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出版者:House of Stratus

作者:Mario Reading

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2001-10-1

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780755113477

丛书系列:

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《光影编年：电影艺术的百年回响》 一部跨越时代的电影史诗，对全球电影文化、技术演变与美学哲思的深度剖析。 本书并非仅仅是对既有电影史料的简单罗列，而是一部力求深入挖掘电影艺术生命力的思想性著作。它试图从一个更宏大、更具批判性的视角，审视电影诞生至今所经历的每一次技术飞跃、艺术革新以及其与社会、政治、哲学思潮的复杂互动。我们将追溯默片时代那股原始而纯粹的叙事冲动，探究有声电影的介入如何彻底重塑了戏剧结构与表演方式，直至当代数字技术对“真实”界限的不断模糊与挑战。 第一部分：梦的诞生与原始动力 (1895-1927) 本部分聚焦于电影作为一种新兴媒介的最初形态及其内在的驱动力。我们详细考察了卢米埃尔兄弟的“生活记录”与梅里爱的“魔幻剧场”这两种看似对立却又相互支撑的源头，如何共同奠定了电影叙事的两大基石：客观再现与主观构建。 视觉语言的奠基： 深入分析格里菲斯在蒙太奇手法上的突破，如何将并置剪辑从简单的时空转换提升为情感和主题的表达工具。我们不仅讨论了著名的交叉剪辑技巧，更探讨了早期电影人如何通过景深、角度的运用，在二维平面上构建出复杂的三维空间感和心理深度。 流派的萌芽与地域性： 考察早期德国表现主义、苏联蒙太奇学派以及法国印象派电影的独特美学追求。例如，表现主义对光影、布景的极端化处理，如何契合了战后社会的集体焦虑；而苏联学派则如何将电影工具上升到阶级教育与革命动员的层面，展现了电影作为意识形态载体的巨大潜力。 第二部分：声音的革命与工业的重塑 (1927-1950) 有声电影的出现被传统史学视为一个简单的技术升级，但本书认为，这实际上是一场深刻的文化地震。声音的引入不仅带来了对表演方式的颠覆，更深刻地影响了叙事节奏、剧本结构乃至电影制作的经济模型。 “有声”的代价： 分析有声技术如何一度扼杀了大量依赖视觉表现力的默片大师，以及好莱坞制片厂制度（Studio System）如何借由统一的制作标准和明星制，将电影工业推向了空前的规模化生产。 黑暗中的真相： 重点研究黑色电影（Film Noir）的兴起。我们将其置于二战后美国社会心理失衡的背景下，剖析其标志性的低调照明（Low-key Lighting）、碎片化叙事以及“蛇蝎美人”（Femme Fatale）形象，如何共同构成了一种对传统美国梦的阴郁反思。 全球视野的扩展： 探讨意大利新现实主义的兴起。在战争废墟之上，罗西里尼、德西卡等人对非专业演员、真实外景和未经修饰的日常生活的偏爱，是对好莱坞精致虚构的有力反抗，重新确立了电影对“当下”和“具体处境”的敏感度。 第三部分：现代主义的自觉与艺术的边界拓展 (1950-1970) 在这一时期，电影不再满足于被动地反映现实，而是开始主动地解构自身的形式和观众的观看习惯。这是电影艺术走向成熟和自我反思的阶段。 作者论的崛起与欧洲的激进： 详细阐述了法国新浪潮电影（Nouvelle Vague）的核心思想——导演即作者。特吕弗、戈达尔等人对传统叙事规范的打破，如跳切、直接对镜头讲话、无明确结局的处理，并非仅仅是风格上的炫技，而是对电影作为一种被建构的“人工制品”的本质性揭示。 跨洋的对话： 分析日本电影大师小津安二郎和黑泽明如何将东方哲学融入西方叙事结构中。小津的“榻榻米镜头”和对家庭静止画面的迷恋，提供了一种对时间流逝的独特沉思视角；而黑泽明则在宏大叙事中展现了对莎士比亚式人性的深刻洞察。 反主流文化的渗透： 考察美国新浪潮（New Hollywood）如何受到欧洲现代主义的深刻影响，使得原本服务于商业系统的导演们开始探索更具个人色彩和政治批判性的主题，挑战审查制度的边界。 第四部分：商业化、后现代与技术重构 (1970 至今) 本章探讨了电影工业如何应对日益增长的全球市场需求、数字技术的冲击以及后现代思潮对“宏大叙事”的解构。 区块（Blockbuster）的统治与叙事的简化： 分析斯皮尔伯格、卢卡斯等人在技术创新（如CGI的早期应用）的推动下，如何重新定义了电影的商业模式，强调了奇观（Spectacle）对情节逻辑的主导地位。 后现代的戏仿与元电影（Meta-Cinema）： 深入探讨后现代电影对类型片、历史以及观众自身知识结构的挪用与戏仿。我们探讨了昆汀·塔伦蒂诺等导演如何通过对流行文化符号的重新混搭，创造出一种既怀旧又疏离的独特美学。 数字时代的影像学： 讨论数字摄影与后期制作对电影的“物质性”带来的挑战与机遇。当影像的采集和修改变得无限便捷时，真实与虚构的界限如何被重新定义？我们还将展望流媒体平台对传统院线模式的冲击，以及这种变化如何反作用于剧本的篇幅、节奏和叙事结构。 结语：永恒的媒介与未来的目光 本书的最终目标，是鼓励读者超越对情节的简单消费，转而关注电影作为一门复杂艺术的方法论。电影艺术的价值，在于其在不同历史时期，以其独特的光影组合方式，捕捉并诠释了人类经验的复杂性、矛盾性与瞬时性。它是一部不断自我更新的语言，永远在探索“观看”的意义。 本书适合所有对电影史、视觉文化研究、艺术理论及媒介批评感兴趣的读者，提供了一个全面而深入的思考框架。

