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出版者:

作者:Shelly, Gary B./ Starks, Joy L.

出品人:

页数:264

译者:

出版时间:2009-6

价格:411.00元

装帧:

isbn号码:9781439079287

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CS4
• 图像处理
• 图像编辑
• Adobe
• 软件教程
• 设计
• 图形设计
• 数码照片
• 后期制作
• 技巧

《光影编织者：图像的生命与艺术》 这本书，并非关于某个特定软件版本的使用指南，而是关于一门古老而又充满活力的艺术——图像的创造与编辑。它深入探讨的，是如何透过像素的组合，将脑海中的奇思妙想转化为触手可及的视觉语言。 我们并非教授你按下哪个按钮，而是引领你理解按钮背后的逻辑。从基础的光影原理出发，你将学会如何观察现实世界中的光线是如何塑造物体的形态，又是如何影响颜色的感知。本书会从经典的绘画理论中汲取灵感，讲解明暗对比、色彩搭配的黄金法则，以及如何利用这些法则来营造特定的氛围和情感。你将了解到，一张成功的图像，从来不只是像素的堆砌，更是对光影、色彩以及透视关系深刻理解的体现。 接着，我们将触及构图的艺术。一张好的照片或绘画，其灵魂往往藏匿于其构图之中。本书会解析经典的构图法则，如三分法、黄金分割、引导线等，并深入探讨它们是如何引导观者的视线，突出主体，并赋予画面和谐与动态的。你将学会如何审视和调整画面元素的位置，让你的作品拥有引人入胜的叙事能力。 色彩，是图像的灵魂伴侣。本书会带领你走进色彩的奇妙世界，从色轮的运用到色彩的情感联想，再到不同色彩组合所能带来的视觉冲击力。你将学习如何运用色彩来表达喜悦、忧伤、宁静或激昂，如何通过色彩的冷暖对比来营造空间感，以及如何利用色彩的饱和度来吸引或引导观者。 然而，图像的生命力绝不止于此。本书还将重点介绍如何通过精妙的“后期”处理，为图像注入更深层次的内涵。这里的“后期”并非简单的滤镜叠加，而是对图像进行有目的的塑造。你将了解到，如何通过对细节的打磨，强化图像的质感，如何通过调整曝光和对比度，让图像的层次更加丰富。我们将探讨蒙版和图层的概念，并非拘泥于软件的界面，而是理解它们如何让你像雕塑家一样，精细地雕琢每一个像素，实现非破坏性的修改。 更进一步，本书会深入剖析图像的“合成”艺术。这是一种将多个图像元素巧妙地融合在一起，创造出全新现实的技艺。你将学习如何观察不同图像之间的光影、透视、色彩是否匹配，如何通过细致的边缘处理和色彩匹配，让合成的图像看起来浑然天成。这不仅仅是技术的堆砌，更是观察力、想象力与执行力的完美结合。 本书还触及了图像的“修复”与“增强”的哲学。一张褪色的旧照片，可能承载着一段珍贵的回忆。本书会探讨如何通过精细的操作，恢复图像的细节，让逝去的色彩重现生机。同时，也会讲述如何通过适度的增强，让图像的焦点更突出，信息更清晰，从而更好地传达创作者的意图。 最后，本书还将延伸至图像的“表达”层面。一张图片，可以是一个故事，一种情绪，一个观点。你将学会如何利用所掌握的图像编辑技巧，去讲述你的故事，去表达你的情感，去传递你的想法。本书鼓励读者跳出软件的限制，将技术作为一种工具，去探索图像的无限可能性，最终用视觉语言与世界进行更深层次的对话。 这本书，是献给所有对图像充满好奇，渴望用自己的双手创造视觉奇迹的探索者。它没有既定的脚本，只有无限的可能，等待你去发掘和创造。

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这本书对“视觉叙事”的探讨，是我在其他任何PS教程中都没有深入见过的。它将Photoshop不仅仅视为一个图像编辑工具，而是一个“叙事构建引擎”。在介绍“高动态范围（HDR）合成”的章节里，作者没有仅仅展示如何合并曝光，而是深入分析了不同文明背景下，人类对光线强度的心理感知差异。例如，对比了在北欧漫射光下拍摄的建筑与在地中海强光下拍摄的场景，在合成时应如何调整高光和阴影的比例，以确保最终图像传递出预期的情绪基调——是宁静、是压抑，还是充满活力。这种将心理学、美学与软件功能紧密结合的论述方式，极大地拓展了我对“完美图像”的定义。它不再是技术上零瑕疵的堆砌，而是情感共鸣的精准传递。读完这部分，我开始重新审视我以往那些仅仅追求“清晰锐利”的作品，开始思考我的照片“想说什么”。

