷雾，回到那个远古的洪荒时代，感受先民们如何借由自然的节拍，进行祭祀、祈祷、传递信息，以及单纯的发泄。那些粗粝的石器碰撞声，那些经过简单打磨的木棒敲击，那些利用兽皮、树叶制成的原始“鼓”，都蕴含着最纯粹的生命力与最质朴的音乐冲动。我们将尝试理解，在那个没有复杂乐谱的时代，节奏是如何成为一切的灵魂，又是如何成为连接个体与集体的桥梁。 第一章：文明的鼓点：地域的印记与文化的融合 随着人类社会的发展，地域的文化差异与交流互鉴，赋予了“打击”乐器更加鲜明的个性和多元的形态。每一个文明，都在其独特的地理环境、社会结构和宗教信仰的影响下，创造出独具特色的打击乐器。 在非洲广袤的大地上，鼓的种类繁多，从巨大的“咚鼓”（Dundun）到精巧的手鼓（Djembe），它们不仅仅是乐器，更是信息传递的媒介，是庆典仪式中不可或缺的灵魂。非洲鼓那复杂多变的节奏，常常与歌唱、舞蹈紧密结合，形成一种充满生命活力的音乐体系，其中蕴含着非洲人民丰富的精神世界与强烈的社会凝聚力。 东方的神秘国度，则孕育了精致而富有哲学意味的打击乐器。中国的编钟，以其恢弘的气势和悠扬的音色，在中国古代音乐史上留下了浓墨重彩的一笔，它们不仅是统治者权力的象征，更是宫廷礼乐的核心。在日韩，太鼓（Taiko）和鼓（Kotsuzumi）等乐器，以其震撼人心的力量和精湛的演奏技巧，展现着东亚文化中对于和谐与力量的追求。 中东地区，如 darbuka（一种小型的罐状鼓）等乐器，以其独特的音色和精妙的演奏技巧，为阿拉伯音乐的丰富性增添了无限色彩，那些快速而流畅的节奏，常常伴随着舞蹈和诗歌，传递着浓郁的东方风情。 印度次大陆，则拥有着令人惊叹的节奏学体系，以塔布拉鼓（Tabla）为代表的打击乐器，其演奏技法之复杂、节奏变化之精妙，令人叹为观止。塔布拉鼓的每一次敲击，都仿佛蕴含着宇宙的奥秘，与印度的宗教哲学、舞蹈艺术紧密相连。 欧洲地区，虽然早期的打击乐器不如其他地区那样突出，但随着历史的发展，许多本土的打击乐器也逐渐形成，并为后来的管弦乐发展奠定了基础。例如，早期的手摇铃、拨浪鼓等，也曾活跃在民间音乐和宗教仪式中。 本书将带领读者，深入了解这些来自不同地域、不同文化的打击乐器，分析它们在各自文明中所扮演的角色，以及它们之间在历史长河中发生的相互影响与融合。我们将不仅仅关注乐器本身，更要理解它们背后所承载的文化基因与人类智慧。 第二章：技法的演进：从模仿到创造的边界 “打击”作为一种音乐行为，其技法的精进与创新，是音乐发展的内在驱动力之一。从最初的模仿自然界的声响，到如今高度复杂的演奏技巧，打击乐的技法演变，是一部关于人类智慧与创造力的史诗。 我们将探讨，早期人类是如何通过模仿动物的叫声、风的呼啸、水的流动等，将这些自然的声音转化为有意识的音乐元素。这种模仿，并非简单的复制，而是融入了人类的情感与理解，从而产生了具有艺术性的“打击”声响。 随着乐器形制的演变，演奏技法也随之产生了巨大的飞跃。双手、木棒、石块……不同的打击工具，催生了不同的演奏方式。我们将分析，例如在非洲鼓的演奏中，如何通过手指、手掌、拳头的不同部位，配合不同的力度与角度，奏出丰富多样的音色与节奏。在塔布拉鼓的演奏中，又如何通过指尖的微妙拨动，创造出令人惊叹的音响变化。 乐器本身的材质、形状、大小，以及其演奏环境（如室内、室外、祭祀场所、舞台等），都会对演奏技法产生深远影响。我们将深入剖析，这些因素是如何共同作用，塑造出不同打击乐器独特的演奏风格。 更重要的是，我们将关注“打击”技法如何从模仿走向创造。音乐家们不再仅仅满足于复制已有的声音，而是开始探索新的音响可能性，创造出前所未有的节奏模式、音色变化和表现力。这种创造，不仅体现在演奏技巧的突破上，也体现在对音乐表现力的深刻挖掘上。那些精妙的切分音、复杂的交叉节奏、以及对不同乐器之间音响对话的巧妙设计，都彰显着人类在“打击”音乐领域无尽的创造力。 