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出版者:

作者:Martorella, Rosanne (EDT)

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:

价格:125

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isbn号码:9780275950002

丛书系列:

图书标签:

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建筑的诗意：光影、材料与空间叙事 图书简介 本书深入探讨建筑作为一种综合艺术形式所蕴含的深刻哲学、技术挑战与人文关怀。我们聚焦于建筑如何在物质世界中，通过对光线、材料质感以及空间序列的精妙编排，实现对人类情感和精神世界的触动与引导。这不是一本关于建筑史或结构工程学的教科书，而是一场关于“空间体验”的深度解析，旨在揭示优秀建筑设计背后那套复杂的、近乎诗意的创作逻辑。 第一章：光语——建筑的无形雕塑家 光，是建筑的第一个也是最永恒的媒介。本章将详细剖析光线如何在建筑中扮演“隐形雕塑家”的角色。我们将超越自然采光的技术性讨论，转而关注光影的动态变化如何定义时间感和空间情绪。 1.1 白昼的叙事：时间流动的容器 探讨不同朝向的窗户如何截取特定时刻的阳光，并将其投射到室内，使建筑成为一个记录时间流逝的动态画布。我们将分析安藤忠雄（Tadao Ando）如何利用混凝土的冰冷质地，与穿透性的光束形成强烈的物质对比，营造出一种肃穆而又充满希望的氛围。通过对特定案例的解构，展示光线如何引导观者的视线，甚至成为空间序列中的“虚拟墙体”。 1.2 人工之光：氛围的精准调控 人工照明不仅仅是功能性的补充，它更是对建筑精神的二次塑造。本章深入研究色温、照度和投射角度对材料反射特性的影响。讨论如何在博物馆、剧院或居住空间中，使用嵌入式照明、洗墙灯和重点照明，以微妙的方式塑造观者的感知，强调特定纹理和形式。重点分析照明设计如何服务于建筑的“夜间形象”，即建筑在黑暗背景下的存在方式。 1.3 阴影的哲学：留白的力量 阴影（即光线未触及的区域）与光线本身同等重要。阴影是深度、体积和神秘感的来源。我们将引用现象学观点，探讨阴影如何创造出“可感知的不在场”，迫使观者放慢脚步，通过比较明暗区域来感知空间的尺度和边界。 第二章：物质的对话——纹理、重量与触感 建筑的另一核心在于其物质性。本章将深入探究材料的选择、处理及其在感知层面上引发的心理反应。材料不再仅仅是承重或围护的构件，而是信息载体和情感容器。 2.1 混凝土的宣言：从粗粝到精微 混凝土，这种最基础的现代材料，在本章被重新审视。我们关注其表面处理工艺——模板的纹理（如木纹、织物纹）如何被永久地刻印在结构表面。探讨其“重量感”如何锚定建筑于场地，以及其灰色的中性色调如何为其他色彩元素提供坚实的背景。 2.2 木材的温度：记忆与触感的交织 木材作为有机材料的代表，其内在的生命力和触觉温暖感是其他材料难以比拟的。分析不同树种（如橡木、雪松、竹材）的纹理和气味如何影响室内环境。重点讨论传统榫卯结构与现代胶合木技术在当代建筑中的应用，探讨材料的“可持续性”与其“时间性”——材料如何随着老化而展现出更丰富的故事性。 2.3 玻璃与透明度：边界的消解与重塑 玻璃的意义在于其介于实体与虚无之间的模糊状态。本章分析不同类型玻璃（低辐射、磨砂、夹层）在控制视线、隐私和能源效率方面的作用。更重要的是，探讨建筑师如何利用镜面反射和折射效果，模糊室内外的界限，使建筑成为景观的参与者而非旁观者。 第三章：空间序列——身体在建筑中的行走剧本 建筑的体验是序列性的、动态的。本章的核心在于研究建筑师如何编排观者穿梭于不同空间节点时的节奏、转折和期待感，将“行走”本身转化为一种叙事体验。 3.1 节奏与韵律：步频与尺度感 分析门厅、走廊、中庭等过渡空间的设计如何影响人的步频和心理预期。探讨尺度变化（从低矮压抑到豁然开朗）如何被用来制造戏剧性的高潮。引用柯布西耶的“韵律感”理论，阐述体量与空间开合之间的数学美学关系。 3.2 轴线、焦点与视线引导 如何通过设计一条清晰或故意模糊的轴线来引导人的方向感？本章剖析了“视觉焦点”的设置——无论是远处的山景、一件艺术品，还是独特的光影效果——如何成为空间序列中的锚点，防止观者迷失方向，并赋予行走明确的目的性。 3.3 惊喜与隐藏的维度 优秀的建筑序列中总包含着意想不到的转折。探讨“突然的开敞”或“隐蔽的通道”如何打破预设的路径，激活观者的好奇心和探索欲。分析在材料和光线处理上制造的微小不和谐因素，如何提升整体体验的层次感。 第四章：场所精神的凝聚——文脉、记忆与在地性 建筑不应孤立存在，它必须与其所处的特定地理、历史和文化环境进行深刻的对话。本章探讨如何从场地中汲取灵感，创造出具有深厚“场所精神”（Genius Loci）的作品。 4.1 对话文脉：继承与反思 分析建筑师如何研究当地的传统建筑语汇（如屋顶形式、庭院布局、街道肌理），并以现代的手法进行提炼和转化，避免简单的复制。讨论在面对快速城市化时，如何通过细节和比例来“锚定”新建筑于既有环境中。 4.2 记忆的场所化：功能之外的情感锚点 探讨建筑如何承载社区的集体记忆和历史叙事。这可能体现在对旧有地标的尊重性保留、材料的再利用，或是在新建筑中为特定仪式和活动预留的象征性空间。 4.3 场地与气候的共生设计 从气候学的角度审视建筑与自然环境的共生关系。分析如何通过被动式设计策略（如遮阳结构、自然通风导流、本土植被的整合）使建筑在物理上适应环境，同时在精神上与其融合，创造出真正“在地化”的居住体验。 结语：建筑作为未竟的对话 本书最后总结，建筑的完成并非终点，而是与居住者的持续对话的开始。优秀的设计永远留有解读的空间，邀请使用者通过自己的生活、时间体验和情感投入，来完成最后，也是最重要的一笔创作。建筑的真正价值，在于其塑造和丰富人类日常经验的潜力。