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这本书的装帧和印刷质量，简直是对电影艺术的一种致敬。我知道评价一本书的内容是核心，但作为收藏者，我无法不提它的物理存在感。内页纸张采用了某种特殊的哑光处理，使得黑白剧照的层次感异常丰富，阴影部分的细节被很好地保留了下来，这在很多低成本的电影辞典中是完全不可能实现的。我特意对比了书中收录的安东尼奥尼《奇遇》中海滩场景的剧照与我收藏的高清蓝光截图，这本书的视觉呈现丝毫不落下风，甚至在某些方面，它提供的光影对比度更具古典美学韵味。而且，它的跨语言处理非常出色，很多外文术语提供了规范的中文翻译，以及原文的拉丁字母转写，这对于我理解欧洲电影史上的专有名词提供了极大的便利。我发现自己越来越习惯于在深夜里，泡上一杯茶，就这么捧着它，随便翻到一页，沉浸在对某个场景、某种布光手法、或者某个被遗忘的电影流派的细节描述中。它不仅仅是一本词典，它已经成为我个人影史研究室里不可或缺的精神灯塔。

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购买这本书，纯粹是出于一个资深影迷对“完整性”的痴迷。我家里已经有几本关于电影史和类型片的参考书了，但总觉得缺少一个将所有碎片统一起来的枢纽。《The Dictionary of Cinema》扮演了这个角色。它的结构设计非常巧妙，虽然是词典形式，但当你按照字母顺序阅读时，你会发现它无形中勾勒出了一部完整的电影技术和美学演变史。举个例子，从“Aperture”（光圈）到“Zoom”（变焦），这不仅仅是技术名词的简单罗列，而是通过对不同时代镜头技术的描述，侧面反映了电影叙事焦点的转移——从早期对景深的依赖，到现代数字时代对焦点灵活性的追求。我特别喜欢它对一些关键场景的“解构”分析，比如它没有直接评论某部电影的优劣，而是将该片使用的某种剪辑技巧（如“跳切”）作为一个独立的词条进行深入剖析，并追溯了其在蒙太奇理论中的根源。这种将宏观理论与微观实例完美结合的处理方式，让这本书的价值远超一本简单的参考手册，它更像是一本随时可以翻阅的“电影思维导图”。

