诗品笺证

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出版者:中州古籍出版社
作者:蒋祖怡
出品人:
页数:197
译者:
出版时间:1995年12月
价格:9.60
装帧:平装
isbn号码:9787534813726
丛书系列:
图书标签:
  • 古籍
  • 笔记
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  • 传统文化
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具体描述

《画论拾遗》:宋代绘画理论的深度探索与新解 一、引言:重构宋画的理论基石 《画论拾遗》是一部聚焦于宋代绘画理论的专题研究著作,旨在通过对海量历史文献的梳理、细致的文本解读,以及跨学科视角的引入,对宋代画论的精髓进行一次深入而全面的挖掘与重构。本书并不满足于对现有画论的简单汇编或概述,而是力求揭示那些在传统研究中可能被忽视的理论细节、演变脉络及其与当时社会文化、哲学思想的深层互动关系。全书以严谨的考据和审慎的论述,试图为理解宋代绘画艺术的“形”与“神”提供一套更为立体和精微的分析框架。 二、理论溯源与文本的微观解剖 本书的开篇部分,着重于对宋代绘画理论的源头进行追溯。这包括对早期山水画论(如荆浩、关仝的论述)的细致分析,考察它们如何吸纳并转化了魏晋六朝的“气韵生动”等概念,使其更贴合北宋士大夫的审美情趣。 1. “理”与“法”的辩证统一: 《画论拾遗》花费大量篇幅探讨了宋代理学思潮对绘画理论的影响。作者认为,宋代画家和理论家们将宇宙观中的“天理”与笔墨实践中的“笔法”紧密结合。书中详细分析了如何从文人画的笔墨符号中,辨识出程朱理学中关于“格物致知”和“诚意”的哲学投射。例如,对范宽《溪山行旅图》中“雄伟”风格的解析,不再停留在技法层面,而是将其置于宋人对“真实”与“秩序”的哲学追求之中。 2. 对“意”的精微界定: 宋代画论常言“胸中丘壑”。本书通过对比苏轼、米芾、和高克明等人的论述,勾勒出“意”在不同阶段的侧重点变化——从早期的“胸襟气象”,到后期的“寓性情于笔墨”。书中尤其关注了“写生”与“写意”在宋代的张力,揭示了写生(对自然的细致观察)如何被提升为一种实现“意”的手段,而非目的本身。 3. 笔墨语言的符号学意义: 传统理论多将笔墨视为表现手段,本书则尝试将其提升到符号层面。通过对具体画论片段(如论皴法、点苔、设色)的拆解,阐释了特定笔墨技法在宋代语境下所携带的文化信息和审美价值。例如,论述了“飞白”如何在不同的画派中被赋予了从“苍劲”到“萧散”的语义转变。 三、院体与文人画的理论交锋 宋代是中国绘画史上的一个重要转折点,皇家画院的规范化与文人画的兴起形成了鲜明的对比。《画论拾遗》深入分析了两者在理论建构上的差异与互补。 1. 院体画论的制度化倾向: 本书详细考察了徽宗朝画院的诏令与标准,强调其对“格物”的极致要求如何转化为对“形似”的精确捕捉。作者认为,院体画论的严谨性,体现了宋代官方对艺术生产的控制与标准化努力,这在某种程度上限制了早期文人画的“率性”发展。 2. 文人画理论的内在独立性: 与院体强调“据物象”相对,文人画理论则着重于“自抒怀”。书中通过剖析苏轼“论画以形似,见与儿童邻”等名言,构建了文人画理论的内在逻辑——即艺术的价值判断标准,必须超越物理世界的再现,转向对个体精神世界的探寻。 3. 交融与互证: 尽管存在分野,但本书强调了两者间的相互渗透。例如,院体画师在晚年如何吸收文人画的笔墨意趣,以及文人画家在进行大规模创作时,如何不得不依赖于对自然物象的深刻洞察(即院体要求的“格物”基础)。这种辩证关系是理解宋画全貌的关键。 四、跨界对话:诗、书、画的理论整合 宋代“诗中有画,画中有诗”的理想达到了理论上的高峰。本书将绘画理论置于宋代整体艺术体系中考察。 1. 书法对绘画的渗透机制: 《画论拾遗》专门辟章论述了书法“用笔”观念如何被直接嫁接到绘画的线条结构上。不同于后世将书法视为画的骨架,宋人更注重的是书法中的“气势连贯”与绘画中的“结构完整”之间的哲学对应。书中分析了特定书体(如行书的流动性)对山水点染的影响。 2. 文学理论对画论的重塑: 宋代文学理论,特别是对“赋”、“比”、“兴”等修辞手法的讨论,如何被引入对画作构图和意境营造的评价之中。作者指出,宋人赏画时所使用的词汇,大量借用了诗歌批评的术语,这使得宋画的理论欣赏,本质上是一种文学性的再创造过程。 五、结语:宋代画论的遗产与局限 《画论拾遗》的最终部分,是对宋代画论体系的总结与评价。作者肯定了宋代理论家们奠定了中国绘画的哲学深度和人文关怀,将绘画从工匠技艺的范畴中彻底解放出来。然而,书中也客观指出了其局限性:对“理”的过度推崇,在某些情况下可能导致对笔墨技巧的过度内化和抽象化,为后世元明清时期文人画的“程式化”倾向埋下了理论的伏笔。 本书不仅是梳理宋画理论的学术专著,更是一部深入剖析中国古典美学核心观念的工具书,适合对中国艺术史、哲学美学及古典文献研究感兴趣的读者深入研读。其严谨的考据、细致的文本分析和富有启发性的理论建构,确保了其在相关研究领域的不可替代性。

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