贵州戏曲大观 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:25.00

装帧:

isbn号码:9787541207211

丛书系列:

图书标签:

• 贵州戏曲
• 戏曲
• 地方戏
• 贵州文化
• 民俗
• 艺术
• 文化遗产
• 戏曲艺术
• 传统文化
• 表演艺术

好的，这里为您提供一份针对《贵州戏曲大观》的、内容详实且不包含该书具体内容的图书简介。 --- 《中国戏曲通史：兼论地域流派与舞台艺术》 内容简介 本书旨在为广大戏曲爱好者、研究者以及对中国传统艺术有浓厚兴趣的读者，提供一部全面而深入的、跨越数千年历史的中国戏曲通史。我们不聚焦于某一特定省份或剧种的深度挖掘，而是致力于构建一个宏观的、结构清晰的戏曲发展脉络，深入剖析戏曲艺术从起源到鼎盛，再到现代演变的复杂历程。 第一部分：戏曲的滥觞与前身 本部分将追溯中国戏曲的文化根源，从上古的祭祀歌舞、巫觋之戏，一直讲到先秦两汉的百戏杂技与乐舞。重点阐述汉代“参军戏”的萌芽作用，以及魏晋南北朝时期乐府、歌舞伎的演变。尤其详尽地梳理了唐代“参军戏”向“燕乐”的过渡，以及宋代“瓦舍勾栏”的兴盛，如何为戏曲的成熟提供了关键的社会土壤和表演形式。我们分析了这一时期，文学、音乐、舞蹈在民间娱乐场所的融合，为后世戏曲的“说唱演”三位一体奠定了基础。 第二部分：元明清：戏曲艺术的黄金时代 本卷是全书的重点之一，着眼于中国戏曲体制的最终确立与艺术成就的巅峰。 元曲的辉煌： 详细解读元杂剧的结构特征——“一折一楔子”、“四折一楔子”的定式，以及对“正末”、“正旦”等角色行当的规范化。我们精选了关汉卿、白朴、马致远等大家的名作进行文本分析，侧重探讨其叙事技巧、套曲的音乐性以及对元代社会现实的反映。同时，本书也对南戏的勃兴进行了对比研究，指出南戏在声腔上的开放性和更贴近市民的叙事风格。 明清传奇的精细化： 探讨明代中后期，以昆山腔为代表的声腔艺术如何超越了元曲的粗犷，走向精致化、程式化。本书将重点分析传奇剧本的“曲牌”运用、板式变化以及表演上的“水磨腔”特色。我们深入考察了清代传奇的流变，特别是李玉和、洪昇等剧作家对人情世故和历史题材的深刻刻画，分析了“花部”与“雅部”的竞争与相互影响，揭示了戏曲艺术在不同地域、不同阶层审美取向下的多元发展。 第三部分：戏曲的结构要素与表演艺术 本部分跳脱出历史的时间线，转向对戏曲作为一种综合艺术形态的结构性分析。 声腔体系的建立： 梳理了中国戏曲中主要声腔体系（如西皮、二黄、高腔、弋阳腔等）的地理分布与艺术特点的差异。本书将探讨不同声腔的起源、发展路径，以及它们如何影响演员的演唱技巧和审美趣味。 行当的定型与内涵： 系统梳理了“生、旦、净、丑”四大行当的演变谱系。对于每一行当，我们不仅分析其舞台形象的程式化要求（如脸谱、服饰），更深入探讨其内在的性格塑造逻辑、演唱与念白的技巧差异，以及在不同剧种中行当角色的互文关系。 舞台空间的哲学： 分析戏曲舞台的虚拟性、象征性特征。阐述“一桌二椅”的极简布景如何通过演员的程式化动作（如“走边”、“马鞭”等）来构建出宏大的时空观念，体现了中国传统美学中“意在形先”的哲学思想。 第四部分：近现代戏曲的转型与传承 本书的最后部分聚焦于近代以来，在社会剧变和西方文化冲击下，中国戏曲所经历的艰难转型。我们审视了“皮黄”声腔如何通过徽班进京等事件，最终整合为京剧这一影响最大的剧种。我们分析了传统戏曲在现代化浪潮中，所面临的剧本创作的革新压力、观众群体的变迁，以及在保留核心艺术精髓与适应时代需求之间的复杂权衡。 本书力求以宏大的视野和严谨的考据，呈现出中国戏曲这一“活态博物馆”的完整面貌，展现其深厚的文化底蕴和不朽的艺术魅力。它不仅是研究戏曲艺术的必备工具书，也是带领普通读者领略中华美学的入门指南。 ---

