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出版者:

作者:Hughes, Philip

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2010-3

价格:305.00元

装帧:

isbn号码:9781856696401

丛书系列:

图书标签:

Design
策展
战略
安安
商业展示设计
exhibition
Marketing
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具体描述

Exhibition Design offers a thorough grounding in the principles of designing for exhibitions. It describes the skills needed to become an exhibition designer, including:

• Developing a brief and working with clients

• Design principles for graphics, circulation, lighting, and accessibility

• Presenting ideas to clients

• The practicalities of production

Visual material includes photographs of completed exhibitions by world-renowned designers, concept drawings, computer renderings, charts, and tables of information—all for a wide range of exhibitions around the world, permanent and temporary, including museums and galleries, visitor centers, brand experiences, festivals, and trade fairs. The book will inform and inspire, as well as equip students and new exhibition designers with a valuable guide to the profession.

《匠心独运：空间叙事与物质构建》图书简介本书深入探讨了当代空间设计领域中，如何通过精妙的叙事策略与扎实的物质构建，将抽象的概念转化为可感知的、引人入胜的体验。我们聚焦于那些超越传统“布展”范畴，将展览空间视为一种动态的、与观众进行深度对话的媒介的实践。这不是一本关于“如何搭建展台”的技术手册，而是一部关于“如何构建意义场域”的理论与案例分析集。第一部分：空间作为语言——叙事维度的重构在信息爆炸的时代，静态的展示已难以满足观众对沉浸式体验的渴求。本部分着重解析了叙事结构在空间设计中的应用。我们首先追溯了剧场舞台设计对现代展览空间的影响，探讨了“动线设计”如何被转化为一种“时间脚本”。观众的移动轨迹不再是简单的引导，而是被精心编排的叙事节奏，引导情绪的起伏与知识的渐进吸收。我们剖析了“非线性叙事”在大型主题展览中的潜力。通过解构传统的时间轴概念，我们探讨了如何利用空间布局的层次性、光影的对比度以及材料的肌理感，创造出多重入口和多重解读的可能性。例如，某些历史主题展览不再强求时间顺序，而是通过设置“平行时空”的展区，让观众自行拼凑历史的碎片，从而形成更具个人色彩的理解。一个核心议题是“留白”的艺术。在追求信息饱和度的设计趋势中，我们强调了沉默、未被填充的空间所蕴含的巨大叙事能量。这些空间迫使观众停顿、反思，将内心的“空白”与展品的“存在”进行对话。我们引用了哲学中的“现象学”视角，讨论空间如何作为一种“在场”的实体，主动参与到观众的感知过程中。此外，声音景观（Soundscape）在构建情感基调中的作用被提升到了与视觉同等重要的地位。我们考察了如何通过环境声、定向音效和音乐片段，精确地调控观众的情绪曲线，实现比单纯文字说明更直接的情感渗透。这不仅关乎选择何种音乐，更关乎声音的物理属性——混响、衰减率以及声源的隐藏或显露，都服务于整体的空间故事。第二部分：物质的语境——材料、光线与触觉的对话如果说叙事是灵魂，那么物质构建则是承载灵魂的躯体。本部分将焦点投向设计实践中对材料的深度运用，摒弃单纯的美观考量，强调材料的“语境性”和“记忆性”。我们细致研究了天然材料的熵变。混凝土、未经处理的木材、锈蚀的金属——这些材料随时间推移会自然老化、氧化，它们本身就是一种慢速的叙事载体。我们探讨了设计师如何利用这种可预期的衰变过程，为展览注入时间的厚度，使展品与空间环境一同经历“生命周期”。关于光线的设计，我们超越了基本的照明需求，将其视为一种雕塑工具。从早期的“聚光灯聚焦”到如今的“环境光浸润”，我们分析了如何通过控制色温、漫射角度和阴影的锐度，来定义空间的体积感和心理氛围。一个没有阴影的空间是扁平的，而一个充满对比光影的空间则具有戏剧张力。我们重点讨论了如何利用“光学错觉”来改变观众对距离和尺度的感知，从而服务于叙事目的。触觉体验的复兴是本部分的关键论点之一。在数字媒体主导的时代，对实体材质的触感反馈显得尤为珍贵。我们分析了如何通过精细的表面处理技术（如喷砂、拉丝、打磨），让观众在不经意间通过指尖或脚步感受材料的“态度”。例如，粗粝的地面材质可能暗示着历史的艰辛，而光滑的展示台面则强调了展品的珍稀性。这种潜意识的触觉反馈，构成了叙事中微妙的“脚注”。第三部分：界面的消融——技术与场域的融合当代设计面临的挑战是如何让技术成为隐形的催化剂，而非喧宾夺主的主角。本部分探讨了如何实现“技术消隐”，使高科技手段服务于空间体验的整体流畅性。我们考察了增强现实（AR）在空间叙事中的“叠加层”作用。成功的 AR 应用不是用屏幕取代实体，而是用数字信息对现有物理环境进行“翻译”或“注解”。例如，在文物旁边激活的 AR 界面，不应是冗长的文本框，而应是历史场景的动态重构，与实体展品的静默形成呼应。动态介质（如投影映射和互动装置）的设计被视为对空间边界的重新定义。我们分析了“可塑性墙面”的概念，即墙体本身不再是固定不变的背景，而是能够根据观众的位置或时间流逝而发生形态或视觉变化的媒介。关键在于如何控制这种变化的速度与范围，防止其对核心展品的严肃性造成干扰。最后，本书深入探讨了“弹性空间”的概念——设计如何预留适应未来内容变化的余地。这要求设计师在最初的规划阶段，就将结构、电力和数字基础设施设计成高度模块化和可重构的系统，确保空间本身具备持续更新的生命力，避免因内容迭代而产生大量浪费和结构性冲突。结语：从“展示”到“存在” 本书旨在挑战当前设计界对“展览”的既有认知。成功的空间叙事，在于让观众不再是信息的被动接收者，而是意义的共同创造者。它要求设计师不仅是空间规划师，更是场景编剧、材料哲学家和光影诗人。我们追求的境界是：当观众离开时，他们记住的不是“看过了什么”，而是“在那个空间里，我成为了谁”。通过对叙事结构和物质基础的深刻理解与融合，本书提供了一种系统化的思考框架，以应对未来空间体验设计日益复杂的挑战。