SILVER-BURDETT MAKING MUSIC pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Pearson Education Inc

作者:Silver-Burdett

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006-01-01

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780382366482

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好的，以下是一本名为《声律韵趣：中国古典诗词赏析与吟诵指南》的图书简介，旨在全面阐述中国古典诗词的精妙之处，并提供实用的吟诵技巧，与您提供的书名《SILVER-BURDETT MAKING MUSIC》无任何关联。 --- 声律韵趣：中国古典诗词赏析与吟诵指南 卷一：格律之美——探寻古典诗词的骨架与灵魂 中国古典诗词，是中华民族智慧的结晶，是凝练的语言艺术，其魅力不仅在于意境的深远和情感的真挚，更在于其严谨而富有音乐性的格律结构。本书《声律韵趣》致力于为广大古典文学爱好者，特别是对诗词的音乐性与韵律有探究兴趣的读者，提供一本全面而深入的赏析与实践指南。 第一章：从《诗经》到近体诗的演进脉络 古典诗词的发展是一条清晰的脉络，每一步的演变都伴随着音韵系统的革新。《诗经》的四言句式与重章叠句，奠定了中国诗歌的叙事基础；楚辞的浪漫与鸿篇巨制，开创了骚体文学的先河。进入汉魏，乐府民歌的质朴与五言古诗的成熟，使得诗歌的表达更加自由奔放。 然而，真正将诗歌推向格律巅峰的，是唐代的近体诗——律诗与绝句。本章将详细剖析近体诗的诞生背景，重点阐述其对仗、平仄、粘押等核心规则。我们不再将平仄视为枯燥的符号，而是深入探讨它们如何共同构建出抑扬顿挫的内在节奏，如同乐谱上的休止符与重音，赋予诗句以生命力。例如，律诗的颔联与颈联，不仅是意境的转换点，更是音韵张力的集中体现，这种音律的平衡感，远超普通散文的自然语调。 第二章：平仄的奥秘——诗歌的“旋律线” 平仄，是理解中国古典诗歌音乐性的关键。本章将系统梳理中古音系（隋唐时期的发音）与现代汉语普通话在声调上的对应关系，使读者能更准确地把握古人的吟诵方式。我们探究“一三五不论，二四六分明”的实用原则，辨析格律诗中常见的“拗救”现象，理解诗人在恪守规则的同时，如何通过精妙的变通，来避免声调的平庸与僵硬。 重点章节将分析五言、七言句式中，平仄组合的典型模式（如“平平仄仄平”、“仄仄平平仄”等）。通过大量的范例，如王维的“诗中有画”与杜甫的“沉郁顿挫”，读者将能直观感受到平仄在渲染情绪、刻画意象上的决定性作用。例如，在描绘悲凉场景时，连续的仄声往往能带来一种收紧、沉重的听觉效果。 第三章：韵脚的魔力——构建听觉的连贯性 韵脚，是诗歌结构中的锚点，它不仅是押韵，更是声音的归宿与情感的释放。本书详述《平水韵》的分类体系，帮助读者理解不同韵部的音韵特征。