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，就像是走在一条由历史构建的迷宫里，每当你以为找到了出口，却又被作者抛出的另一个更深层次的疑问所吸引。它的结构设计得非常精妙，并非简单的线性时间轴推进。作者时不时地会打乱顺序，突然从清代的某个盛景跳跃到民国初年的革新浪潮，再猛地拉回到上古传说的影子，这种跳跃感极富节奏感，成功地避免了传统历史著作的沉闷。这种非线性的叙事，迫使读者必须集中精力去梳理那些看似散乱的线索，从而建立起自己对整个艺术体系的立体认知。对于我这样的非科班出身的读者来说，这不仅是一次学习，更像是一场智力上的挑战与享受，每解开一个看似孤立的知识点，都会产生巨大的满足感。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，对我来说简直是一次穿越时空的奇妙旅行。我一直以为自己对地方戏曲多少有些了解，但这本书中对于那些已经濒临失传的声腔流派的细致考证，彻底刷新了我的认知。作者似乎拥有一个庞大的资料库，将那些失散的剧本、零碎的民间传说，如同拼图般精准地还原了出来。特别是对于某几个古老剧团的兴衰史的记述，那种笔力千钧的叙事方式，让我仿佛身临其境地感受到了昔日锣鼓喧天的盛况，以及幕后艺人们的辛酸与坚守。文字的张力极强，既有学术的严谨，又不失文学的灵动，它不是那种干巴巴的学术报告，而更像是一位老伶人在炉火旁，用他沙哑而充满故事的声音，向你娓娓道来那些尘封的往事。读到动情处，我甚至能想象出舞台上水袖的翻飞，角儿们的眼波流转，那种油然而生的敬畏感，是看任何影像资料都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，硬壳的质感，加上那烫金的书名，一下子就奠定了它厚重且典雅的基调。我尤其喜欢封面那幅写意的插画，那种水墨晕染开来的效果，仿佛能让人闻到舞台上朱砂和汗水的混合气息。内页的纸张选用得恰到好处，既有韧性又不反光，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲惫。而且，排版布局非常讲究，文字与图片之间的留白处理得如同呼吸般自然，让人在阅读那些复杂的戏曲术语和历史脉络时，不会感到局促或压抑。作者在章节划分上的用心也值得称道，逻辑清晰，层层递进，从宏观的戏曲源流到微观的脸谱艺术，每一步都像是精心设计的走位，引人入胜。说实话，我拿到这本书时，原本只是抱着随便翻阅的心态，但仅仅是摩挲着它沉甸甸的重量，看着那细腻的印刷工艺，就忍不住想立刻沉浸其中，这绝不仅仅是一本工具书，它更像是一件值得珍藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下书中对舞台艺术本体的描述，那简直是教科书级别的精准与生动。那些关于“一招鲜”的武打动作如何被程式化，某个经典唱腔的发声技巧如何依靠身体的特定部位来完成，描述得细致入微，几乎带着一种工匠精神的执着。作者似乎对每一次的起腔落调、每一次的眼神处理，都进行了详尽的解构分析，仿佛将舞台上的表演拆解成了最基本的元素，再用文字精确地重组起来。读完关于“行当”划分的部分，我对舞台上人物的身份象征有了全新的理解，那些看似夸张的服饰和妆容，背后蕴含着深厚的文化符号学意义。这本书的好处在于，它不仅告诉你“是什么”，更让你深刻理解了“为什么会是这样”，它培养的不是单纯的欣赏者，而是具备洞察力的深度观察者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述风格充满了学者的风范，冷静而客观，但其中渗透出的那份对传统艺术深深的眷恋，却是藏不住的。我特别欣赏它在处理争议性问题时的那种平衡术，对于不同流派之间的历史恩怨和艺术分歧，作者没有简单地褒贬任何一方，而是提供了一个多维度的观察视角，让读者自己去形成判断。比如，关于某个特定锣鼓点节奏的起源之谜，书中列举了至少三种截然不同的考证路径，每一种都有坚实的文献或田野调查支撑，这种不妄下结论的态度，极大地提升了文本的可信度。它更像是一部严谨的“文献地图”，为任何想要深入研究这个领域的后来者，提供了最可靠的参照坐标。虽然有些专业术语需要反复查阅才能完全理解，但这恰恰说明了作者对内容的深度挖掘，而非浅尝辄止的敷衍了事。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