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出版者:

作者:Munro, Doug

出品人:

页数:136

译者:

出版时间:1999-12

价格:$ 28.19

装帧:

isbn号码:9780769289311

丛书系列:

图书标签:

• 爵士吉他
• 吉他
• 音乐
• 乐器
• 演奏
• 技巧
• 和弦
• 即兴
• 音乐教育
• 吉他谱

穿越时空的音乐史诗：《布鲁斯之魂：从三角洲到芝加哥的漫长旅程》 深入探索美国音乐的根源，领略蓝调（Blues）如何孕育出我们今日所熟知的一切。 本书简介： 《布鲁斯之魂：从三角洲到芝加哥的漫长旅程》并非一本关于特定乐器演奏技巧的指南，而是一部磅礴的音乐人类学史诗。它以近乎田野调查的细致入微，追溯了布鲁斯——这种诞生于美国南方奴隶劳动和挣扎中的音乐形式——如何在一百多年的时间里，跨越地理、种族和社会阶层，最终演变成全球流行音乐的底层骨架。 我们拒绝将布鲁斯简化为简单的“悲伤的调子”或“十二小节的和声循环”。本书的核心论点在于：布鲁斯是美国南方黑人文化自我叙事和精神慰藉的最高体现，其复杂性远超任何音乐理论的范畴。 第一部分：泥土与汗水——三角洲的原始呼喊（1890s – 1920s） 本章将读者带回到密西西比三角洲的棉花田、锯木厂和简陋的“蔗糖棚”（Juke Joints）。我们详细描绘了早期布鲁斯音乐家（如查尔斯·爱德华兹、以及那些仅仅以“Blind”开头的匿名人物）的生活环境。 音色与哲学： 深入分析了“瓶颈滑棒”（Bottleneck Slide）技术如何在简陋的乐器上模拟出非洲声乐的颤音和哭腔。探讨了早期布鲁斯歌词中关于“恶魔的契约”、“流浪汉的自由”以及“无法逃脱的命运”等核心主题的社会根源。 早期记录的迷雾： 我们审视了南方方言、地方俚语在早期唱片中的体现，以及唱片公司如何“捕获”这些原始的、未经修饰的声音，并将其包装成“Race Records”（种族唱片）进行商业化推广，这种充满矛盾的早期商业行为对音乐形态的塑造起到了关键作用。 第二部分：北方的召唤——大迁徙与城市化冲击（1920s – 1940s） 随着“大迁徙”（The Great Migration）的浪潮，数百万非裔美国人涌入北方工业城市。布鲁斯音乐也随之北上，并在芝加哥、底特律、圣路易斯等地经历了翻天覆地的变化。 从原声到电流的飞跃： 这是本书最为关键的转折点之一。在拥挤、嘈杂的城市酒吧里，原声吉他无法穿透人声和鼓点的喧嚣。我们详细记录了电吉他、贝斯和鼓组如何被整合进布鲁斯乐队，以及由此催生出的“城市布鲁斯”（Urban Blues）的全新音景。这种电气化不仅是技术升级，更是一种文化宣言——代表着对南方田园生活的决裂和对现代都市身份的拥抱。 女性布鲁斯（Classic Female Blues）： 专门辟出一章，聚焦于贝西·史密斯（Bessie Smith）、玛·雷尼（Ma Rainey）等“蓝调女王”的贡献。她们的演唱风格更具舞台化、歌词更具挑衅性和女性独立意识，极大地拓宽了布鲁斯的叙事范围，使其不再仅仅是男性流浪汉的独白。 第三部分：芝加哥的熔炉与摇滚乐的胚胎（1940s – 1960s） 芝加哥成为了战后布鲁斯的中心。在这里，布鲁斯达到了其最成熟、最具爆发力的形式——芝加哥电声布鲁斯（Chicago Electric Blues）。 放大器下的咆哮： 重点分析了麦迪·沃特斯（Muddy Waters）、小沃尔特（Little Walter）和豪林·沃尔夫（Howlin' Wolf）如何利用失真（Distortion）和回授（Feedback）创造出前所未有的侵略性音色。他们将传统布鲁斯的叙事结构，与日益流行的R&B节奏元素相结合，形成了强劲的、适合舞蹈的音乐。 口琴的革命： 本书详尽考察了小沃尔特如何将原本是民谣乐器的口琴，通过连接音箱和效果器，转化为具有吉他独奏般穿透力和表现力的“电声乐器”。这彻底改变了布鲁斯独奏的形态。 布鲁斯的“青英化”： 记录了战后黑人听众对布鲁斯的热情逐渐转向更摩登的节奏与蓝调（R&B）和早期灵魂乐时，布鲁斯音乐家如何努力维持其传统观众，以及这种代际摩擦在音乐表达上的体现。 第四部分：跨越大西洋的遗产——英国入侵与全球回响（1960s至今） 本书的最后部分，探讨了布鲁斯如何以一种近乎悖论的方式，在被白人听众重新发现和演绎后，反而获得了全球性的传播和复兴。 英国布鲁斯复兴： 详细描述了滚石乐队（The Rolling Stones）、埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）以及约翰·梅奥尔（John Mayall）等英国音乐家如何痴迷于芝加哥的黑胶唱片，并将其作为自己乐队的音乐基石。我们分析了这种“跨大西洋的致敬”如何反哺美国市场，使被遗忘的布鲁斯老将重新登上舞台。 布鲁斯与摇滚乐的分岔口： 明确界定布鲁斯结构如何直接演化为硬摇滚（Hard Rock）、南方摇滚（Southern Rock）乃至重金属（Heavy Metal）的基础和和声蓝图。它揭示了那些看似激进的摇滚乐，其内核依然是三角洲田地里的那一声叹息。 读者对象： 本书适合所有对音乐史、社会学、美国文化研究感兴趣的读者。无论您是经验丰富的音乐发烧友，还是希望了解流行音乐真正起源的初学者，都将在这部详尽而充满情感力量的著作中，找到超越技术层面、直击灵魂深处的布鲁斯精神。这不是一本教你“弹奏布鲁斯”的书，而是让你“理解布鲁斯如何存在”的文化指南。 字数统计： 约1500字。