我们对比了古韵与今韵的差异，解释为何古代的“通押”现象在今天听起来可能略显生硬，从而指导现代读者进行更自然的欣赏和尝试。 章节将通过对不同朝代代表作的韵脚分析，展示韵脚如何引导读者的呼吸和节奏。例如，绝句的收束往往依赖于末句的韵脚，带来一种戛然而止的回味；而律诗的韵脚转换，则暗示着意境的推进或主题的深化。我们还将介绍如何辨识和欣赏“换韵”的手法，这通常标志着诗歌情感层次的重大转折。 卷二：吟诵之境——从文字到声音的转化实践 古典诗词的生命力，在于“吟”。吟诵，是将文字的意象转化为听觉的体验，是与古人进行跨越时空的对话。本卷将提供从理论到实践的全套训练方法。 第四章：呼吸与气口——声音的载体 吟诵的根基在于气息的控制。本章教授科学的气息运用方法，区别于日常说话的浅短气息，吟诵需要更深沉、绵长的气流来支撑长句的完整表达。我们详细讲解“气口”的划分，即诗句中自然的停顿点，这些点既要符合诗歌的语义逻辑，更要服务于格律的平仄安排。 通过图文并茂的示范，读者可以学习如何通过腹式呼吸来延长发声时间，如何控制气流的稳定性和力度，以避免声音的忽强忽弱。实践练习包括对《登高》、《琵琶行》等长篇巨制中换气点的精确标记与模仿。 第五章：音调与节奏——模仿古人“一字一板” 吟诵并非朗读，它包含着特定的腔调和节奏感。本章深入探讨传统吟诵中的“宫调”概念（尽管现代难以完全复原古调，但其抑扬顿挫的理念依然重要）。我们强调节奏的“错位美学”：即节奏点不一定完全落在词的重音上，而要服从于平仄和韵律的需求。 我们将分析几种主要的吟诵流派和风格的特点，例如宋词的婉约派与豪放派在节奏处理上的差异。对于初学者，我们提供基础的“慢吟”练习法，即用均匀且缓慢的速度，确保每一个字的发音清晰，且声调的升降（平仄）得到充分体现。节奏的把握，是实现“声韵和谐”的关键。 第六章：意境的音化——情感的色彩渲染 一首好诗，吟诵起来必须“入情入景”。本章引导读者如何将诗歌的意象——无论是“大漠孤烟直”的苍茫，还是“小桥流水人家”的温馨——转化为声音的色彩。这涉及到音色的选择和语速的调整。 例如，描绘雄浑气势的诗句（如边塞诗），应采用开阔、洪亮的音色，语速适中偏慢，以突显气势的铺陈；而表达婉约愁绪的词句，则宜采用柔和、略带鼻音的音色，语速放缓，呼吸略微急促，以模拟叹息感。本章配有大量的音频范例（此处为文字描述的意向），对比分析同一句诗在不同情感基调下的吟诵效果，让读者深刻理解“音随情变”的艺术。 卷三：融会贯通——古典文学的听觉回响 第七章：诗词中的音乐元素与主题 古典诗词与音乐（曲子词、歌行体）的关系密不可分。本章探讨诗歌如何受到燕乐（古代宴会音乐）的影响，以及词牌名的起源和其所规定之曲调的特征。了解这些背景，能帮助读者在吟诵时，自然地代入那个时代的音乐氛围。 附录：吟诵自检与进阶练习曲目 本书最后附录提供了大量的经典篇目（如李白、杜甫、苏轼、李清照的代表作），并附上详细的格律分析、平仄标记、推荐气口及音调指导，供读者对照练习，最终实现“出口成章，声韵悠扬”的境界。 《声律韵趣》不仅是一本工具书，更是一把通往古典文学音乐殿堂的钥匙。它期望帮助每一位读者，真正“听见”中国古典诗词中那份穿越千年的、迷人的声律之美。

