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出版者:

作者:乔楚

出品人:

页数:354

译者:

出版时间:2004-8-1

价格:30.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787810823166

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CS
• 平面设计
• 图像处理
• 设计软件
• 教程
• 技巧
• 图形设计
• 数码艺术
• 软件操作
• 视觉传达

雕刻光影：电影叙事中的摄影机运动与镜头语言 本书聚焦于电影艺术的核心——摄影机运动的理论与实践，以及如何通过精妙的镜头语言构建富有张力的视觉叙事。 本书并非一本关于软件操作或设计软件功能的指南，它深入探讨的是光影背后的哲学、运动轨迹中的情感投射，以及镜头如何成为导演与观众之间最直接的桥梁。我们摒弃对工具层面的关注，转而沉浸于视觉语言的深层结构分析。 第一部分：静默的力量——镜头的存在与基础语法 在讨论运动之前，必须理解镜头的“静止”状态所蕴含的叙事潜力。本部分将详细剖析摄影机作为叙事主体的基础语法： 1. 画幅的心理学解读： 景别（Shot Scale）的深度解析： 从极端的特写（Extreme Close-up）如何捕捉微表情的瞬间崩溃，到全景（Long Shot）如何界定人物与宏大环境的疏离感。我们将分析不同景别在不同文化语境下的心理暗示，例如，在东方电影中，中景（Medium Shot）的留白空间如何体现内敛的情感张力，而非仅仅是信息的传达。 构图的古典与现代变体： 深入探讨黄金分割、三分法在现代电影中的解构与重构。特别关注“负空间”（Negative Space）在悬疑片和心理惊悚片中的应用——未被占用的空间如何暗示着威胁的存在或人物的内心空洞。分析如安哲（Antonioni）电影中对非对称性构图的偏执运用，以表现现代都市的异化感。 2. 视点与主观性构建： 视平线（Eye Level）的伦理立场： 探讨视平线在确立导演与角色关系中的作用。当导演坚持使用视平线拍摄时，他是在邀请观众以平等的姿态参与事件；而当他选择仰角或俯角时，权力关系和道德判断已然被预设。 不可见的凝视： 分析“全知视角”（Omniscient View）在纪录片和史诗片中的功能，并对比其与“不可见摄影机”（Invisible Camera）原则的冲突与融合。探讨当摄影机成为“隐形角色”时，它如何引导观众的情感流向而不被察觉。 第二部分：空间的舞蹈——摄影机运动的叙事功能 运动不是为了炫技，而是为了推动叙事、揭示人物关系或时间流逝的有效手段。本部分是本书的核心，专注于运动本身如何“说话”。 1. 轨迹的意义：直线、曲线与破碎的运动 推轨（Dolly）与拉轨（Pull-out）： 分析推轨如何制造“逼近”或“揭示”的紧张感，例如，经典恐怖片中缓慢的推轨，如何让幽闭恐惧感逐渐渗透。对比拉轨在史诗开场中用于建立世界观和在情感高潮时用于角色抽离的两种截然不同的用途。 摇摄（Pan）的探索与限制： 摇摄不仅仅是跟随动作，更是对视野的限制。探讨斯坦贝克（Stamback）式摇摄，即画面在两个关键物体间快速切换，从而在观众脑中建立一个未被直接展示的“第三空间”的叙事技巧。 横移（Trucking/Tracking）的伴随与疏离： 深入分析横移镜头如何“跟随”角色穿越场景，这种运动如何体现角色的决心或被环境裹挟的命运感。对比固定焦点横移（人物在画面中保持相对位置）与自由横移（人物相对画面不断变化）在空间关系表达上的差异。 2. 轴心与失衡：虚拟运动的复杂性 轴线（Axis of Action）的破坏与重塑： 详细阐述180度法则的构建与故意打破所产生的叙事后果。当导演越过轴线拍摄时，角色间的空间感和心理连接瞬间被重置，这种手法如何用于表达冲突的突然升级或误解的产生。 虚拟运动与空间折叠： 讨论“Zolly”（变焦与推轨的结合）等技巧，它如何在固定景别中制造出令人眩晕的空间压缩或拉伸感，常用于表现人物的心理恐慌或时间流速的异常。 第三部分：时间、节奏与多维叙事 摄影机的运动与镜头的剪辑点共同定义了电影的时间感和叙事节奏。 1. 运动中的剪辑：动态过渡的艺术 匹配剪辑（Match Cut）的延续性： 重点分析运动镜头如何通过匹配剪辑实现场景间平滑或跳跃的过渡。例如，从一个圆形物体（如一杯水）的特写，无缝过渡到另一个圆形物体（如行星）的远景，实现跨越时间与空间的叙事飞跃。 跟随剪辑（Whip Pan/Swish Pan）与时间的加速： 探讨快速摇摄在模拟主观快速移动的同时，如何作为一种强烈的、不可避免的时间加速信号，将观众卷入高潮。 2. 复杂运动场景的调度设计： 一镜到底（Long Take）的调度艺术： 本部分将不再把“一镜到底”视为技术挑战，而是作为一种叙事宣言。分析如何通过复杂的、预先编排好的摄影机运动（如“斯坦尼康漫游”）来替代剪辑，从而构建出不间断的情感流和环境的真实感。我们将研究如何利用景深变化和运镜速度的微调，在单一镜头内完成情绪的起承转合。 多机位运动与场景的立体化： 探讨在复杂动作场景（如追逐战）中，如何调度多个摄影机进行同步运动，以确保信息完整性，同时避免视觉的混乱。 结语：超越工具，回归本质 本书旨在为电影制作人、视听语言研究者提供一套深厚的理论框架，用以理解镜头运动的原始冲动力和精确性。它教导读者如何将摄影机从一个被动的记录工具，升华为一个主动的、富有表现力的叙事主体。最终，我们探讨的不是“如何操作”某个设备，而是“为何选择”这种运动方式，以及这种选择对观众心智结构产生的微妙影响。