第三章：打击乐器在音乐史上的角色：从伴奏到独立 历史上，打击乐器长期以来扮演着重要的辅助角色，它们为歌曲、舞蹈提供节奏的支撑，为其他乐器营造音乐的背景。然而，随着时间的推移，打击乐器的地位逐渐提升，它们逐渐从“幕后”走向“台前”，成为独立的音乐表现主体。 本书将追溯打击乐器在古代音乐中的地位，例如在古代中国，编钟、编磬等打击乐器在宫廷雅乐中占据核心地位，它们不仅是重要的礼器，更是音乐表现的主体，承担着营造庄重、肃穆的氛围。在西方古代，打击乐器也常常出现在宗教仪式、军事活动和民间娱乐中，但其音乐性往往被弱化。 我们将重点关注，打击乐器是如何在近现代音乐发展中，逐渐获得独立的艺术地位。管弦乐队的兴起，为打击乐器提供了更广阔的舞台。从最初的定音鼓（Timpani）在乐队中扮演的角色，到后来各种西洋打击乐器的引入，如小鼓（Snare Drum）、大鼓（Bass Drum）、钹（Cymbals）、木琴（Xylophone）、马林巴（Marimba）等，它们在交响乐中扮演的角色越来越重要，其音乐表现力也得到了极大的拓展。 我们将分析，那些伟大的作曲家如何巧妙地运用打击乐器，为他们的作品增添色彩、营造氛围、表现情绪。贝多芬交响乐中震撼人心的定音鼓，德彪西作品中闪烁的金属光泽，斯特拉文斯基作品中狂野的节奏冲击，都展现了打击乐器在交响乐中不可替代的魅力。 同时，我们也将会审视，在爵士乐、摇滚乐、流行音乐等现代音乐形式中，鼓组（Drum Kit）如何成为乐队的“心脏”与“灵魂”，其自由的节奏、多变的音色，以及与贝斯、吉他等乐器之间的精妙配合，共同构建了现代音乐的骨架。 本书的第三章，将旨在揭示打击乐器在音乐史上的多元角色演变，从最初的配角，到能够独立承担表现任务，甚至成为音乐核心的华丽转身。 第四章：打击乐的未来：创新、融合与无限可能 站在当下，展望未来，打击乐器的发展充满了无限的可能。科技的进步、音乐理念的革新，以及全球文化的进一步交融，都将为打击乐器的发展注入新的活力。 电子打击乐器的出现，为打击乐器的音色和表现力带来了革命性的突破。从早期的电子鼓，到如今功能强大的数字音频工作站（DAW）中丰富的打击乐音源，电子技术极大地拓展了打击乐的创作边界。我们将探讨，电子化如何让打击乐器突破物理限制，创造出前所未有的声音效果。 跨界与融合，是当代音乐发展的重要趋势。打击乐器与其他艺术形式的结合，如与舞蹈、视觉艺术、戏剧的互动，将为打击乐带来全新的表现形式。同时，不同文化背景下的打击乐器之间的对话与融合，也将碰撞出更加精彩的火花。例如，将中国传统打击乐与非洲鼓的节奏相结合，或者将印度塔布拉鼓的精妙技法融入现代电子音乐之中，都将是充满想象力的尝试。 音乐教育的普及与深化，也为打击乐的未来发展奠定了坚实的基础。越来越多的音乐学院开设打击乐专业，涌现出大量优秀的打击乐演奏家和教育家，他们将继续探索打击乐的艺术价值，并将这份宝贵的音乐遗产传承下去。 本书的最后一章，将聚焦于打击乐器在当下的创新实践，以及对未来发展趋势的展望。我们将看到，打击乐器如何不断地突破自我，与时俱进，在新的时代语境下焕发出更加耀眼的光芒。它将不再仅仅是节奏的敲击者，更是情感的传达者，是文化交流的使者，是人类创造力不竭的源泉。 结语：永恒的律动，激荡的生命 从远古的部落聚落，到当今繁华的都市舞台，打击乐器以其最直接、最原始、也最具生命力的声音，贯穿了人类文明的始终。它们是历史的见证者，是文化的载体，是情感的抒发者，更是人类创造力永不枯竭的象征。 《激荡的音响：从原始敲击到现代交响的脉络》，正是试图为您展开一幅宏大的“打击”音乐画卷，从其最古老的根源，到其地域的多元印记，再到其技法的精进演化，以及在音乐史上的重要地位，最终眺望其充满无限可能的未来。我们希望通过这本书，让您重新认识“打击”这一古老而又充满活力的音乐维度，感受其中所蕴含的激荡人心的力量，以及它们如何如同永恒的律动，不断激荡着我们生命的节拍。