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我必须承认，这本书——暂且叫它《节奏的奥秘》吧——的阅读过程充满了挑战，但回报是巨大的。它完全跳过了旋律和和声的传统教学法，直接深入到最底层、最原始的驱动力：节奏。作者似乎是一位痴迷于数学和物理的音乐家，他用极为严谨的数学模型来解释复节奏和多重节拍的交织。初看那些复杂的图表和公式时，我差点放弃，觉得这根本不是为普通读者写的。然而，一旦我耐下心来，跟着作者的引导，试着去“感受”那些看似不规则的节拍组合，奇妙的事情发生了。我开始理解为什么某些部落的舞蹈音乐能让人进入一种近乎催眠的状态，那是因为节奏本身就构建了一个强大的、自我循环的宇宙。书中对非洲鼓乐和拉丁打击乐的剖析尤为精彩，它展示了在那些音乐体系中，节奏不是伴奏，而是组织音乐结构和意义的核心。这本书要求读者不仅要用耳朵听，更要用身体去感知时间被切割和重组的方式，读完后我走路都忍不住跟着脑海里的复杂节拍打起了拍子。

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我对这本《管弦乐编配的艺术》的期待是它能教我如何写出宏大的交响乐章，结果它带给我的却是对声音“质感”近乎偏执的关注。这本书完全聚焦于乐器本身的特性，与其说是一本作曲指南，不如说是一本乐器学的百科全书，但视角极其独特。作者对木管乐器家族的描述细致到令人发指，他会详细比较长笛在高音区和低音区的音色差异，以及如何通过控制气流来改变其“颗粒感”。更让我印象深刻的是对铜管乐器弱奏时的“边缘音”的探讨，以及如何利用弱音器（Mute）来创造出舞台剧般的戏剧张力。这本书的重点在于“如何让声音变得有趣”，而不是“如何让声音听起来对”。例如，作者会建议不要让小提琴组声部单独演奏一个平庸的旋律，而是将这个旋律分解，让中提琴提供温暖的底色，大提琴提供清晰的线条，而小提琴只在特定的休止后加入短暂的颤音，以此来丰富整体的“织体”。它教会了我，配器法是音乐的化妆术，如何选择正确的工具，决定了作品最终呈现给听众的面貌。

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这本《音乐的奥秘》真是让我大开眼界！我一直觉得音乐这东西是靠天赋的，但这本书深入浅出地讲解了音乐理论的方方面面，让我这个纯粹的乐盲也能窥见一二。它不仅仅是枯燥的音符和节拍讲解，更像是请了一位和蔼可亲的音乐教授，手把手教你如何“听懂”音乐。书里用了很多生动的例子，比如通过对比不同作曲家的作品，来阐述和声进行是如何烘托情绪的。我记得有一章节专门讲了对位法，本来以为会非常晦涩难懂，结果作者用建筑学的结构来比喻声部的交织，一下子就明白了那种层层叠加却又和谐统一的美感。读完之后，再听巴赫的赋格曲，耳朵里不再是混乱的一团噪音，而是清晰可见的线条在互相追逐、对话。更让我惊喜的是，它还涉及了不同文化背景下的音乐形态，比如探讨了中东的调式和非洲的节奏模式，拓宽了我的音乐视野，让我意识到音乐的疆界远比我想象的要广阔得多。这本书无疑是一把钥匙，打开了通往更深层次音乐鉴赏的大门。

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说实话，我最初买这本《声音的景观》是抱着试试看的心态，因为我对纯粹的音乐史实在提不起兴趣。但这本书的视角非常独特，它不是聚焦于古典音乐的“大师与杰作”，而是将音乐视为人类社会和环境相互作用的产物。作者的笔触非常敏锐，他描述了工业革命时期，机器的轰鸣声是如何逐渐被纳入作曲家的视野，甚至成为一种新的“配器”。我特别喜欢其中关于“城市声景”的分析，它让我开始留意自己日常生活中那些被忽略的声音——地铁进站的尖锐声、街角咖啡馆里低语的交谈声，这些不再是背景噪音，而是一种动态的、流动的音乐文本。书里讨论了录音技术对音乐“本体”的冲击，比如在没有录音设备之前，一首交响乐的现场体验是多么不可复制，而录音技术如何固化了表演，又如何催生了全新的电子音乐形式。这种宏大叙事中带着对细节的洞察力，让我对“什么是音乐”这个问题有了全新的思考。它更像是一部社会学著作，只是它的研究对象是声音。

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《和弦的色彩》这本书的叙述风格简直像一位老派的欧洲贵族在闲谈，优雅、从容，却又不失深刻的洞察力。它不像那些现代音乐教材那样追求效率和实用性，而是沉醉于和声色彩的微妙变化中。作者对十九世纪浪漫主义晚期到二十世纪初的作曲家的和声语言有着近乎迷恋的描绘。他会花上整整一页纸来描述一个特定的增六和弦在柴可夫斯基的作品中是如何营造出那种“既痛苦又甜美”的矛盾情感的。阅读这本书，更像是在品尝一瓶年份极佳的葡萄酒，你需要慢慢地咂摸，感受那些酸涩、回甘和后劲。我尤其欣赏作者在介绍德彪西和声时，所用的那种充满印象派绘画感的语言，他将“全音阶”描述为“笼罩在一层薄雾中的月光”，将“和声的自由化”描述为“挣脱了传统束缚的灵魂”。这本书教会我的不是如何写出和弦，而是如何通过和弦去体会作曲家内心最深处的情绪波动，这是一种艺术层面的启迪，而非技术训练。

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