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出版者:

作者:Hanson, Anders

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:

价格:$ 30.59

装帧:

isbn号码:9781604531442

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 艺术
• 设计
• 创意
• 现代艺术
• 手工艺
• 装饰
• 灵感
• 艺术品
• CoolSculpture

《Cool Sculpture》是一本致力于探索雕塑艺术在当代语境下崭新生命力的著作。本书并非一本关于特定雕塑流派或艺术家生平的陈述，而是深入剖析了“酷”这一概念如何渗透并重塑了雕塑的创作、感知与解读方式。 “酷”在本书中被赋予了多层次的含义。它不仅仅是视觉上的新颖或形式上的前卫，更是一种态度、一种精神、一种与时代同频共振的智慧。作者通过对一系列具有代表性的当代雕塑作品的细致分析，揭示了艺术家们如何运用创新的材料、颠覆性的技术、跨界的媒介以及对社会议题的深刻洞察，来赋予雕塑全新的生命。 本书的结构围绕着“酷”在雕塑中的不同维度展开。 第一部分：材料的革命与触感的革新 这里我们将超越传统的青铜、大理石，而将目光投向那些意想不到的材料。从工业废弃物、可回收塑料，到高科技复合材料、甚至生物可降解物质，当代雕塑家们大胆尝试，打破了材料的边界。本书将探讨这些新材料如何影响作品的质感、触感，以及它们所承载的社会意义。例如，利用回收塑料创作的作品，不仅在视觉上呈现出别样的光泽和肌理，更直接回应了环保议题，赋予了艺术作品深刻的社会关怀。同时，我们将审视艺术家如何通过对材料的精妙处理，创造出前所未有的触感体验，让观众在视觉之外，更能通过想象去“触摸”艺术。 第二部分：形式的解构与空间的重塑 “酷”的雕塑往往拒绝陈规，挑战我们对形式的固有认知。本书将深入分析那些打破对称、模糊边界、甚至呈现出动态与不确定性的雕塑作品。从极简主义的纯粹与力量，到后现代主义的拼贴与解构，再到新媒体艺术的介入，艺术家们不断挑战着雕塑的物理形态。我们将探讨艺术家如何利用空间本身作为雕塑的一部分，创造出沉浸式的体验，让观众不再是被动的观看者，而是参与到作品之中。例如，利用光影、声音、甚至是观众的互动来完成作品的呈现，将雕塑从静态的实体转化为一种流动的、情境化的艺术形式。 第三部分：观念的碰撞与叙事的延伸 当代雕塑的“酷”更体现在其背后所承载的观念和叙事。本书将关注那些通过雕塑来探讨身份认同、社会公正、技术发展、消费文化以及人类生存状态等议题的作品。艺术家们不再满足于单纯的美学表达，而是将雕塑作为一种强有力的思想载体，引发观众的思考与共鸣。我们将探讨如何从作品的形式、材料、以及所处的语境中解读出艺术家深层的意图，理解作品是如何与社会现实对话，甚至挑战主流意识形态。本书将呈现那些以幽默、讽刺、或直观的方式，触动观众内心深处，引发深刻反思的雕塑实践。 第四部分：跨界的融合与体验的拓展 “酷”的雕塑早已不再局限于传统的艺术空间。本书将关注雕塑与其他艺术门类，如建筑、设计、科技、表演艺术的融合，以及它们在公共空间、数字平台、甚至虚拟现实中的崭新呈现。我们将探讨艺术家如何利用数字技术辅助创作，将静态雕塑转化为动态影像，或通过增强现实技术赋予作品新的维度。同时，本书也将探讨雕塑如何成为城市景观的一部分，如何与观众进行互动，创造出具有参与感的公共艺术体验。这种跨界融合不仅拓展了雕塑的表现形式，也让雕塑艺术更加贴近大众生活，成为一种可以被广泛体验和分享的文化现象。 《Cool Sculpture》并非一本枯燥的学术论文集，而是通过生动形象的案例分析，辅以精美的图片，带领读者走进一个充满活力与创意的雕塑世界。本书旨在激发读者对当代雕塑的兴趣，培养其批判性思维和独立审美能力，理解“酷”的雕塑如何反映并塑造我们所处的时代精神。它将成为任何对当代艺术、特别是雕塑领域感兴趣的读者的一本不可或缺的指南。

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说实话，这本书的文字像是一种精心打磨的乐器，每一个句子都带着明确的音高和节奏。它成功地将一个看似严肃的领域，转化为一场充满诗意的探索之旅。我被那种对“时间性在固体中凝固”的哲学思考深深吸引。作者并非只是描述作品的静态外观，而是深入挖掘了艺术家如何试图通过雕塑来抗衡时间的流逝，或者，反过来，如何拥抱材料的衰败和变化。书中关于“不朽与短暂”的辩证法讨论，非常具有启发性，它让我开始重新审视那些被陈列在博物馆里的“永恒之物”，它们的永恒，是否恰恰建立在对现实世界中所有变化和消亡的拒绝之上？阅读过程中，我数次停下来，陷入沉思，因为书中引用的很多观点，都像是一种温和的、但却极其有力的思想冲击。这本书的行文流畅度极高，即使是面对深奥的理论，作者也能用一种近乎散文诗的笔调将其包装起来，使之易于消化，却又回味无穷。它不只是关于雕塑，它更是一本关于人类如何看待存在、如何试图在物质世界中留下印记的深度哲学著作。