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作为一个吉他爱好者，特别是对爵士乐情有独钟的我来说，一直渴望能找到一本能够深入浅出、系统讲解爵士吉他技巧的书籍。在翻阅了市面上不少同类作品后，这本书的出现无疑像一道曙光，让人眼前一亮。它的封面设计就充满了艺术感，一种复古而又不失现代的格调，让人联想到那些在昏暗灯光下，手指在琴弦上跳跃，奏出迷人旋律的吉他大师们。我迫不及待地翻开书页，首先映入眼帘的是那种清晰、专业的排版，每一个音符、每一个和弦都标注得精准无误，让人一眼就能抓住重点。文字的描述更是引人入胜，仿佛作者就坐在我身旁，用他丰富的经验和细腻的笔触，一点点地引导我进入爵士吉他的世界。我尤其欣赏作者在讲解概念时所采用的类比，那些生动形象的比喻，一下子就打通了我理解的壁垒，让我能够轻松地掌握那些原本可能让我望而却步的理论知识。从最基础的音阶、和弦应用，到复杂的连接方式和即兴演奏的思路，这本书似乎都为我准备了一套循序渐进的学习路径。我开始期待，通过这本书的指引，我能真正理解爵士乐的精髓，并将其融入我的吉他演奏之中，奏出属于自己的独特味道。

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我一直觉得，学习一门艺术，最重要的是能够感受到它的“灵魂”。这本书给我的感觉，就是它真正捕捉到了爵士吉他的灵魂。作者不仅仅是在传授技巧，更是在传递一种对音乐的热爱和对自由表达的追求。我特别喜欢书中那种“循序渐进”的学习方式，从最基础的切入点开始，一步步引导读者进入爵士音乐的复杂世界。但这种循序渐进，并非简单的“填鸭式”教学，而是通过一个个生动的例子和引人入胜的讲解，让你在不知不觉中就掌握了关键的知识和技巧。我尤其欣赏书中关于“节奏感”和“律动”的强调，这在我看来是爵士乐最具魅力的部分之一，而这本书恰恰在这方面给了我非常宝贵的启示。我感觉，这本书不仅仅是教我如何弹奏出好听的音符，更是教我如何去“感受”音乐，如何用自己的情感去赋予音乐生命。那些对于不同爵士乐风格的介绍，以及对一些伟大吉他手的致敬，都让我对爵士吉他产生了更深厚的情感连接。我感觉，这不仅仅是一本书，更像是一位良师益友，指引我在爵士吉他的道路上不断前行，探索属于自己的音乐表达。

