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出版者:Greenwood Press Reprint

作者:Alan Edgar Frederic Dickinson

出品人:

页数:292

译者:

出版时间:1979-03-28

价格:USD 102.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780837168173

丛书系列:

图书标签:

• 巴赫
• 赋格
• 音乐
• 古典音乐
• 作曲
• 音乐理论
• 对位法
• 巴洛克音乐
• 音乐史
• 音乐分析

探索巴赫赋格作品的深度与广度 一部开创性的乐理与演奏实践的综合指南 本书《巴赫的赋格作品研究》并非简单地对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的全部赋格作品进行罗列或肤浅的赏析。相反，它深入挖掘了赋格这一复调音乐形式在巴赫手中达到的巅峰状态，并将其置于十八世纪音乐语境中进行细致的考察。本书旨在为音乐学者、作曲家、指挥家以及致力于巴赫作品演奏的专业人士提供一个全面、深入且极具操作性的研究框架。 第一部分：赋格的理论基石与历史嬗变 本卷首先从音乐理论的基础出发，精确界定赋格（Fugue）的结构要素，包括主题（Subject）、对题（Countersubject）、呈示部（Exposition）、插入段（Episode）、中段（Middle Entries）与终结部（Final Entries）的严格要求与灵活运用。我们不满足于教科书式的定义，而是通过分析早期复调音乐（如中世纪的经文歌与文艺复兴时期的卡农）如何孕育出巴洛克赋格的逻辑严谨性。 重点章节着眼于巴赫之前的作曲家，如帕莱斯特里那（Palestrina）、比尔德（Byrd）和巴赫的先驱布克斯特胡德（Buxtehude）。通过对比分析他们作品中的模仿技法与巴赫晚期作品的复杂性，清晰地勾勒出赋格风格的演进轨迹。尤其详细探讨了“色彩”（Color）在赋格中的作用——即不同声部进入时所带来的听觉密度和音色变化，这是理解巴赫赋格织体密度的关键。 第二部分：键盘赋格的体系化分析 本书的中心部分聚焦于巴赫最负盛名的键盘作品：《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier，上下两卷）以及《赋格的艺术》（The Art of Fugue）。 《平均律键盘曲集》：十二平均律的实践宣言 对于《平均律》，本书采取了远超“练习曲集”的视角。我们不仅按调性顺序逐一分析了四十八首前奏曲与赋格，更关注巴赫如何利用不同的调式音高体系（尽管当时十二平均律尚未完全普及，但巴赫的作品已展现出其兼容性）来构建每个调性内部的音乐逻辑。 例如，对于C小调赋格（WTC I, No.2），我们详细剖析了其“不规则”的主题结构——如何在短小的动机内蕴含巨大的发展潜力。对于D大调赋格（WTC I, No.4），则深入研究了其四声部织体中声部转换的精妙之处，以及巴赫如何通过对位线的自由流动来避免织体的僵硬感。特别地，对《平均律》中那些采用更复杂对位技巧（如双重赋格、三重赋格）的作品进行了结构图解，揭示其隐藏的数学美感。 《赋格的艺术》：对位法的终极宣言 《赋格的艺术》被视为巴赫思想的结晶。本书将其视为一部“未完成的论文”，而非一套演奏曲集。我们详尽梳理了这部作品的四个主要部分：单纯赋格（Contrapunctus I-IV）、双重赋格（Contrapunctus V-XI）、三重赋格（Contrapunctus XII-XIV）以及未完成的卡农。 对于Contrapunctus 11（两首四声部赋格），作者引入了“潜在对位”（Potential Counterpoint）的概念，解释巴赫如何在看似简单的织体下预设了多重主题的进入可能性。对于“镜向赋格”（Mirror Fugues，Contrapunctus 14的两个部分），我们提供了详细的声部颠倒与反向演奏的可行性分析，讨论其在演奏实践中如何平衡理论的严谨与音乐的表现力。 第三部分：管风琴赋格的宏大叙事 管风琴赋格，特别是《托卡塔与赋格》（如BWV 542, 565）以及大量的“大型赋格”，展示了巴赫如何将赋格结构与教堂礼仪的戏剧性相结合。本书强调了管风琴这一乐器在塑造赋格时所带来的技术挑战与艺术机遇。 分析着重于： 1. 声部交织的“音区”控制： 探讨巴赫如何利用不同手键盘和脚键盘的音区差异（Register Separation）来清晰界定赋格的各个声部，特别是在他著名的“三层音区”写作中。 2. 主题的变形与发展（Augmentation and Diminution）： 研究在《格拉夫堡赋格》（G-minor Fugue, BWV 541）中，主题的扩大与缩小如何服务于宏大的结构张力。 3. 即兴创作的痕迹： 结合历史文献，探讨管风琴赋格中那些看似即兴的、华丽的“托卡塔”段落，是如何与核心的赋格逻辑巧妙地融合在一起的，体现了巴赫“即兴”与“结构”的统一。 第四部分：演奏实践中的挑战与诠释 本书的最后一部分转向实践层面，这是区别于纯理论研究的关键所在。 速度、表情与清晰度 针对演奏者，本书提出了一套基于巴洛克演奏习惯的“清晰度优先”原则。在速度的选择上，我们不再固守浪漫主义时期产生的过慢的演奏速度，而是通过分析巴赫时代的“运动感”（Motoric Drive）来确定更具逻辑连贯性的速度范围。 我们深入探讨了“音符的重量”（Weight of the Note）问题：在多声部织体中，演奏者应如何通过触键的力度、时值的微小处理（如“巴赫式拖沓”——Hemiola的强调）来突显主题的线条，同时保持对位线的平衡。例如，在《赋格的艺术》中，如何仅通过触键的细微差别来区分“模仿”与“对位”的织体密度。 乐器选择与音色：从羽管键到管风琴 详细讨论了羽管键（Harpsichord）、击弦古钢琴（Clavichord）和管风琴在表现巴赫赋格时各自的优势与局限。对于羽管键作品，我们对比了使用双层键盘（如法裔双层羽管键）如何帮助演奏者实现严格的声部分离，以及这种技术对巴赫原意的可能阐释。 本书的最终目标是引导读者超越对巴赫“技艺高超”的简单赞叹，而是进入其音乐思维的内在结构，理解赋格不仅仅是一种音乐形式，更是巴赫对其信仰、理性与宇宙秩序的深刻沉思。通过本书，读者将能够以更具洞察力的方式聆听、分析和演奏这些不朽的作品。