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说实话，我抱着一种略带怀疑的态度开始阅读这本《Adobe Photoshop CS4》的实战篇章。毕竟市面上的教程太多，大多是“A点到B点”的操作指南，看完后能做出一个效果图，但一遇到新的问题就立马抓瞎。这本书的独到之处在于，它似乎预设了读者已经掌握了最基础的操作，直接将挑战设定在了“复杂合成与高精度修复”的层面。我最欣赏的是关于“蒙版的精妙运用”那一章，它没有停留在简单的画笔涂抹上，而是详细演示了如何利用3D渲染的深度信息，配合高斯模糊的半径变化，生成极其平滑、过渡自然的遮罩，用以处理发丝、烟雾这类边缘复杂的元素。这种对细节的偏执追求，简直是专业级修图师的圣经。更让我惊艳的是，它对当时CS4版本中相对晦涩的“镜头校正滤镜”进行了系统性的逆向工程分析，不仅展示了如何消除畸变，还教导读者如何利用这些数据来模拟老式胶片镜头的独特光晕效果。读完这部分，我立刻去尝试处理了一组风光照片，那种从“修图”到“重塑现实”的转变，令人兴奋不已。

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不得不提的是，这本书的排版设计本身就是一件艺术品。尽管是针对CS4这样一个略显古早的版本进行讲解，但全书的版面布局干净、留白得当，图例的绘制清晰到近乎工程图纸的严谨。尤其是关于图层样式（Layer Styles）那一块，作者没有使用那些花哨的预设效果来举例，而是拆解了“内阴影”、“渐变叠加”等效果在像素层面上是如何通过数学公式计算光照和透明度，最终叠加到原始像素上的。这个过程的阐述非常具有启发性，它让我明白，那些看起来复杂的图层效果，本质上都基于简单的数学运算，一旦理解了底层逻辑，你就可以创造出任何软件内置效果都无法比拟的自定义样式。每一次尝试书中介绍的复杂自定义投影时，都有一种“我正在编写代码而非使用软件”的错觉。这本书为我提供了一个坚实的理论框架，让我以后面对任何新版本的Photoshop，都能迅速抓住其核心功能的变化，而不是被界面的革新所迷惑。

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这本书的叙事风格极其跳跃，有一种老派学者的严谨和不耐烦，直奔主题，不拖泥带水。如果你期望看到大量“贴心提示”或者“新手友好提示框”，那你可能会感到失望。它假定读者拥有一定的视觉素养和对计算机图形学的基本认知。其中有一段关于色彩管理和色彩倾向性的论述，观点十分尖锐，直接指出了早期数码工作流中，设备色彩配置文件（ICC Profile）管理混乱的弊病，并提出了一个基于工作空间色彩感知的优化流程。我过去一直头疼于为什么打印出来的颜色总和屏幕上的有偏差，这本书用精确到小数点后三位的数值对比，清晰地解释了从sRGB到Adobe RGB乃至CMYK转换过程中的信息损失模型。这不是一本用来消磨时间的读物，它更像是一本技术手册，要求读者在阅读时手边必须备着一台经过校准的显示器和几组待处理的原片。每次合上书页，我都会觉得自己的“专业词汇量”和“技术深度”都得到了显著提升，仿佛完成了一次高强度的脑力训练。

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这本《Adobe Photoshop CS4》的精装版，拿到手里就感觉分量十足，油墨的清香混合着纸张的质感，让人对即将展开的图像编辑之旅充满了期待。我本以为这会是一本侧重于软件界面介绍和基础工具讲解的“入门大全”，毕竟CS4这个版本对于很多老用户来说，更多的是作为一种情怀或者基础学习的起点。然而，当我翻开前几页，才发现我的预期被狠狠地颠覆了。它并没有花费大篇幅去罗列那些工具栏上的每一个小图标的功能，而是直接切入到“像素的哲学”——探讨了色彩空间转换背后的科学原理，以及图层混合模式是如何模拟光线的物理叠加效应。特别是关于通道的解析部分，作者引入了大量的艺术史案例，比如如何用通道分离油画的暗部和亮部细节，重现伦勃朗的布光效果，这一点深得我心。书中对“非破坏性编辑”的理念阐述得极为透彻，它不仅仅是教你怎么用智能对象，而是深入剖析了为什么要坚持这种工作流程，因为它关系到项目后期的灵活性和可迭代性。阅读过程中，我感觉不像是在学习一个软件，更像是在一位经验丰富的设计大师的私人工作室里，听他拆解那些看似神秘的视觉魔术背后的逻辑。那种由内而外的理解，远比死记硬背快捷键来得更有力量。

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