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出版者:Pavilion

作者:Sheridan Morley

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-09

价格:USD 22.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781862050723

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈
• 音乐
• 电影
• 传记
• 好莱坞
• 歌舞片
• 演员
• 艺术家
• 美国
• 表演艺术

电影的魔力与时代的印记：一部关于二十世纪中叶好莱坞黄金时代的幕后史诗 书籍名称： 《星光下的足迹：银幕巨匠的时代肖像》 内容简介： 本书并非聚焦于某一特定艺术家的生平或作品，而是以一幅恢弘的画卷，描绘了二十世纪中叶，好莱坞黄金时代从黎明到黄昏的复杂变迁。我们深入探究的是那个光影交错、梦想与商业激烈碰撞的时代，一个由制片厂制度主导，同时又孕育出无数革新性艺术家的独特生态系统。 第一部分：制片厂的铁笼与造星的机器（1930s - 1940s） 故事始于“制片厂体系”的巅峰时期。这不是简单的电影制作，而是一个将“艺术品”批量化生产的工业流水线。我们将揭示五大巨头——米高梅（MGM）、派拉蒙（Paramount）、华纳兄弟（Warner Bros.）、二十世纪福斯（20th Century Fox）以及RKO——如何像封建领主一样控制着演员、导演、编剧乃至发行渠道。 我们不会探讨任何一位特定舞者或歌唱家的个人传记，而是考察“类型片”如何被制度化。例如，歌舞片（Musicals）在当时远非仅仅是娱乐，它是一种严格遵循格式、旨在传达特定时代精神的社会润滑剂。我们会详细分析米高梅的“MGM 风格”——那种无懈可击的奢华感、对完美主义近乎偏执的追求，以及幕后艺术指导和服装部门如何在严格的预算和时间表下，创造出那个时代观众所期望的“梦幻工厂”的视觉效果。 本部分将重点分析“合同演员”制度的运作机制。数以百计的有抱负的年轻人在签下长约后，被公司贴上标签、重新命名、塑造形象，并根据市场调研结果被“投放”到特定的电影中。我们会研究这种工业化造星过程对艺术创作的内在抑制作用，以及即便是最受欢迎的明星，其职业生涯也如同精致但脆弱的沙雕，随时可能因市场风向或高层决策而崩塌。例如，我们会探讨在战时宣传和战后回归的背景下，电影主题如何从逃避主义转向更加关注现实的复杂性，以及制片厂如何努力适应审查制度（Hays Code）的严格约束。 第二部分：技术革新与艺术解放的拉锯战（1950s） 随着二战结束，好莱坞面临着前所未有的挑战：电视的崛起、反垄断法的拆分（Paramount Decree 迫使制片厂放弃院线所有权），以及观众对陈旧叙事模式的审美疲劳。这一时期是技术革新最为剧烈的十年。 我们将详细剖析新技术是如何被用来“引诱”观众重返影院的：宽银幕（CinemaScope）、3D 电影的短暂狂热，以及“史诗片”的兴起。这不是关于某部具体电影的评论，而是关于电影工业对市场萎缩做出的结构性反应。例如，宽银幕技术如何迫使摄影师和导演重新思考构图的逻辑，如何改变了室内布景的设计理念，以及它如何为需要宏大场面的历史剧和西部片提供了新的视觉语言。 同时，本部分也将触及“黑色电影”（Film Noir）的成熟与衰退。在社会焦虑和战后创伤的背景下，那些游走在道德边缘的角色、光影的强烈对比，成为了对战后“美国梦”的隐晦质疑。我们会分析摄影棚如何利用低成本的布景和高对比度的灯光，在不引起审查部门过多关注的前提下，表达出潜藏的社会不满。 第三部分：黄金时代的黄昏与新浪潮的涌动（1960s初） 本书的第三部分聚焦于“黄金时代”的结构性瓦解。制片厂制度的僵化使其无法适应新兴一代观众的需求，他们对更真实、更具个人视角的故事产生了渴望。 我们将探讨电视对好莱坞人才和观众忠诚度的持续侵蚀。曾经主宰一切的制片人角色开始式微，取而代之的是更加注重导演个人风格的趋势。这一过渡时期充满了挣扎与混乱：一些老牌明星的合约到期，他们试图在新的市场中寻找定位；而另一些具备独特风格的电影人则开始崭露头角，他们的作品往往更具实验性，并且开始挑战过去几十年建立起来的叙事规范。 我们也将分析好莱坞在面对更具挑战性的社会议题时的犹豫与退缩。当社会思潮转向民权、反战和性别平权时，传统制片厂的保守立场使其显得格格不入。电影主题的保守性与时代的激进性之间的巨大鸿沟，最终导致了整个体系的崩塌，为七十年代“新好莱坞”的崛起铺平了道路。 总结： 《星光下的足迹》是一部关于“系统”和“风格”的编年史。它不歌颂任何一位银幕偶像的个人魅力，而是解构了支撑起那个伟大时代的工业架构、技术壁垒和审美标准。通过对制片厂运作、技术升级、市场压力和审查制度的细致考察，本书旨在提供一个全面而深入的视角，理解二十世纪中叶的电影工业是如何在商业的驱动下，创造出那些永恒的视觉奇观，以及最终又是如何被新的艺术冲动和市场现实所颠覆。这是一部关于工业美学、商业逻辑与艺术命运交织的宏大叙事。