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我常常在想，一本关于“具象”艺术的书，如何能写得如此“抽象”而引人入胜？这本书做到了。它的魅力在于其独特的结构，它似乎是按照情感和概念的相似性而非年代顺序来组织的。例如，它会将文艺复兴时期对人体解剖学的精确描绘，与二十世纪末探讨身体政治的装置艺术并置讨论，这种跨越时空的对话充满了火花。书中对“尺度感”的探讨尤其精彩，作者细致入微地分析了从微缩模型到纪念碑式巨型雕塑，这种尺寸的巨大差异如何直接影响到观者与作品之间的权力关系和情感投射。我个人非常欣赏作者那种带着批判性眼光的审视，他并不盲目推崇经典，而是敢于质疑那些被奉为圭臬的作品背后的社会动因和意识形态。这种诚实的、不加修饰的分析，让这本书读起来有一种久违的畅快感，仿佛终于有人敢于撕开艺术神圣的外衣，直视其复杂的人性根源。这本书读完后，我再去看任何一件雕塑作品，都会下意识地去思考它“为什么在这里，以这种方式存在”。

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哇，这本书简直是打开了我对雕塑艺术认知的一扇新窗户！我以前总觉得雕塑是那种冷冰冰、静止的艺术形式，但作者巧妙地将动态的、流动的元素融入到文字描述中，让人仿佛能感受到作品在呼吸、在变化。尤其让我印象深刻的是其中关于“光影与材料的对话”那一章，作者没有停留在对材质本身的罗列上，而是深入探讨了不同材料——从粗粝的石材到温润的木料，再到反光的金属——如何以独特的方式捕捉和反射光线，从而赋予雕塑生命感。他笔下的艺术家们，不再是简单的匠人，而更像是与自然元素进行深度交流的炼金术士。书中引用的那些晦涩难懂的艺术理论，也被作者用非常具象、生动的比喻重新解读，即便是像我这样非科班出身的爱好者，也能轻松领会到背后的哲学思辨。我特别喜欢其中对“瞬间性”的捕捉，有些作品明明是永恒的凝固，但作者的文字却让它们呈现出一种即将发生或刚刚完成的张力，这种强烈的对比感，让阅读体验充满了惊喜和智力上的挑战。这本书的排版和插图选择也极具品味，每一页都像是一件精心设计的艺术品，让人爱不释手，阅读过程本身就是一种享受。

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这本书的文字功力，简直可以用“如切如磋，如琢如磨”来形容。它不是一本轻松愉快的读物，它要求读者投入大量的专注力，因为它探讨的主题极其深刻和复杂。作者似乎对雕塑史上的每一个重要转折点都有着近乎偏执的考究，尤其是在材料科学与雕塑媒介的结合部分，我被震撼到了。他没有简单地赞美技术进步，而是冷静地分析了新技术如何反过来塑造了艺术家的创作理念，以及艺术家如何利用这些新媒介来反抗既有的艺术规范。其中有几处对特定雕塑家创作过程的侧面描写，细致到令人发指，让你仿佛能闻到工作室里木屑和颜料混合的气味。我必须承认，有些段落我读了好几遍才勉强消化，但这正是这本书的价值所在——它拒绝提供廉价的答案。它像一位严厉而又充满智慧的导师，不断地挑战读者的知识储备和理解深度。如果你期待的是一本快速导览式的图册，你可能会感到挫败；但如果你渴望一场智力上的马拉松，这本书绝对能满足你的所有期待，它会把你的思维推向新的极限。

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读完这本书，我感觉自己的审美观像是被彻底地颠覆和重塑了。这本书的叙事方式非常大胆，它跳脱了传统艺术史那种线性的时间轴叙事，而是采取了一种碎片化、多维度的视角来构建雕塑世界的全貌。它不是一本告诉你“什么是什么”的书，而是一本引导你去“感受为什么”的书。比如，书中探讨了不同文化背景下，雕塑的功能性如何从宗教崇拜转向纯粹的审美表达，这个转变过程的描述，逻辑严密又不失文学性的张力。我特别关注到作者对“缺席之美”的论述，即如何通过留白、未完成感或空缺的形态来激发观者的想象，这种对“负空间”的深刻洞察，远超出了我以往对雕塑的理解范畴。更难能可贵的是，作者在探讨现代与后现代雕塑时，并未陷入过度晦涩的学术泥潭，而是精准地抓住了那些触动人心的情感内核。整本书读下来，脑海中挥之不去的不是具体的作品形象，而是那种探索艺术边界的兴奋感和对创作者精神世界的敬畏。这本书绝对是那种需要你反复研读，每次都能从中挖掘出新东西的宝藏。

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