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这本书，天呐，简直是电影爱好者的一部百科全书！我拿到手的时候，光是沉甸甸的重量就让人心生敬畏，翻开扉页，那密密麻麻的条目和细致的排版，立刻就能感受到编纂者倾注的心血。我尤其欣赏它对早期默片时代的挖掘，很多我以前只在一些晦涩的学术论文中读到过的导演和演员，在这里都能找到详尽的生平介绍和他们作品的简要分析。比如，关于路易斯·巴斯德对早期摄影技术在电影中的应用，这本书提供了远超我预期的技术细节，甚至配有精妙的插图说明了那些已经失传的胶片工艺。而且，它不像有些工具书那样干巴巴地堆砌事实，它巧妙地将历史背景和艺术流派的演变穿插其中，让你在查阅某个术语（比如“德式表现主义”）时，能顺带了解它在魏玛共和国时期对社会思潮的影响。我花了一个下午的时间，仅仅沉浸在对不同国家电影运动的比较分析中，那种知识被系统性地串联起来的满足感，是看再多零散的影评网站也无法比拟的。这本书的索引系统做得极其人性化，即便是某个鲜为人知的配乐师的名字，也能迅速定位到他参与的所有影片条目，效率高到让人感叹，这简直就是为电影史研究者量身定做的“瑞士军刀”。

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我得说，这本书的编辑团队绝对是有一群真正的“电影怪胎”在里面。我通常买这种工具书，要么是内容过于偏向好莱坞主流，要么就是陷入了无休止的艺术电影的自我陶醉。但《The Dictionary of Cinema》的广度令人咋舌。我随意翻到“服装设计”这个词条，它不仅仅罗列了历年的奥斯卡得主，更是深入探讨了不同文化背景下服装如何叙事，比如它对比了日本武士电影中盔甲的象征意义与法国新浪潮电影中日常着装对角色心理状态的暗示。更让我惊喜的是，它对世界各地“小语种”电影的收录，我找到了关于巴斯克地区独立电影运动的条目，这部分内容在其他任何一本我拥有的电影词典里都是付之阙如的。这种包罗万象的视野，让我对“电影”这个概念的理解不再局限于英语世界或欧洲三大电影节。每一次查阅，都像是在进行一次意想不到的知识探险，总能发现一些你原本以为自己已经掌握了，但其实深藏于知识海洋底部的珍宝。它的学术严谨性毋庸置疑，但语言风格却出奇地平易近人，没有那种让人望而却步的学院腔，读起来非常流畅。

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坦白说，我一开始对它的实用性持怀疑态度，毕竟现在网络资源如此发达，一个搜索就能得到很多信息。但是，这本书真正体现了“纸质的力量”——信息的高度聚合、权威性和永不失效的稳定性。我前阵子在整理我收集的一批老式35毫米胶片拷贝时，遇到了一些关于早期放映机型号的晦涩标记，上网搜索几乎找不到可靠的解释。但翻开这本大部头，在“Projection Technology”的部分，我找到了一个详细的图表，列出了从卢米埃尔兄弟时代至今的各种放映机规格，甚至包括了不同时期片窗（aperture plate）尺寸的标准差异。这种细致到可以解决实际操作问题的深度，是网络信息流所无法提供的。此外，它对电影配乐的收录也极具前瞻性，不仅仅停留在约翰·威廉姆斯这种巨匠，对于实验音乐家如何介入电影声音设计的讨论，也占据了相当篇幅。这本书的重量和厚度，与其说是一种负担，不如说是一种沉甸甸的承诺——承诺为你提供经得起时间考验的、最扎实的知识储备。

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