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这本书给我最大的惊喜，就是它所展现出的“深度”。我一直在寻找一本能够真正触及爵士吉他核心的书，而这本书无疑满足了我的期望。它不仅仅是简单的技巧堆砌，更是对爵士音乐精神内核的一种探索。作者在讲解每一个概念时，都不仅仅停留在“是什么”，更是深入到“为什么”，让我能够理解这些技巧背后的逻辑和原理。我尤其欣赏书中关于“转调”、“借调”以及“三度叠置”等高级和声概念的讲解，这些内容通常在其他书中被一带而过，但在这本书中却得到了非常详尽和清晰的阐述，让我茅塞顿开。而且，书中不仅仅停留在理论层面，更提供了大量的实际应用案例，让我能够看到这些复杂理论是如何在实际的吉他演奏中发挥作用的。那些精选的乐曲片段，以及作者对其进行的高水平分析，都为我提供了宝贵的学习素材。我感觉，这本书不仅仅是教我如何演奏，更是引导我如何去“思考”爵士乐，如何用一种更具爵士乐特有的自由和创造性的方式来表达自己。这对我来说，是一次真正意义上的升华。

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初次拿到这本书，最直观的感受就是它的“专业性”。作为一名自学吉他多年的乐手，我深知一本好的教材能够事半功倍。这本书的结构安排非常合理，从最基础的爵士乐音阶和调式讲起，逐步深入到各种复杂的和弦进行和声分析。我惊喜地发现，作者并没有将这些理论知识孤立地呈现，而是巧妙地将它们融入到大量的乐曲片段和练习中。每一次的学习，都像是在进行一次有目的的探索，总能学到新的东西，并且立刻就能在演奏中得到验证。书中的插图和乐谱清晰明了，甚至连一些细微的手型和指法都标注得一丝不苟，这对于精确掌握演奏技巧至关重要。更让我觉得难得的是，作者在讲解过程中，始终保持着一种鼓励和启发性的语调，仿佛在与我进行一次真诚的交流，让我感受到学习的乐趣，而不是压力。我尤其喜欢其中关于“旋律构建”和“和声思考”的章节，这些内容让我对即兴演奏有了更深层次的理解，不再是简单地套用音阶，而是能够更富有创造性地构建音乐。我坚信，通过这本书系统的指导，我一定能让我的爵士吉他水平更上一层楼。

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我一直觉得，学习乐器最怕的就是枯燥乏味，尤其是在面对像爵士吉他这样有着深厚理论体系的音乐风格时，很容易让人产生畏难情绪。然而，这本书却成功地打破了这一僵局。作者以一种非常友好的方式，将那些复杂的音乐理论拆解成一个个易于理解的单元，并且每一个单元都配有精心设计的练习，能够立刻将理论知识转化为实践。我特别喜欢书中的一些案例分析，作者选取了许多经典爵士乐的片段，对其中的吉他演奏进行深入剖析，让我能够清晰地看到理论是如何在实际演奏中应用的。这种“理论与实践相结合”的学习模式，对我来说是最高效的学习方式。更让我惊喜的是，书中不仅仅关注技术层面，还花了相当大的篇幅来讲解爵士乐的历史、重要的乐手以及他们的音乐风格。这让我意识到，学习爵士吉他，不仅仅是学习技巧，更是对整个爵士音乐文化的理解和体验。当我了解到那些伟大吉他手是如何发展出自己的独特演奏风格时，我感到非常受启发，也更加渴望去探索和模仿。这本书的价值，远不止于一本技术指南，它更像是一扇窗，让我得以窥探爵士乐那丰富多彩的世界。

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