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初读这本书时，我原本以为会是一本比较枯燥的、按时间线罗列成就的工具书，但事实完全出乎我的意料。叙事节奏掌握得极为高明，它不是平铺直叙的流水账，更像是一部结构精巧的音乐剧。前几章的铺垫，将凯利早年在匹兹堡的成长环境，那种中产阶级背景下对体育和艺术的双重熏陶，刻画得生动活泼，让人立刻就能感受到他身上那种混合了健美与优雅的气质。随后进入好莱坞时期，作者的叙述视角仿佛切换成了电影镜头，时而聚焦于拍摄现场的汗水与火花，时而拉远景展现他对于整个制作团队的影响力。我特别留意到关于他作为导演的章节，那里展示了他如何将自己对舞蹈的理解融入到镜头语言中，比如他如何利用固定镜头和长镜头来捕捉舞蹈动作的完整性和力量感，而不是仅仅依赖快速剪辑。这种对技术层面的深度挖掘，使得即使是不太了解舞蹈史的读者，也能理解他为何被誉为“美国舞蹈的大师”。这本书真正做到了寓教于乐，读起来酣畅淋漓，完全没有阅读负担。

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要用简洁的语言概括这本书的震撼力，或许可以这样说：它重塑了我对“全能艺人”这个概念的理解。吉恩·凯利不仅仅是一个优秀的舞蹈家或演员，他是一个具有远见的、身体力行的艺术革新者。这本书的行文风格极为老练，大量使用排比和长句来营造一种史诗般的叙事氛围，尤其是在描述他如何将现代舞的元素巧妙地融入到好莱坞的商业电影体系中时，那种文字的力量感扑面而来。作者在分析凯利对爵士乐和现代芭蕾的吸收和转化时，展现了极高的理论素养，但这一切都是通过具体的电影片段和排练轶事来呈现，确保了学术深度绝不会压倒读者的阅读兴趣。这本书读完之后，我立刻回去重温了他所有的经典作品，但这一次，我看到的不再只是光鲜的表演，而是背后那个不断挑战极限、永不满足的灵魂。这是一部值得所有热爱舞台艺术、热爱电影制作的人收藏和反复阅读的力作。

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这本书的结构组织，体现了作者深厚的历史功底和对人物心理的敏锐洞察。它并没有将吉恩·凯利塑造成一个高高在上的神祇，而是细致地还原了一个有血有肉的、充满矛盾的艺术家。最令我震撼的是关于他个人生活与公众形象之间的张力。凯利在银幕上是那种阳光、阳刚、充满异性魅力的“美国好青年”代表，但书里揭示了他在幕后的坚持、对家庭的责任感，以及在面对偏见时所表现出的坚韧。作者引用了大量私人信件和家庭成员的访谈，这些一手资料让人物形象立刻丰满起来，避免了脸谱化的陷阱。特别是关于他晚年致力于推广艺术教育的部分，那种将自己的艺术理念薪火相传的愿望，读来令人动容。这本书巧妙地平衡了对艺术成就的赞颂和对人性弱点的坦诚，使得整个阅读体验充满了层次感和真实感，仿佛与这位传奇人物进行了一次跨越时空的深度对话。

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这部传记简直是电影史爱好者的一场饕餮盛宴！作者的笔触细腻入微，将吉恩·凯利（Gene Kelly）从一个充满抱负的年轻舞蹈家，如何蜕变为好莱坞黄金时代的标志性人物，描绘得淋漓尽致。我尤其欣赏他对于凯利在不同电影项目中的工作方式的深入剖析。比如，书中详细记录了《雨中曲》制作过程中，凯利如何坚持将歌舞场面融入到日常叙事中，那种近乎偏执的艺术追求，以及他如何与编舞家和导演进行复杂而富有创造性的博弈，都让人读来津津有味。不仅仅是舞蹈的闪光点，作者还坦诚地探讨了凯利在事业高峰期所面临的挑战——那些不那么成功的尝试，以及他如何应对来自评论界的压力和好莱坞内部的权力斗争。读完整本书，我仿佛不仅了解了一位巨星的生平，更触摸到了那个特定时代舞台艺术发展的脉搏，那种对完美主义的执着和对艺术形式的革新精神，至今仍具有强大的感染力。这本书的价值，远超一本简单的名人传记，它是一部关于艺术、毅力和不妥协精神的史诗。

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坦白说，我一直对那个年代的歌舞片抱有一种浪漫化的想象，但读完这本书后，我的认知被彻底颠覆了。这本书的价值在于，它撕开了华丽舞台幕布后的艰辛。作者对舞蹈编排过程的描述，简直像是一份详尽的蓝图分析。我们只看到了银幕上两分钟行云流水的表演，但书中揭示了凯利为了实现一个看似简单的转身或跳跃，需要进行数周乃至数月的身体训练和反复的试验。书中对凯利在二战期间空军服役经历的描述也很有意思，那段经历似乎进一步塑造了他那种军人般的纪律性和对目标达成的绝对专注力。此外，书中对不同合作伙伴，尤其是与斯坦利·多南（Stanley Donen）合作的分分合合，描写得尤其精彩，展示了两位天才艺术家之间那种既互相成就又彼此竞争的复杂关系。这本书成功地将艺术鉴赏的深度和人物传记的趣味性完美结合，让人不得不佩服作者的驾驭能力。

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