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这本书的排版和视觉呈现本身也颇具讽刺意味。作为一本关于“平面设计”的书籍，其自身的版式设计水准直接影响了读者的阅读体验。遗憾的是，整本书的布局显得非常老旧和刻板。字体选择保守，段落间距拥挤，而且大量的图示——那些用来展示Photoshop操作界面的截图——清晰度不高，很多细节在高分辨率的显示器上查看时显得模糊不清，甚至有些截图中的界面元素看起来像是更早期的版本，而非宣传中的“CS”版本。这不仅影响了学习的直观性，也让我对作者对“视觉质量”的把控产生了怀疑。一个教授平面设计软件的书，其自身的视觉表达却如此平庸，很难让人信服其教授的内容能带来设计上的飞跃。我期待的是能看到富有设计感的版式范例，能感受到字体、色彩、留白是如何被巧妙运用的，但这本书本身，更像是一份未经现代平面设计理念洗礼的内部文档，实在难以激发读者的学习热情。

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作为一名资深的UI/UX设计师，我对色彩理论在屏幕显示上的应用有着极高的要求。我期待《Photoshop CS平面设计》能针对高保真原型或网页界面设计中常见的色彩模式转换、色彩校准以及如何处理不同色域显示设备带来的兼容性问题给出深入的解答。然而，书中对于色彩的讨论，几乎都围绕着印刷领域的CMYK和标准RGB空间展开，涉及到的色彩模式转换多半停留在基础的“模式”菜单选择上。关于Web安全色、屏幕色彩管理（如ICC Profile在网页元素上的应用）的讨论几乎为零。更让我感到不解的是，书中在讲解调色工具时，没有提及如何利用CS版本中更精细的曲线调整或颜色查找表（LUTs）来批量或精准地调校界面元素的统一色调。这对于需要保持品牌色彩一致性的设计师来说，是一个巨大的缺失。这本书似乎更像是为传统印刷品设计师准备的教材，对于面向数字媒体和交互界面的平面设计需求，其覆盖面显得捉襟见肘，缺乏前瞻性和针对性。

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这本《Photoshop CS平面设计》的包装和宣传语给我留下了相当高的期待，毕竟在这个视觉为王的时代，Photoshop依然是设计领域的“瑞士军刀”。然而，当我翻开前几页，特别是关于色彩管理和图层混合模式的深入探讨部分时，我立刻感到一阵迷茫。我原本期望能看到针对CS版本特有的一些高效工作流和界面优化的讲解，比如如何利用CS引入的新增滤镜或调整工具来快速提升设计质感。书里似乎花费了大量的篇幅去讲解那些在早期版本中就已非常成熟的基础操作，比如选区工具的精细调整，虽然基础扎实很重要，但对于已经有一定基础，希望快速掌握CS新特性的进阶用户来说，这种详尽的“复习”显得有些拖沓。我特别留意了关于矢量图形处理的部分，希望能看到如何更好地将矢量元素导入并与位图进行无损融合的技巧，但书中提及的更多是关于位图的像素级操作，对于现代平面设计中日益重要的矢量与位图结合的流程，介绍得非常简略，给我的感觉更像是一本厚厚的CS入门手册，而非聚焦于“平面设计”应用层面的进阶指南。我对软件版本特性的挖掘力度感到失望，希望书中能有更多针对CS特定版本优化性能或效率的“独门秘籍”。

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我非常看重一个设计软件教程中对“效率”和“自动化”的探讨。在快节奏的工作环境中，重复性劳动是效率的大敌。我希望这本书能着重介绍如何利用CS的动作（Actions）、批处理功能，或者结合脚本（Scripting）来自动化一些繁琐的后期处理工作，比如批量压缩图片、统一添加水印或进行标准化的格式转换。我仔细翻阅了所有关于“文件”和“编辑”菜单的部分，发现动作的记录和播放被简单地提及，但并未深入到如何录制包含多个复杂步骤（比如复杂的图层样式合并或特定的滤镜链）的高级动作，更没有提供如何将这些动作绑定到快捷键或外部工具上的实战技巧。这种对自动化潜力的挖掘不足，使得这本书的实用价值大打折扣。如果它仅仅是教我如何手动点击每一个菜单选项，那么我可以直接参考官方帮助文档，何必购买一本厚重的参考书？对于追求极致工作流优化的专业人士而言，这本书在“效率提升”这一核心诉求上，没有给我带来任何惊喜或突破。

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我拿到这本书时，直奔主题，想看看它对于“设计思维”与“软件操作”的结合度如何。毕竟，再强大的工具，也需要设计师的创意来驱动。遗憾的是，本书似乎更偏向于“工具说明书”的范畴，每一章都是对某个工具栏图标或菜单功能的逐一拆解。例如，在讲解“文字排版”这一关键的平面设计环节时，它细致地列举了字符面板下的所有参数——字偶距、字距、基线偏移，但对于如何在版式设计中运用这些参数去引导读者的视线流动、营造节奏感和层级关系，几乎没有提供具体的案例分析或设计原则指导。我购买这本书是希望能学习到如何将CS的功能转化为具有商业价值和审美趣味的成品，比如一个吸引人的海报或一个信息清晰的杂志内页。书中虽然有大量的“步骤一、步骤二”的指南，但缺乏“为什么这样做”的设计逻辑支撑。它似乎假设读者已经具备了基本的版式构架能力，只教你“如何按按钮”，却没能传授“如何思考布局”的精髓。这种纯粹的技术堆砌，让我在尝试进行原创设计时，依然找不到可以借鉴的思维路径。

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