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我一直以为，艺术和商业的结合，无非是如何包装和营销“美”这件事。但这本书彻底颠覆了我的认知框架。它最引人入胜的地方在于，它将焦点从“产品”本身，转移到了“生态系统”的构建上。书中花了大量篇幅探讨了“创意社群”的粘合剂作用，以及如何通过非盈利或准盈利的机制，来培育和维护一个长期稳定的艺术生态，从而间接支撑起商业实体的发展。这完全是一种“生态位”的战略布局，而不是简单的“产品线延伸”。我特别喜欢其中对“知识产权的非排他性使用”的论述，作者认为，某些形式的知识共享反而能加速特定美学理念在社会中的渗透率，最终形成一个巨大的、对核心品牌有利的文化场域。这种超越短期利益的视野，在充斥着季度报告的商业世界中，显得尤为珍贵和稀缺。它不是教你如何“赚快钱”，而是如何播种，培养一片能够持续提供养分和灵感的土壤。阅读完毕后，我立刻开始反思我们公司内部的知识管理和创新孵化机制，感觉自己被强行拉出了日常琐碎的泥潭，站在了一个更高维度的战略视角下审视问题。

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这本书的文字风格，说实话，颇有些晦涩和迷人，它不像市面上那些快餐式的商业读物，追求清晰、直接的行动指南。相反，它更像是一篇篇精心打磨的学术论文，夹杂着作者个人对现象学的理解。我必须承认，初读时略感吃力，尤其是在涉及“审美资本的代际转移”那一章节时，概念的跳跃性非常大。但一旦适应了这种节奏，你会发现其中蕴含的巨大信息密度。它不仅仅是在谈论艺术品市场，它更像是在解构“何为价值”这个哲学命题。书中对“中介机构的权力结构”分析得极为透彻，揭示了画廊、拍卖行乃至策展人在价值链条中扮演的“意义赋予者”角色，这种角色的微妙性，远超出了传统商业中“分销商”的定义。它让我意识到，在很多高价值交易中，信任和共识的建立成本，远高于物质生产的成本。作者似乎对现代资本的流动性有种近乎悲观的洞察，认为资本最终总是会流向那些能够提供最稳定、最富有情感共鸣的叙事的地方，而艺术，恰恰是这种叙事的最强载体。这是一本需要反复咀嚼的书，每一次重读，都会从不同的层次捕捉到新的隐喻和批判的锋芒。