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这本书的排版和装帧设计，说实话，有点辜负了内容的深度。内页的纸张偏薄，装订也略显松散，这对于一本需要经常翻阅和做笔记的工具书来说，实在是个小小的遗憾。不过，抛开这些硬件上的不足，其内容本身所蕴含的价值是无法用纸张质量来衡量的。我尤其欣赏作者在处理不同乐器间的“空间感”时所用的方法。例如，书中详细阐述了如何通过控制颤音琴和三角铁的延音衰减速度，来模拟出一种“声波在巨大空旷空间中回荡”的效果。这不仅仅是技术层面的指导，更是一种对听觉心理学的深刻洞察。它教会我，配器不仅仅是“加减法”，更是一种对听众大脑中“虚拟空间”的塑造。当我按照书中的建议，在编曲中尝试加入一段轻微的、延迟处理过的木琴击打时，那种原本平面化的音响立刻获得了深度和层次感，仿佛音乐的舞台一下子变得立体起来。这种对听觉错觉的精妙运用，是任何快速入门指南里都学不到的。

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这本书的封面设计得非常有质感，深沉的墨绿色调配上烫金的标题“打击乐配器”，透露出一种专业和严谨的气息。我是在一个偶然的机会下，在一家老旧的音乐书店里发现它的。当时我正在寻找一些关于管弦乐队配器法的基础知识，但翻开这本书时，立刻被它目录里那些看似晦涩难懂的术语吸引住了——“马林巴的共鸣管优化”、“颤音琴的演奏技巧延伸”、“低音提琴与定音鼓的张力平衡”。我的兴趣点一下子被从宏观的管弦乐转移到了这个相对小众却充满无限可能的领域。我期待它能给我打开一个全新的听觉世界，让我明白为什么在某些交响乐的辉煌高潮部分，总有那么几下敲击能瞬间抓住听众的心弦，而不是仅仅充当节奏的背景板。这本书显然不是写给初学者的入门指南，它更像是邀请一位有一定音乐基础的同行，深入到一个精密的机械车间，去观察和理解那些木头、金属和皮革是如何通过精妙的物理原理，发出具有强大情感表达力的声音的。我对书中关于音色设计的部分抱有极高的期望，希望能从中找到一些打破常规的配器灵感，让我的作品在色彩上能更胜一筹。

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读完这本书，我的工作效率和创作质量都得到了显著的提升，但最重要的是，我对自己“听”音乐的方式发生了根本性的转变。过去，我可能只是模糊地意识到“鼓声很响”或者“镲片很亮”，但现在，我能清晰地分辨出那个声音是定音鼓的中央被敲击产生的浑厚低频共鸣，还是边缘被轻拂产生的金属摩擦的“嘶嘶”声。书中关于打击乐声部与其他声部（如铜管的泛音与打击乐的泛音）如何进行“色彩嫁接”的讨论，尤其引人入胜。作者提供了一套完整的“配器色彩矩阵”，通过这个矩阵，你可以系统地预测将A乐器的某种击打方式与B乐器的某种演奏法结合时，会产生何种预期的听觉结果，以及可能出现的“灾难性冲突”。这本书的价值在于，它把配器这门看似依赖灵感的艺术，通过严谨的逻辑和大量的实践案例，转化成了一套可学习、可验证、可重复使用的科学方法论。它让我从一个“配器爱好者”真正迈向了一个“配器实践者”的行列。

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最让我感到惊喜的是，作者在处理传统与现代的融合上展现出的高超驾驭能力。我原以为，如此专业的配器书籍，大概会沉溺于古典音乐会中定音鼓和军鼓的传统用法，但这本书却大胆地将目光投向了二十世纪中叶以后的现代音乐实验。书中有一部分内容专门分析了“如何将非传统材料，如玻璃、金属废料、甚至工业噪音，纳入到管弦乐的打击乐声部中，并赋予其音乐逻辑”。这极大地拓宽了我的思路。以往我总觉得，这些“怪异”的声音需要专门的先锋派作品才能容纳，但在作者的笔下，通过精密的节奏划分和音高的控制（是的，即便是噪音也可以被“调音”），它们完全可以融入到主流的交响音乐语境中，成为一种新的“音色纹理”。我甚至开始思考，我们日常生活中听到的那些机械的轰鸣声，是否也能被巧妙地转化为音乐的语言。这本书成功地打破了打击乐“只是伴奏”的刻板印象，让我看到了它作为独立叙事者的巨大潜力。

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这本书的阅读体验，说实话，是一种挑战与享受并存的奇妙过程。我几乎是抱着啃教材的精神去对待它的，因为它里面的理论推导和实例分析都极其扎实，没有丝毫的敷衍。比如，书中花了整整一章来探讨“如何利用不同硬度的鼓槌，在同一件乐器上实现音色的平滑过渡”，这种细致入微的观察，简直让人拍案叫绝。我记得有一次，我在尝试为一段抒情段落寻找合适的打击乐色彩时，总是觉得声音过于突兀或沉闷。翻阅这本书时，我突然明白了，问题出在击打点与乐器边缘的距离上，以及鼓槌毛毡的密度选择上。作者在行文间，没有过多地使用华丽的辞藻，而是像一位经验丰富的老匠人，用精确的术语和清晰的图表，引导你一步步去验证和修正自己的直觉。这感觉不像是在读一本“书”，更像是在接受一位大师的私塾教育，每一个段落都充满了需要反复咀嚼和实践才能真正消化的信息量。我甚至不得不停下阅读，去工作室里找来乐器，对着书上的描述反复试验，那种“原来如此”的顿悟感，是阅读其他理论书籍时少有的体验。

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