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这本书的装帧设计简直是二十世纪初的审美残留，厚重得像一块砖头，拿在手上沉甸甸的，很不方便在琴边操作。打开它需要耗费极大的物理力量，每次我试图将它平摊在谱架上时，它都顽固地想要合拢，仿佛它对被阅读持有强烈的抗拒心理。更糟糕的是，它的纸张质量极其粗糙，吸收了周围环境中的一切潮气和灰尘，书页摸起来像是砂纸。我非常担心，在多次翻阅之后，这些脆弱的页面会因为无法承受频繁的拉扯和压力而自行撕裂。对于演奏者来说，乐谱需要的是轻便、易于翻页、能够平稳放置的载体，这本书的设计理念显然与演奏的实际需求背道而明，它更适合被供奉在图书馆的深处，作为一件沉默的古董，而不是作为被使用的演奏文献。

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这部作品集的排版简直是灾难，简直是对巴赫音乐精神的公然蔑视。乐谱的清晰度低得令人发指，仿佛是用一块沾满油污的抹布在羊皮纸上涂抹出来的。我花了整整一个下午试图辨认一个看似是十六分音符却又模糊不清的音符，最终放弃，只能依靠我多年积累的对这种特定赋格结构的肌肉记忆来“猜测”作曲家本意。更别提那些毫无逻辑的指法标记——有些地方用的是完全不适合现代钢琴演奏的古典指法，而另一些地方干脆就是空白，像是排版工人打了个盹然后就直接把半成品扔进了印刷机。这本书根本不适合任何严肃的演奏者，它更像是一份给历史学家留作研究腐蚀程度的样本，而不是给音乐家使用的工具。如果你想挑战自己的视力和耐心极限，买它；如果你想真正学习和演奏巴赫的精妙对位，请立刻把它扔回书架，寻找那些真正尊重音乐文本的出版商。这种对基础工艺的漠视，实在令人愤慨。

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我曾对这本书中提及的“基于新的历史声学模型”的演奏实践抱持着一丝期待，希望它能提供一些关于古钢琴或早期键盘乐器音色处理的独到见解。结果，这部分内容简直是哲学思辨的泥潭。作者煞费苦心地构建了一套复杂的理论框架，试图解释巴赫在特定调式中如何与当时的听觉环境互动，但这一切都停留在理论层面，完全缺乏具体的、可操作的演奏指导。例如，当作者讨论到一个特定的装饰音处理时，他用了一整页的篇幅去论证这个装饰音的“哲学意图”，却没能清晰地指出在现代钢琴上，我们应该如何去模拟那种微弱的、瞬间即逝的音响效果。对于一个希望将理论转化为实际演奏的音乐家来说，这本书提供的是无尽的思考燃料，但没有提供任何点火的工具。读完后，我感觉自己更像是一个沉浸在故纸堆中的历史学家，而非一个准备登台演奏的音乐家。

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说实话，我买这本书的动机有点功利——我听说它收录了一些相对冷门的练习曲集，希望能找到一些新的练习材料来打破日常练习的瓶颈。然而，实际翻阅后发现，所谓的“精选”更像是一次敷衍了事的拼凑。很多重要的、被公认为对技术提升至关重要的段落被轻易地跳过了，取而代之的是一些结构重复性过高、训练价值有限的段落。这让我严重怀疑编辑团队是否真正理解了技术训练的渐进性原则。如果你想系统性地训练你的手指的独立性和协调性，这本书提供的路径是扭曲且效率低下的。它更像是一个对巴赫作品的广度进行“点到为止”的展示，而非深度挖掘其训练价值的指南。我不得不回过头去寻找那些更专业的、针对特定技巧优化的版本，这本书的“实用性”在我这里完全落空了。

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我得承认，我购买这本书的初衷是希望能在那些我相对熟悉的赋格主题上找到新的诠释角度，但这本书提供的“洞见”更像是对现有学术界观点的粗暴复制与粘贴，毫无新意。它的大部分导言部分充斥着对巴赫生平的泛泛之谈，那些信息在任何一本入门级的音乐史读物中都能轻易获得，甚至更加准确和深入。至于分析部分，作者似乎沉迷于用过于冗长和晦涩的术语来描述最基本的对位技巧，使得本应清晰的结构分析变得像一团乱麻。我期待的是对和声语言的微妙变化，对声部交织中情绪起伏的细腻捕捉，而不是一堆生硬的、教科书式的术语堆砌。读完之后，我感觉自己并没有“理解”得更深，反而因为被这些陈词滥调和故作高深的文字所困扰，对原本清晰的音乐印象产生了一层不必要的心理噪音。对于那些已经对巴赫有一定了解的听众来说，这本书提供的价值几乎为零。

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