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我通常对这种跨界题材的书抱持着一种审慎的态度，很多时候它们只是浅尝辄止，将两个领域的术语简单地拼凑在一起。然而，《Art and Business》的深度着实让我感到惊讶。它最核心的价值在于，它成功地阐述了“审美投资”如何成为一种新型的金融资产的内在逻辑，而非仅仅是外部炒作的结果。作者巧妙地引入了神经科学中关于“奖赏回路”的理论，来解释为什么某些形式的视觉或概念体验能够驱动如此巨大的消费欲望和忠诚度，这使得整个分析具有了坚实的、跨学科的基础。书中对“非线性回报曲线”的讨论尤其深刻，艺术的价值增长往往是指数级的，而非线性的，这与传统商业的边际效益递减规律形成了鲜明的对照。阅读这本书，就像是获得了一副“反直觉”的眼镜，它让你开始欣赏那些看似低效、耗时长久的投入，在特定领域内如何积累起无法被模仿的“时间复利”。这本书不是一本指导你如何进入艺术圈的指南，而是一本帮你理解，在高度信息化的社会中，如何通过创造“不可替代的感知体验”来确立竞争优势的哲学手册。

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这本书，初看之下，名字似乎指向了一个相当明确的领域——艺术与商业的交汇点。然而，真正翻开它，我才发现，这更像是一场关于“感知”与“价值重塑”的深刻对话，完全超出了我对一般商业案例分析的预期。作者并没有落入堆砌成功学故事的俗套，而是将焦点放在了艺术创作中的那些看似“非理性”的决策，如何系统性地在商业世界中构建起难以复制的壁垒。例如，其中关于“稀缺性的心理构建”的章节，并没有直接讨论供应链管理，而是深入剖析了特定艺术品在被赋予文化意义后，其市场价值是如何被“故事化”而非仅仅是“成本化”驱动的。我尤其欣赏作者处理“失败案例”的方式，那些未能实现商业预期的艺术项目，被用来反向验证了“商业化”介入艺术的临界点，这提供了一种极为宝贵的、平衡的视角。整本书的论证结构非常严谨，它不是在教你如何将画作卖出高价，而是在引导你思考，如何将一种独特的美学体验转化为持续可流通的社会资本。阅读过程中，我常常需要停下来，思考自己日常工作中的那些“效率优先”的思维定势，这本书提供了一剂必要的“慢下来”的解药，它要求读者去欣赏那些看不见的、沉淀在作品和品牌背后的长期主义的价值。那种感觉，就像是第一次通过显微镜观察到了日常事物内部复杂的结构，令人震撼。

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这本书的结构安排，简直像是一部精心编排的交响乐，充满了张力和对比。前半部分聚焦于对传统艺术市场机制的解构，充满了尖锐的批判和对权力运作的揭示；而后半部分则转向了更为建设性和实验性的领域，探讨了数字技术如何重塑“原作”的概念及其价值体系。作者在对比“物质的稀缺性”与“数字的可复制性”时所使用的类比非常具有启发性，他没有简单地拥抱或抵制NFT这类新技术，而是将其置于一个更宏大的、关于“符号权威”转移的历史语境中去考察。这种冷静的、历史性的审视，使得全书的论点极具重量感，避免了沦为对时髦技术的热衷讨论。我个人认为，书中对“策展思维在品牌战略中的应用”的阐述是全书的亮点之一，它提供了一种将零散的营销活动组织成一个连贯、有主题的“体验旅程”的方法论，远比单纯的广告投放更具粘性。这本书的阅读体验是主动的、充满发现感的，它不断地向读者抛出挑战，要求你不仅要理解其内容，更要参与到其思辨的过程中去。

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一本类似论文集一样的书，主要介绍了欧美一些国家和日本的艺术市场是怎么从政府支持到政商合流的…日本的讲得还挺有意思的，别的都大同小异的内容，什么政府没那么多钱啦，商人钱很多刚好支持本地画家搞好社区关系方便未来在这个社区的商业发展啦，就是这样商业资金侵入了艺术界和政界，刚好公司之间大同小异的时候就用艺术品来彰显自己的与众不同…很俗很real看了很绝望：）Monet那一章还挺有内容的，但是说来说去也都是没个定数的东西，讨论到最后还是希望大家“处理好文化继承与文化发展的关系”????????♀️3.5????吧

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